Sounds Mag'

ROSAS DANST ROSAS d'Anne Teresa de Keersmaker - Espace 1789, le 28 mars 2026

Sébastien Bourdon — 2026-03-29T13:02:34Z

Chaises Musicales

Dans un décor minimaliste investi de quatre danseuses débute, après un tic-tac interrompu dans le fracas sonore, un marathon dansant de plus d'une heure et demie.

La première partie à l'austérité programmatique va se révéler un peu éprouvante (et indigeste) : sans aucune musique, les gestes saccadés et répétitifs des danseuses n'ont pour seul accompagnement sonore que le bruit de leurs corps sur le sol et leur souffle.

Elles évoquent des sphinx intranquilles qui ne cesseraient de retomber à terre, leurs efforts incessants de lutte contre la gravité se révélant vains.

Puis vient le bruit du bois et du fer, jaillissent des enceintes des rythmiques probablement impaires qui accompagnent cette incapacité des corps à trouver la paix, sans cesse pris de soubresauts identiques ponctués de trop courtes respirations.

L'heure quarante écoulée, si on a pu saluer la performance physique, la puissance visuelle et l'impressionnante cohésion des artistes, n'en demeure pas moins la sensation d'un spectacle assez lassant dans sa volonté de performance à tout prix.

Il y a bien un peu de joie dans l'expression, mais la chorégraphie par trop mécanique manque d'un peu de légèreté (phénomène probablement amplifié par la rudesse de l'accompagnement sonore).

Surtout, on devinerait presque par anticipation ce qui va se passer sur scène. La pièce a été créée en 1983, elle était probablement en avance de phase, mais aujourd'hui, sans être toutefois datée, elle marque peut-être un peu le pas sur des œuvres contemporaines - qu'elle a d'ailleurs probablement grandement influencées (impossible de ne pas penser par exemple à Leïla Ka).

Sébastien Bourdon

« The Gathering » - WLDN/Joanne Leighton - Espace 1789, le 22 novembre 2025

Sébastien Bourdon — 2025-11-22T10:15:02Z

Promenons-nous dans les Bois

Alors que les spectateurs s'installent dans la salle, la troupe est déjà présente dans les travées et lit à qui veut bien l'entendre des extraits de « Walden » d'Henry David Thoreau (1854), texte qui inspire le nom de la compagnie, comme le spectacle.

Progressivement, le silence se fait et sur l'estrade les danseurs commencent un échange muet. Faisant circuler une branche morte, parfois violemment frappée au sol, ils déplacent également des pierres, dans une cadence de plus en plus présente à nos oreilles et à nos corps.

Le rituel a commencé.

La tension monte imperceptiblement, les protagonistes font s'entrechoquer les roches, ajoutant à la pulsation sonore grandissante (Peter Crosbie), s'éloignant et se rapprochant sans cesse en des gestes saccadés, accélérant leurs pas dans une désorganisation qui n'est qu'apparente.

Sur le fond de la scène une projection en noir et blanc défile (Flavie Trichet-Lespagnol), on y distingue un paysage sylvestre, la danse et ce dispositif scénique semblent nous raconter une histoire venue du fond des âges, à la signification obscure et obsédante.

Les danseurs bougent sans cesse, seuls, par petits groupes que leurs pas agglomèrent et, ponctuellement, se retrouvent pour former des blocs mouvants dans des tableaux à la beauté stupéfiante (ces instantanés mobiles renvoient évidemment à l'intitulé de la pièce).

La pulsation vitale ne s'interrompt jamais, elle se poursuit sans cesse, sous diverses formes et, s'absorber collectivement dans son mouvement, jusqu'à peut-être s'abîmer, se révèle d'une très belle intensité.

Sébastien Bourdon

Ben Duke : Juliet & Romeo - Espace 1789, le 11 octobre 2025

Sébastien Bourdon — 2025-10-14T16:45:16Z

Midlife-crisis

Quand on aime on a toujours vingt ans et puis un jour, ça change, nous laissant bien désemparés sur ce qu'il conviendrait de faire.

Juliet et Romeo ont essayé bien des choses, mais rien qui ne soit suffisamment efficace pour lutter contre la monotonie des jours, poison mortel de leur idylle.

Ce soir, ils tentent donc une thérapie de couple, mais en public, celui de la salle, pris à témoin avec le sourire lorsque débute la pièce.

Sur l'initiative de Juliet (Emily Terndrup), et nonobstant un Romeo (John Kendall) un peu réticent, chacun des protagonistes va confronter ses souvenirs à l'autre, remontant au temps de la rencontre, espérant y trouver causes de la douleur et moyens de la guérir.

La pièce est anglaise comme le sont les protagonistes, et c'est dans la langue de Shakespeare - forcément - que va se jouer le mélodrame.

Poursuivant les dialogues et les situations, la musique surgit, illustrant le propos et finalement accompagnant la danse. En effet, le spectacle comporte de nombreux moments où aux paroles se substituent finalement des séquences dansées.

Les Beatles, Cat Power ou Sinatra, point de faute de goût dans le choix des titres, tout juste pourrait-on trouver la danse plus illustrative que performative. Les pas sont charmants (ou drôles), mais on a connu plus intense en termes d'entrechats.

Mais ce n'est pas là que pêche surtout ce joli spectacle : si l'on ne trouve pas grand chose à lui reprocher sur le plan formel, le fond ne dépasse pas franchement le niveau des conseils de couples dans une gazette de potins.

Chacun est dans son rôle, presque jusqu'à la caricature genrée d'un autre temps, la femme et ses humeurs, l'homme et sa pudeur pataude, Madame s'occupe de l'enfant, Monsieur a du travail etc.

La dernière partie du spectacle, où Shakespeare envahit scènes et dialogues et où le ton se fait plus grave, est plus intense, hissant un peu l'ensemble au-delà des limites du spectacle tous publics.

Sébastien Bourdon

« Maldonne » création de Leïla Ka - Espace 1789

Sébastien Bourdon — 2024-01-23T12:41:52Z

She got me (when she got her dress on)

L'obscurité se fait dans la salle, cinq femmes se tiennent debout sur la scène, en robes chatoyantes. Par de subreptices et progressifs gestes saccadés, elles semblent essuyer une larme, subir un chagrin.

Puis, toujours dans un silence que ne perce que le son haletant de leur souffle, les gestes se font plus amples, comme repoussant violemment une souffrance. Dans une synchronisation qui ne cesse de se défaire et se refaire, les mouvements deviennent paroxystiques, jusqu'à se jeter au sol pour invariablement se redresser et retomber encore.

Soudainement tout s'arrête, et en un fondu sur noir enchaîné, elles ressurgissent dans d'autres robes, reprennent de folles danses virevoltantes, malmenant corps et parures, occupant tout l'espace.

Elles sont habitées, comme hors de contrôle, pleines de rages et de désespoir, transfigurant par la danse les luttes d'une féminité combative. Tout virevolte, mais dans une maîtrise absolue de l'équilibre et du geste.

L'éclectisme des musiques utilisées - de l'electro minimaliste au baroque, en passant par Léonard Cohen et… Lara Fabian, quand ne revient pas leur seul souffle expiré de manière martiale - donne au propos des éclairages et des tons différents. Triste, drôle, belle, enragée, épuisée, combattante…, c'est la femme dans tous ses états qui se produit en quintette.

Leila Ka a voulu exprimer ici que d'être femme c'est la possibilité de n'avoir pas eu toutes les cartes pour être entière, car il y a eu, justement, « maldonne ». Et il faut alors rebattre l'injuste jeu, dans une furie généreuse et magnifique, justifiant qu'à la fin, ce soit la salle entière qui se tint debout.

Sébastien Bourdon

« Giselle… » de François Gremaud - le 14 décembre 2021, Espace 1789

Sébastien Bourdon — 2021-12-16T17:27:24Z

Paraphrase et Pantonymes

La scène est un grand rectangle blanc (« la scène est sur une scène »), au fond quatre musiciennes sagement installées (flûte traversière, violon, harpe et saxophone).

Surgit une petite rousse athlétique de noir vêtue, en baskets blanches. Et immédiatement, sans que l'on perçoive trop comment, s'instaure le miracle de la présence humaine. Est-ce l'accent hollandais, le sourire, le port gracieux ? Ou plutôt une aisance naturelle qui va transformer ce modeste espace scénique en un gigantesque terrain de jeu pour l'évocation d'une œuvre.

Si la scène est sur une scène, l'œuvre est dans l'œuvre.

De quoi s'agit-il ? D'une leçon, mais la plus enthousiasmante et festive qui soit. Réduire un ballet emblématique à sa plus simple expression pour justement, le re-créer sans le trahir. Le ballet n'est point amputé par le format réduit, bien au contraire, porté par la voix et la gestuelle de Samantha van Wissen, il nous est restitué.

Connaître ou pas le ballet dont il est question est d'ailleurs sans importance, les points de suspension attachés au titre original trahissent les intentions de l'auteur : la place est faite au dépassement et à l'imagination.

Œuvre phare dans l'histoire de la danse (musique Adolphe Adam, texte Théophile Gautier), œuvre emblématique de l'apogée du romantisme, le ballet a été présenté pour la première fois le 28 juin 1841 à l'Opéra de Paris. Samantha, aidée des quatre musiciennes, va par la parole et le geste en rappeler toute l'intensité, la beauté, la grandiloquence, avec une nuance supplémentaire dans la palette : l'humour.

Elle habite tellement son texte qu'on le croirait improvisé sous nos yeux, fruit tout juste tombé de l'arbre de l'érudition et de la fantaisie. Il n'en est rien, tout cela est autant pensé qu'écrit : à l'issue de la pièce, elle nous offre à tous le livre et nous renvoie à la page finale pour que nous la parcourions ensemble avant de se quitter.

Ce n'est pas si souvent, et c'était aussi joli que mérité, toute la salle s'est levée pour longuement applaudir cette merveille d'écriture, de danse et de musique.

Sébastien Bourdon

« Political Mother Unplugged » de Hofesh Schechter - Espace 1789 le 22 septembre 2021

Sébastien Bourdon — 2021-09-25T09:33:36Z

Cadence et Cascades

La lumière s'éteint, un type arrive sur scène déguisé en samouraï. Il ondule, forcément, c'est un danseur, mais il se fait soudainement hara-kiri en hurlant et s'effondre dans un râle. Avec cette introduction, le ton est donné, il y aura peu d'entrechats mais pas mal de brutalité saccadée.

C'est ainsi que le show à suivre se veut sans peur de l'intensité et indéniablement il y parvient, à commencer par sa partie sonore.

Rares en effet sont les ballets où l'on distribue des bouchons d'oreille au préalable, et force est de constater que ces outils n'étaient pas superfétatoires (en ces périodes de disette de concert, il était toutefois assez agréable d'entendre joué à fond les ballons un metal industriel particulièrement sauvage).

Pour ce qui est de la chorégraphie, faite de stupeur et tremblements, de gestes brusques évoquant parfois un zombie qui aurait pris la foudre, elle frappe visuellement. L'énergie déployée sur scène est palpable, parfois jusqu'à l'appréhension, tant on joue avec les nerfs du spectateur, déjà abasourdi par les décibels.

Cette sauvagerie touche toutefois un peu ses limites quand, quelque soit le fond sonore, les gestes deviennent trop similaires, la danse peut-être un peu trop uniforme.

Ensuite, si l'on ne sait rien ab initio du discours qui sous-tend le spectacle, force est de constater que l'on n'en sait guère plus en sortant, sauf à chercher des explications ailleurs. Et ce n'est pas le nom même de cette pièce qui va aider : qu'entend-on donc par « Mère Politique Débranchée » ?

Les convulsions des danseurs portent probablement un propos très général sur la violence du monde des humains. Ce sous-texte est ainsi largement martelé par des vidéos alternant visions floues et effrayantes de tribun vociférant ou de hurleur heavy metal.

Une heure plus tard, une fois le chaos bondissant sur scène achevé, il nous est donné une précision écrite supplémentaire en fond de scène, toujours en anglais : « Where There is Pressure There is Folk Dance ». Autant dire qu'avec ce propos final, on n'est guère avancé.

On sort donc un peu interloqué de ce spectacle qui, s'il vous saisit immédiatement à la gorge, peut interroger sur la réelle adéquation entre l'ambition politique du propos et la pièce proposée, cette dernière faisant qu'on se pose plus d'interrogations sur sa forme même que sur les sujets qu'elle prétend aborder.

Sébastien Bourdon

FASE Four Movements to the Music of Steve Reich - Espace 1789, le 13 décembre 2019

Sébastien Bourdon — 2019-12-14T14:45:00Z

Time is of the Essence

Bravant les frimas et la grève, c'est en masse que l'audonien - coeur fidèle - est venu assurer une deuxième soirée sold-out consécutive à une chorégraphie souvent décrite comme une pierre angulaire de la danse contemporaine (présentée pour la première fois en 1982 à Bruxelles).

Pas spécialiste de la question, mais curieux de la chose, me voilà sur le point de plonger durant à peine plus d'une heure dans de sacrées circonvolutions corporelles.

Deux jeunes femmes mènent la danse (Yuika Hashimoto et Laura Maria Poletti). La chorégraphie est de Anne Teresa De Keersmaeker, sur une musique de Steve Reich. Le décor est le plus souvent réduit à sa plus simple expression, seuls de subtils effets d'ombre et de lumière sont notables et particulièrement réussis.

Si le spectacle nous emporte, ce n'est toutefois pas forcément pour nous emmener en des territoires éthérés et oniriques. Si l'on résume, la musique minimaliste et répétitive de Reich crée des boucles au sein desquelles les danseuses semblent répéter inlassablement les mêmes mouvements.

Les pas ne sont pas nécessairement gracieux car parfois plus proches de la secousse que de l'entrechat. Il y a même comme une forme de violence dans ces déplacements scéniques rapides et hypnotiques.

La musique lancinante - parfois jusqu'à devenir simple boucle sonore (« Come Out ») - et ces mouvements permanents donnent l'illusion d'un immobilisme dans la répétition, quand en réalité, les corps se déplacent sans cesse dans l'espace et dans le temps, en cercle ou en ligne droite, se trouvant tout à coup ailleurs, comme par miracle.

Pour le béotien, il n'était pas exclu de pouvoir se demander ponctuellement si ce qu'on nous donnait à voir était absolument génial ou complètement chiant.

Mais à la sortie, pas de doute possible, et l'enthousiasme partagé des spectateurs le confirmait, il s'agissait de quelque chose de chimiquement pur et techniquement parfait. On reconnaît en tout art ceux qui dominent : ils apprennent tous les codes pour ensuite les briser et suivre leur propre chemin.

Sébastien Bourdon