Sounds Mag'

Panique sur la Croisette

Sébastien Bourdon — 2026-05-19T13:22:51Z

Ça a l'air beau la vie dans le cinéma au moment du festival de Cannes, il n'est pas interdit au commun des mortels de se prendre à rêver d'un peu de cette idolâtrie, d'une existence de lumières et d'attente sur un plateau de tournage entre deux tapis rouges.

Cette année, c'est aussi un peu le bal des outrés face aux faux culs (ou l'inverse). Ceux qui signent des pétitions, ceux qui devraient les signer, ceux à qui il faudrait rappeler leurs obligations contractuelles sans les laisser se faire passer publiquement pour d'aimables bienfaiteurs qui se fâchent etc.

Cannes, sans y avoir jamais été pour le festival, mais en vacances enfant en des temps enfuis maintenant, on en a des souvenirs.

Bizarrement, le plus vivace reste la prestation de Faith No More en 1997 à Nulle Part Ailleurs (Canal+ !), avec ce titre de circonstance - « Ashes To Ashes » :

« I want them to know, it's me
It's on my head
I'll point the finger at me
It's on my head »

Sébastien Bourdon

Claude Sautet, une tentative d'introduction

Sébastien Bourdon — 2026-05-16T18:56:14Z

À propos de « Vincent, François, Paul et les Autres »

Près de vingt ans à écouter ici (Espace 1789) des gens de cinéma parler de leur art, éventuellement les interroger, et voilà que, par la grâce d'Elsa Sarfati, je me trouve de l'autre côté du miroir.

Certains d'entre vous ont probablement déjà vu ce film, sachant que le voir, ou le revoir, vous procurera des plaisirs différents, mais le risque d'être déçu me semble pouvoir être exclu.

Claude Sautet produisit un cinéma aussi exigeant que populaire, ce qui lui valut de la part d'une certaine critique élitiste un relatif mépris (il n'a ainsi jamais plu aux « Cahiers du Cinéma »).

Il serait facile de nos jours de réduire ses films à un temps donné, esthétiquement marqués, notamment par la tabagie obsessionnelle (on ne lésine pas non plus sur la boisson) : on fume tout le temps et partout, dans les café, les brasseries, dans la voiture, jusque dans la chambre à coucher…

Ce serait oublier le fond : la valse des sentiments, la difficulté d'aimer et d'être, le fait que rien ne se passe jamais comme prévu. Que l'on fume ou pas ne change pas grand-chose à l'affaire, et on peut être pareillement triste à vélo avec une cigarette électronique et un thé matcha.

Cette universalité du propos permet de voir et revoir ses films à tout âge. Seulement à 25 ans, c'est une aimable fiction, passé 40 ans, on peut y retrouver du vécu…

Le film de ce soir semble – par son titre – se concentrer sur le masculin, quand Sautet disait : « c'est dans les personnages féminins que j'arrive à m'exprimer avec le plus de facilité. Sans doute à cause de leur besoin d'action, leur plus grand courage, leur intrépidité même ».

Rassurez-vous, là encore les femmes ne font pas tapisserie.

Septième film de Sautet, scénarisé avec Jean-Loup Dabadie, « Vincent, François Paul et les autres » sort en 1974. Adaptation d'un bouquin de Claude Néron, « La Grande Marade », titre qui ne fut pas retenu pour le film et le moins que l'on puisse dire est qu'il ne donne pas d'indication fiable sur le sujet.

Sautet a dégrossi le livre, y a ajouté les week-ends à la campagne au cours desquels le groupe d'amis se retrouve, traversant le temps, habités par diverses inquiétudes, constatant le vieillissement de leurs idéaux de jeunesse… rien que de très actuel finalement.

Vincent (Yves Montand), c'est évidemment Claude Sautet : « la vulnérabilité, l'instabilité, l'angoisse ». Montand s'angoissera à l'idée de jouer un potentiel looser, problème qui reviendra plus tard dans le film « Garçon ! » (1983), au point de saboter un peu le scénario et le film au passage, Sautet s'étant cette fois un peu plié aux caprices du vieil acteur.

Ces vieux amis ne sont pas forcément animés de sentiments positifs, travaillés aussi qu'ils sont par la jalousie, la mesquinerie, ce qui entraîne d'inévitables conflits, plus ou moins larvés, quand ils ne s'expriment pas brutalement : ainsi de la meilleure scène d'engueulade autour d'un gigot de toute l'histoire du cinéma français. Ici Michel Piccoli fait son Claude Sautet, avec cette colère absolument pas maîtrisée.

Anecdote personnelle : Michel Piccoli est venu en ces mêmes lieux il y a quelques années, pour y lire un passage du…« Cosmoschtroumpf », chef-d'œuvre de la littérature s'il en est (et je suis sérieux).

Il est vrai que Sautet était connu pour être quelque peu caractériel et soupe-au-lait, mais sans jamais atteindre les sommets d'antipathie et de brutalité d'un Jean-Pierre Melville.

Les trois principaux acteurs du film sont d'origine italienne, ce qu'ils sont probablement également dans le film, incarnant une certaine génération de parvenus avec d'autant plus d'aisance qu'ils viennent exactement de là.

Il n'y a donc pas que les tourments amoureux dans ce film, mais aussi l'angoisse économique, la peur du déclassement, pas moins mortelles que l'amour. Là encore, en quoi le film pourrait sembler daté ?

Sautet disait que l'on ne filme pas forcément ce qu'on aime, mais ce qu'on aime montrer, ce qui n'est pas une mince nuance. Souvenons-nous que Claude Sautet a commencé par le polar, genre qu'il aimait, pour filmer ensuite les relations humaines sans avoir besoin d'intrigue policière pour soutenir son intrigue. On pourrait le comparer à Riyad Sattouf qui dit beaucoup aimer l'heroic-fantasy, mais a préféré dessiner des choses plus personnelles et intimes (rencontrant au passage un immense succès).

S'agissant de l'écriture, rappelons que même devenu célèbre, Claude Sautet était régulièrement contacté pour réparer des scénarios dont on ne savait plus comment en faire une matière filmable. Le cinéaste disait adorer faire ce que Truffaut appelait du « ressemelage ». Ses talents de scénariste étaient donc reconnus, aussi bien par le public que par ses pairs.

Cela m'évoque un film que je déteste tout particulièrement - « Le Vieux Fusil » de Robert Enrico (1975). De digne dans ce naufrage obscène, il n'y qu'une seule scène : Philippe Noiret, et évidemment Romy Schneider, couchent ensemble pour la première fois et échangent quelques mots, quelques banalités fragiles, avec délicatesse et sensibilité, et je me suis dit, c'est fou, on dirait du Claude Sautet. Normal, ce dernier ayant été appelé au secours pour écrire cette scène.

Grand anxieux, tout en tension, Sautet aimait entre chaque film s'accorder le temps de lire, écouter de la musique, pour refaire le plein, en somme.

Ce besoin de se réparer dans l'art des autres vaut pour lui, mais sans doute aussi pour nous autres, spectateurs avides de comprendre le monde, de se détacher un peu du nôtre, pour ensuite, mieux se le réapproprier.

Claude Sautet est un homme dont l'art nous aide à vivre.

Sébastien Bourdon

« L'ivresse du Pouvoir » de Claude Chabrol (2006)

Sébastien Bourdon — 2026-05-14T23:12:14Z

Visibles l'un pour l'autre

Jeanne Charmant Killman (Isabelle Huppert) est, comme son patronyme l'indique, une redoutable juge d'instruction, gants de cuir rouges sur poigne de fer, elle enquête avec diligence et sans fausse pudeur dans les arcanes corrompues du pouvoir.

Petite créature au sourire facile, elle ne s'en laisse pas pour autant compter une seconde par les plus ou moins barbons barbants qui imaginent la manipuler, la menacer ou la corrompre (François Berléand, Jean-Francois Balmer, Patrick Bruel etc.).

Ce club de mâles à gros cigares va alors tenter de l'enfumer, et elle ne se laissera évidemment pas faire.

Librement inspiré de l'affaire ELF (bien que le cinéaste s'en défende en exergue), Chabrol s'offre ici - avec le brio qui le caractérise - une virée politico-judiciaire dans Paris, se délectant du spectacle tragique des mœurs dissolues et détestables du pouvoir.

Sans évidemment virer au démonstratif lourdingue et démagogique, il fait une démonstration fine des connivences plus ou moins masquées des copains et coquins.

Les femmes font alors ici figures d'intégrité réjouissante et souriante, impliquées et intraitables : « C'est pas l'image de la justice qui m'intéresse, c'est la justice ».

À ce portrait caustique et à peine caricatural d'un état de la société, Chabrol ajoute parallèlement celui plus mélancolique du mari de Jeanne (Robin Renucci), souffrant d'une solitude de plus en plus marquée, désarmé face à une femme qui disparaît d'un quotidien qui ne lui appartient plus.

Sébastien Bourdon

« Vincent, François, Paul et les Autres » de Claude Sautet (1974)

Sébastien Bourdon — 2026-05-12T06:15:42Z

Homme au bord de la crise de nerfs

Vincent (Yves Montand) est un homme pressé (si ce n'est pressurisé) : il dirige une entreprise de mécanique, débute une procédure de divorce (Stéphane Audran) et noue une idylle complexe avec une jeune femme (Ludmila Mikaël).

S'il porte beau, on sent quand même qu'entre ses déboires sentimentaux et sa boîte sans cesse au bord du gouffre, Vincent rame, s'épuise, et sans que son entourage ne réalise forcément la gravité de sa situation.

Tout à sa virile pudeur, il dissimule au mieux son anxiété à ses proches, et notamment à ses amis François (Michel Piccoli) et Paul (Serge Reggiani), eux-mêmes confrontés à des difficultés personnelles pesantes : mariage qui se délite chez le médecin reconnu, et cruelle perte d'inspiration pour l'écrivain.

Le titre du film laisserait à penser que l'on se penchera sur le sort - dont on imagine qu'il sera plus ou moins sombre - de vieux mâles blancs, les personnages féminins faisant alors plutôt tapisserie.

Et pourtant, tout tourne autour d'elles, ainsi de Vincent qui a tant de mal à les retenir parce que, justement, contrairement à lui, elles tranchent. Claude Sautet disait : « C'est dans les personnages féminins que j'arrive à m'exprimer avec le plus de facilité. Sans doute à cause de leur besoin d'action, leur plus grand courage, leur intrépidité même ».

Mais Vincent n'a donc pas que des peines de cœur, il a aussi de réelles inquiétudes économiques, les traites s'accumulent et la trésorerie fait défaut, le réalisateur capturant là, sans le savoir peut-être, les derniers feux des Trente Glorieuses.

On relèvera que le personnage tient beaucoup de Claude Sautet : « la vulnérabilité, l'instabilité, l'angoisse » (même si les éruptions de colère, dont le réalisateur était notoirement familier, sont ici plutôt jouées par Piccoli, ainsi de l'inénarrable scène du gigot du dimanche).

Vincent, cet italien d'origine - comme ses deux amis, dans le film comme dans la vraie vie - parfaitement intégré économiquement, perçoit crûment le risque du déclassement, particulièrement insupportable lorsque l'on a réussi à s'extraire de la pauvreté des origines.

Adapté d'un roman de Claude Néron au titre trompeur - « La Grande Marrade » - le film n'a de daté que les volutes de cigarette et les traversées de Paris en voiture.

Tout le reste, la valse des sentiments, la difficulté d'être, la peur de ne plus être aimé… parlera à quiconque a un peu vécu et désiré, la vie n'étant pas moins rude avec un Côte du Rhône qu'avec un thé matcha.

Surtout, Sautet insiste, film après film, quoique l'on prévoit, nos existences restent invariablement déroutantes. Comme le dit Vincent : « On ne sait pas avec la vie ».

Sébastien Bourdon

Hermano + Solace - La Maroquinerie, le 7 mai 2026

Sébastien Bourdon — 2026-05-08T08:59:55Z

La Maroquinerie semble ce soir bien exiguë pour accueillir ces - trop - rares artistes, le concert est complet depuis des lustres et on pressent l'étuve à venir.

Solace assure une première partie agréable, déroulant un stoner solide, mais il faudrait approfondir pour vérifier, et nous sommes bien trop tendus vers l'objectif pour leur accorder autre chose qu'une écoute discrète.

Hermano est rare à tous points de vue, une discographie modeste et des apparitions scéniques très exceptionnelles, le plus souvent pour des sets légendaires, comme ceux des Hellfest 2016 et 2025.

On pourrait résumer le groupe à un des nombreux projets de John Garcia (chant) qu'on aurait tort, tant il s'agit d'une entité à part entière et diablement vivante quand elle se décide à enregistrer ou jouer en public.

Working-class heroes ayant tous d'autres métiers, et même si ce ne sont plus franchement des perdreaux de l'année, il exsude de chaque note jouée un enthousiasme et une fraîcheur désarmants.

Alternant les canonnades et le blues du désert, Hermano rappelle n'avoir jamais composé un mauvais titre, en sus de savoir les jouer bien comme il faut.

Si leur leader affiche une présence scénique retenue (fastoche quand on a autant de charisme), le reste des musiciens semble s'émerveiller en continu de jouer cette musique devant une foule conquise. Une telle ferveur est mécaniquement communicative, et le public saute en tous sens, criant et hurlant à la joyeuse communion qui se tient ce soir.

La félicité chimiquement pure libérée à ébullition complète des lieux finit par fendre l'armure de Garcia, qui se révèle alors plus causant que d'habitude, dominant de presque sanglots pour exprimer son émotion à être là, avec eux, avec nous.

« Look at me, look at me, I'm the angry American ».

Sébastien Bourdon

« Umberto D. » de Vittorio de Sica (1952)

Sébastien Bourdon — 2026-05-06T05:39:51Z

Seul dans la Foule

En arrière-plan du générique d'ouverture, dans une rue romaine, un rassemblement de retraités en colère en appelle à la revalorisation de leur pension.

On pourrait croire qu'ils font masse dans leur revendication commune, mais vite dispersés par une maréchaussée en jeep, leurs derniers échanges avant que chacun vaque de son côté, attestent de ce qu'ils ne sont pas tous si mal lotis, quand bien même ils seraient logés à la même enseigne.

Umberto Domenico Ferrari (Carlo Battisti) court après les lires, qui ne se dégotent que par liasses, et pourtant démonétisées si vite. Il a accumulé des impayés de retard auprès de sa logeuse, sorte de Castafiore sans cœur, se moquant comme d'une guigne de la misère du vieil homme. Elle reloue même ponctuellement sa piaule à des amoureux de l'après-midi, il n'y a pas de petits profits.

Umberto a un drôle de petit chien, Flicke, qui le suit partout, prodiguant au vieil homme une affection que ses semblables humains semblent pour la plupart incapables de donner.

La seule personne douée d'un peu d'empathie avec Umberto est Maria (Maria-Pia Casilio), la bonne de la propriétaire, enceinte des œuvres d'un soldat (mais lequel, elle l'ignore elle-même). Cette relation amicale dénuée de toute ambiguïté sexuelle, mais constitutive d'une affection réelle entre deux êtres aux âges éloignés, rappelle celle existant entre Kanji et Toyo dans « Vivre » d'Akira Kurosawa (1952), film sorti la même année.

Pour ne pas être expulsé, le vieux bonhomme à l'élégance intacte, cherche à se remplumer par tous moyens (vente de ses maigres biens, jusqu'à presque faire l'aumône), afin de réunir le montant qui le libérera de sa dette.

Héros d'un triste quotidien, celui d'un petit peuple romain exsangue, il se heurte à mille rebuffades et vexations, au cours de journées cruelles et harassantes qui pourraient l'amener à une solution définitive.

L'histoire de ce vieux monsieur qui chute, mais qui sans cesse se redresse, la présence du chien à ses côtés, la musique, voilà qui pourrait évoquer l'œuvre de Chaplin, mais l'humour est ici réduit à l'os (le néoréalisme italien ne s'est il est vrai pas distingué dans l'histoire du cinéma par le burlesque).

Si le Kid est un enfant avec la vie devant lui, Umberto est au crépuscule d'une existence qui n'aura presque jamais cessé d'être cruelle.

Sébastien Bourdon

Café des Lettres (et le Néant)

Sébastien Bourdon — 2026-05-05T10:13:36Z

Une fois assise dans l'institution parisienne, l'adolescente lui dit, « je pensais que c'était le rendez-vous des intellectuels ».

Il regarde autour de lui, la population est essentiellement composée de touristes, à l'élégance discutable, entre types en vêtements de sport de marque et demi-mondaines rêvant de succès sur Instagram.

Les serveurs s'agitent et sont étonnamment aimables, s'activant pour servir en souriant une internationale aisée.

À droite, un vieux monsieur courbé qui semble s'enfoncer lentement dans la banquette rouge surligne méthodiquement des articles dans le Figaro. Il fait presque déplacé en ces lieux.

Il est un peu désincarné ce Paris qui ne vit que de fantômes, en réalité pour la plupart oubliés. L'histoire du lieu est finalement sans importance, il faut juste y passer une fois, et les tarifs exorbitants achèvent de convaincre de la nécessaire visite.

La boisson que l'on voit passer le plus souvent sur les plateaux est le Spritz, quand Venise est si loin de Saint-Germain-des-Prés. Tout est factice, il faut que ce soit comme partout ailleurs tout en étant là, précisément.

Mais finalement, c'était absurdement plaisant.

Sébastien Bourdon

« Juste une Illusion » d'Olivier Nakache et Eric Toledano

Sébastien Bourdon — 2026-05-02T06:41:19Z

Un Autre Monde

1985, dans une banlieue parisienne modeste, les festivités organisées pour la bar mitzvah du jeune Vincent (Simon Boublil) se précisent.

Le quatuor familial est sous tension : Yves Dayan, le père (Louis Garrel), dissimule tant bien que mal qu'il est au chômage, son épouse Sandrine (Camille Cottin) s'exaspère de tout et aspire à autre chose, et Arnaud, le fils aîné (Alexis Rosenstiehl), se délecte de new wave entre deux escapades nocturnes.

Le petit dernier sent bien que cet âge qui vient ne se résumera pas seulement à cette sauterie religieuse, mais aussi à des changements en lui et dans sa lecture du monde. C'est finalement assez banal : il va quitter l'enfance.

Il y a donc bien là un fil narratif classique (« coming of age story »), mais la progression de l'intrigue se fait essentiellement par une succession de saynètes plus ou moins drôles, qui s'enchaînent à toute berzingue.

Cela ne manque pas de rythme, mais tout ce qui se succède à l'image n'est pas de qualité égale : si l'ennui ne guette pas, c'est parfois terriblement prévisible et téléphoné.

Le film n'est jamais meilleur que lorsqu'il cesse d'essayer de ressembler à un remake de « La Boum » - dans son pendant séfarade et masculin - pour glisser vers un humour plus échevelé, sans souci de crédibilité, et en se détachant un peu de sa volonté farouche de recréer une époque.

Parce que c'est d'abord ça qui se voit à l'image, et en appuyant fortement sur les couleurs : du badge « touche pas à mon pote » au blouson Chevignon, en passant par la photo d'identité de la collégienne inaccessible au passage par le video-club, il ne manque pas un détail pour se croire en 1985 (ceux qui y étaient savent).

L'effort porte souvent, mais pas forcément sur la forme, la couleur lourdement sépia renvoie plus à une imagerie publicitaire qu'à une fidèle reconstitution (la sobre grisaille retenue par Stéphane Demoustier dans « L'inconnu de la Grande Arche » était ainsi bien plus convaincante à restituer ce temps).

C'est plutôt sur le fond que le film laisse joliment traîner une certaine mélancolie, au-dessus des clichés. On caricatura beaucoup cette décennie en parlant d'années fric, mais il semble à l'écran - comme dans nos souvenirs - que l'on vivait mieux et plus tous ensemble, prompts même à se dresser pour que cela reste ainsi. On ne peut écarter la possibilité que nous ayons échoué à préserver cela, ce que semble amèrement suggérer le titre du film.

Sébastien Bourdon

« Les Rayons et les Ombres » de Xavier Giannoli

Sébastien Bourdon — 2026-04-29T13:23:47Z

Glaire Epais

Jean Luchaire (Jean Dujardin) et sa fille Corinne (Nastya Golubeva) souffrent du même mal, la tuberculose. Cette pathologie mortelle s'attaque à leur souffle, métaphore très signifiante de l'air qui va progressivement leur manquer.

Luchaire était un journaliste plutôt du centre (« qui n'est ni à gauche ni à gauche », comme le disait François Mitterrand), radical-socialiste attaché à la réconciliation franco-allemande.

Par ailleurs coureur invétéré, dépensant sans compter un argent qu'il n'avait pas, il a fini par verser complètement du côté obscur. Usant et abusant de ses liens d'amitié avec l'ambassadeur d'Allemagne à Paris, Otto Abetz (Auguste Diehl), il entre vigoureusement dans la collaboration, tendance champagne et arrangements financiers, son travail de journaliste lui permettant même de diffuser la mauvaise parole.

Parallèlement, sa fille écervelée aux rêves de celluloïd commence à se faire un nom dans le cinoche.

C'est par la voix fatiguée de cette dernière, après-guerre, que nous est raconté dans le détail ce compromis absolu avec la morale qui mènera ces deux protagonistes au désastre (somme toute assez mérité, le film ne cherchant pas franchement à nous attendrir, même s'il n'est pas dénué d'une certaine empathie pour ces guignols tragiques).

Pas de mystère sur leur sort, il est révélé dès l'ouverture, en revanche, avec une certaine subtilité narrative - moins flagrante dans la façon de filmer, très démonstrative - on comprend comment dérapent ces personnages : par le dévoiement de convictions idéologiques (d'abord aux antipodes du nazisme), mais surtout par des exigences matérielles qui vont les perdre.

Le film, si long soit-il, ne s'embarrasse ni de dates, ni d'explications historiques, nous sommes au plus près des personnages. On vogue, entre deux séances de rédaction au journal, de fêtes en réceptions, comme si la guerre n'existait pas, alors que cela ne fait pas de doute : à l'ambassade d'Allemagne, c'est le bal des maudits qui bat son plein.

À l'inverse du « Lacombe Lucien » de Louis Malle (1974) qui racontait la collaboration d'un gueux, venu là-dedans comme il aurait pu être ailleurs, Xavier Giannoli s'attache aux pas d'une certaine bourgeoisie qui va se compromettre en espérant conserver ses privilèges.

Évidemment, Luchaire, tout opportuniste et hédoniste qu'il soit, avait quand même un semblant de morale, qui n'en sortira pas sauve, quoiqu'il raconte à lui-même comme aux autres.

La réalisation de Giannoli n'est pas dénuée de qualités, mais elle manque de subtilité. Ainsi de cette manière d'annoncer les événements : un personnage surgit et on comprend instantanément que c'est par lui qu'arrivera, c'est selon, l'amour, le scandale, la mort etc. La vie ne nous donne pas si facilement d'indicateurs précis, le procédé à l'écran finissant par être pesant à la longue (d'autant que la musique omniprésente en rajoute une couche).

En revanche, ce serait faire un bien mauvais procès que de taxer Giannoli de complaisance avec ses personnages. Il nous les montre se débattre avec leur semblant de morale, leur petitesse et leur ego. Le réalisateur rappelle seulement la banalité du mal, ce sont des humains lamentables, comme il en existe tant, n'entraînant aucune sympathie possible du spectateur.

Reste que cela fait quand même plus de trois heures à côtoyer des gens sordides, et on les quitte sans regrets.

Sébastien Bourdon

« César et Rosalie » de Claude Sautet (1972)

Sébastien Bourdon — 2026-04-28T14:08:27Z

On appelle ça le Charme

L'industriel César (Yves Montand) est un homme pressé, il court en tous sens, il charme et s'emporte, sans cesse sur la brèche.

Il aime éperdument Rosalie (Romy Schneider), femme qui a déjà un peu vécu, mère d'une petite fille dont on ne verra pas le père, mais cela fait un tout qui enchante César.

Il n'y a que deux prénoms dans le titre du film, mais le troisième personnage qui va surgir, David (Sami Frey), n'est pas moins important puisqu'il va être à l'origine de ce triangle amoureux à naître.

Rosalie a autrefois aimé cet homme, mais si l'on ignore les détails, il est clair qu'il est sorti de sa vie sans que ce qui existait entre eux se soit achevé. D'où son émotion à le revoir et les contrariétés qui vont suivre.

Le couple est affaire d'équilibres sans cesse mouvants et son retour va sérieusement perturber César, ce dernier comprenant très vite que ce type au charme assuré et tranquille constitue une indéniable menace sur son idylle.

Évidemment, la panique amoureuse est mauvaise conseillère et sa capacité renouvelée à réduire à néant tout ce qu'il accomplit de bien l'amène invariablement au désastre (et ensuite à des efforts constants pour remonter la pente sur laquelle il s'est violemment laissé glisser).

C'est d'autant plus dommage que Rosalie n'a pas franchement d'idée arrêtée sur ce qu'elle veut faire, si ce n'est qu'elle est libre et entend le rester.

Claude Sautet saisit une fois de plus des caractères et des situations avec finesse et sensibilité. Le film est mené à un rythme haletant, avec ses protagonistes toujours au bord de la crise de la nerfs, sautant soudainement dans des voitures pour rejoindre la mer.

Les sentiments amoureux sont complexes et changeants et, comme toujours, les personnages de Sautet se retrouvent à traverser l'inconnu quand ils semblaient tenir fermement pour acquis leur sort.

Ce qui tient ces êtres dans le chaos que provoquent leurs rencontres, ce sont les affections qui se créent, sources de joie comme de désespoir, à laquelle ils n'entendent pas renoncer, si douloureux cela soit-il.

Et puisque tout, tout le temps, peut changer, à quoi bon renoncer aujourd'hui, quand demain tout sera peut-être radicalement différent.

Sébastien Bourdon