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« La Séparation » de Claude Simon - mise en scène Alain Françon - Les Bouffes Parisiens, le 31 décembre 2025

Sébastien Bourdon — 2026-01-02T08:34:41Z

Scènes de la vie conjugale

La scène est coupée en deux en son centre, dans la largeur. Se jouxtent de part et d'autre de la cloison deux pièces avec cabinets de toilette. La décoration des lieux laisse à penser à la campagne, fruste mais coquette.

Dans ce décor, deux couples vont se déchirer, un fils et son épouse (Pierre-François Garel et Léa Drucker), et ses parents (Catherine Hiegel et Alain Libolt).

On démarre à gauche, les plus jeunes des protagonistes dialoguent sans chaleur ni répit, dissertant à propos de divers sujets sur un mode extrêmement littéraire.

Si tout n'est pas limpide dans ce long échange, on comprend que dans cette demeure il n'y a pas que ce ménage qui meurt, mais également une vieille femme, qu'on ne verra point et qui s'avère être la sœur du maître des lieux.

Une bonne sœur bossue (Catherine Ferran), comme surgie d'un film de Dario Argento, tiendra ponctuellement informés les personnages de l'inéluctable évolution de son état.

Cette première partie se révèle complexe à l'accroche, l'écriture plus romanesque que théâtrale empêchant d'adhérer pleinement à ce qui se passe.

Ce n'est que le surgissement à droite de la reine mère qui va tout à coup faire décoller la pièce. Catherine Hiegel, en vieille femme frustrée et pleine de rancœurs anciennes, est impériale. Il est vrai que le texte lui réserve de longs monologues qu'elle aborde avec une gourmandise de comédienne chevronnée.

Claude Simon - Prix Nobel de littérature 1985 - n'a écrit qu'une seule pièce de théâtre, celle-ci, et elle était un peu oubliée lorsqu'Alain Françon a décidé de l'exhumer. Indéniablement très écrite, au risque d'être datée, elle n'en est pas moins pleine de saillies drolatiques, assez inattendues au regard du style et du contexte.

Cet aspect comique a toutefois les défauts de ses qualités : ainsi alors que sous nos yeux une vieille femme ivre crie sa rage d'une vie enfuie, marquée par l'infidélité de son époux, les spectateurs rient bruyamment, bien au-dessus de ce que le texte sous-tendait.

Mais qu'importe, la troupe ne se laisse pas déborder par la salle et la pièce sur leurs épaules trouve sa voie comme son ton.

Sébastien Bourdon

« Pétrole » d'après Pier Paolo Pasolini, Odéon le 20 décembre 2025 - Adaptation et mise en scène de Sylvain Creuzevault

Sébastien Bourdon — 2025-12-23T08:31:06Z

Bordel à Queue

« Pétrole » est un manuscrit inachevé de Pier Paolo Pasolini, dont l'écriture fut interrompue par sa mort brutale le 2 novembre 1975.

Le livre est un enchevêtrement de fulgurances, réunies en notes éparses et numérotées dans le désordre, procédé repris par la mise en scène.

Il y a bien en fond un semblant de narration : raconter les circonstances troubles du décès de l'industriel Enrico Mattei, probablement mis en musique par son successeur à des fins de déstabilisation politique de l'Italie.

Évidemment, dans ce contexte, la pièce se révèle particulièrement complexe à la comprenette.

On pourrait résumer ce morceau de théâtre boursouflé de près de quatre heures comme ne manquant pas d'ambition, mais quand même d'un peu de modestie, ce qui l'aurait rendu probablement plus digeste.

À peine la pièce démarrée, qu'on se sent déjà comme sous acide à essayer de comprendre ce qui se trame et se dit sur la scène de l'Odéon.

Creuzevault ne manque de surcroît pas d'audace, la première partie étant pratiquement intégralement jouée à l'intérieur d'une cabane de chantier posée sur scène, ce qui s'y passe étant diffusé en noir et blanc sur un écran géant.

Monologues et dialogues s'enchaînent, donnant à l'exceptionnelle troupe l'occasion de nombreux moments de bravoure, pas toujours intelligibles au commun, mais intenses.

La deuxième partie, après un entracte où ce fut la guerre pour accéder au bar, est autrement plus sexuelle, Pasolini s'ouvrant très largement de ses fantasmes.

Beaucoup de bites en plastique, qu'on astique et suce, c'est selon, en racontant des histoires d'abandon à des sexes ouvriers dans des ruelles malfamées.

On continue néanmoins à sauter du coq-à-l'âne en évoquant, par exemple, les rapports troubles de l'Italie avec le monde arabo-musulman

Texte inachevé, pièce foutraque, finalement un spectacle où on ne s'ennuie pas, mais qu'on quitte quand même un peu soulagé.

Sébastien Bourdon

« La Crèche : Mécanique d'un Conflit » de François Hien - Espace 1789, le 14 novembre 2025

Sébastien Bourdon — 2025-11-15T13:27:50Z

La Ville est Tranquille

« Inspirée de faits réels », la pièce - de fiction, lieux et personnages sont inventés - tire sa trame et son propos de la fameuse affaire Baby-Loup.

Bref rappel des faits, avant d'aborder le fond : au sein d'une crèche privée, nonobstant un règlement intérieur interdisant expressément l'affichage de signes religieux, Yasmina, une employée de retour de congé parental persiste à garder son voile. La directrice lui laisse le choix de l'enlever ou de démissionner.

La tentative de la salariée d'obtenir une rupture conventionnelle tourne court pour s'achever dans un licenciement pour faute grave, prémisse d'une longue guerre judiciaire, lourdement symbolique et largement médiatisée.

Affrontement en plusieurs parties, l'œuvre est au sens propre un dossier, où chacun va bâtir et adapter son argumentaire pour que soit finalement tranchée une situation irréconciliable. Car la justice des hommes est ainsi faite que la compréhension et la nuance n'empêchent pas la nécessité d'une décision.

Voilà une pièce que l'on regardera de sa fenêtre, socio-culturellement parlant, avec peut-être quelques inquiétudes. Chacun y trouvera ponctuellement ce qu'il espère ou croit, pour être bousculé ensuite dans ses convictions, du fait d'un permanent contre-champ possible.

L'habileté du spectacle réside en effet dans cette redistribution continue de la parole et des points de vue.

L'exercice est d'autant plus délicat que, si longue dure la pièce, elle n'en est pas moins tourbillonnante, les scènes et situations s'enchaînant sans répit. Dans cette agitation grandissante, il serait aisé de perdre le fil, et c'est un véritable tour de force d'écriture et de jeu que de nous maintenir à flot tout du long, sans lassitude ni temps mort.

Les actrices se distribuent les rôles, sautant en un éclair d'un personnage à un autre, changeant de tenue en coulisses pour devenir employée de la crèche, avocat, journaliste, mère de famille, jeune des banlieues, policier etc.

Seules Yasmina (Saffiya Labaab) et la directrice de la crèche (Estelle Clément-Bealem) restent, si l'on ose dire, dans leur unique rôle (même si, et pour cause, l'une change de look). La directrice étant par ailleurs celle par qui le scandale arrive, illustration emblématique de l'adage selon lequel l'enfer est pavé de bonnes intentions.

À la sortie de la salle, on se souvient que la justice est passée mais que les problématiques subsistent. Si la pièce donne à entendre tout le monde, il est probable qu'elle ne modifie qu'à la marge les convictions des uns et des autres. Toutefois, exposer tous les points de vue est rare, justifiant très largement l'enthousiasme que suscite ce spectacle.

Sébastien Bourdon

« Juste la Fin du Monde » de Jean-Luc Lagarce - Théâtre de l'Atelier, le 23 février 2025

Sébastien Bourdon — 2025-02-26T20:41:57Z

Familles je vous hais

La pièce ayant fait l'objet en 2016 d'une adaptation - calamiteuse - par Xavier Dolan, la curiosité était grande de voir si un retour à son espace naturel, la scène d'un théâtre, pouvait rendre justice au texte.

Louis (Vincent Dedienne) rend visite à sa famille, longtemps délaissée car probablement trop lourde à côtoyer de près, à en croire le paquet de solides névroses accumulées depuis l'enfance.

La raison de ce retour du fils prodigue dans le foyer s'impose car tragique : malade, il doit prochainement mourir et souhaiterait leur annoncer.

Las, partir trop loin et trop longtemps ne facilitera pas l'échange, et ce d'autant que les difficultés à s'entendre, loin de s'apaiser, ont perduré dans l'absence.

S'ensuit une succession de scènes d'incommunicabilité entre les êtres, le protagoniste ne parvenant jamais à dire ce pour quoi il est venu, trop occupé à écouter silencieusement le cahier de doléances recuites de ses proches.

La scénographie est aussi belle qu'ingénieuse, ainsi de ces éléments de décors fixés par des cordes au plafond, descendant et remontant pour meubler l'espace au sol et incarner les lieux ou l'action se déroule.

La cruauté des rapports familiaux, finement écrit est bien rendue par le jeu des comédiens, tout juste pourrait-on déplorer une certaine langueur, privant parfois la pièce d'une intensité dont les mots ne manquent pourtant pas.

Sébastien Bourdon

« L'amante Anglaise » de Marguerite Duras - mise en scène de Jacques Osinski - Théâtre de l'Atelier, le 31 décembre 2024

Sébastien Bourdon — 2025-01-01T15:02:02Z

Train d'enfer

Dans plusieurs trains, on a trouvé des morceaux de cadavre, ceux d'une seule et même personne, Marie-Thérèse Bousquet. Grâce au « recoupement ferroviaire », on a découvert que tous ces trains étaient passés au dessous du pont d'un même bled, Viorne, et il fallut peu de temps sur place aux enquêteurs pour découvrir l'identité de l'assassin, Claire Lannes (Sandrine Bonnaire). La victime était sa cousine, sourde-muette hébergée au sein de son ménage depuis de longues années, y faisant office de gouvernante.

Qu'a-t-il pu se passer au sein du couple pour que l'épouse en arrive à de telles extrémités ? Dans la salle, au milieu du public, un homme dont l'identité et le rôle resteront flous (Frédéric Leidgens) va d'abord interroger le mari (Grégoire Oestermann), puis la criminelle.

Ce personnage énigmatique aux questionnements si pertinents, qui est-il s'il n'est ni juge, ni policier ? Un expert, un psy, ou tout simplement l'alter ego de Duras, fascinée par l'affaire et obsédée par la volonté de comprendre ?

Le mari, pour lequel on n'ouvrira pas le rideau, restera devant, au bord de la scène, sur une chaise. Les questions auxquelles il répondra sans se défiler ne relèveront que peu de l'investigation policière.

Ses réponses vont révéler le lent délitement d'un couple, et probablement le progressif glissement dans la folie de son épouse.

Le point commun des protagonistes est d'avoir rêvé de crime, mais Pierre Lannes ne sera pas allé au-delà du songe, espérant quand même réinventer son monde, mais sans qu'il ait à s'en occuper.

Lorsque au deuxième acte s'ouvre finalement le rideau sur un décor dépouillé, révélant les entrailles du fond de scène, s'avance Claire Lannes d'un petit pas décidé.

Les questions fusent et là encore, on cherche à comprendre, ce qu'elle a dans la tête, mais aussi la solution à une énigme plus pragmatique : tout le corps a été retrouvé, mais pas la tête, qu'en a-t-elle fait ?

Inquiétante et attendrissante, Claire se révèle un monstre complexe, qui a probablement toujours été cinglée et a vu dans le crime une forme d'aveu, presque un soulagement (mais le puzzle, à l'instar de la tête manquante, restera incomplet).

Comme toujours chez Duras, l'apparente simplicité du langage dissimule une hypnotisante étrangeté. Il ne faut toutefois pas imaginer une pièce absconse, et le léger décalage de l'écriture n'empêche pas une empathique plongée dans les profondeurs de l'âme humaine.

Le jeu très différent des comédiens, sobre chez Oestermann, plus théâtral chez Leidgens et énigmatique chez Bonnaire, fait un ensemble galvanisant justifiant très largement l'enthousiasme du public pour cette ultime représentation d'un 31 décembre 2024.

Sébastien Bourdon

« Truffaut - Correspondance » - mise en scène de Judith d'Aleazzo et David Nathanson - Le Lucernaire

Sébastien Bourdon — 2024-09-22T09:48:44Z

Le Cinéaste Épistolaire

La petite scène ressemble à un bureau mal rangé, entre vieux livres et revues éparses (« Les Cahiers du Cinéma » of course), un pianiste joue, et le comédien interprète (David Nathanson).

L'exercice n'est pas aisé, est-ce que cela se joue une lettre, comment interpréter ce qu'un autre a longuement et posément couché sur papier, avant de refermer l'enveloppe et de la poster ?

Il en existe des palanquées de lettres de François Truffaut, un gros livre de poche en a livré une bonne part aux lecteurs. En sélectionner quelques unes pour une heure et quart de spectacle nécessite d'opérer un choix arbitraire.

Là-dessus on pourrait évidemment trouver à redire, surtout si on connaît un peu le sujet. On reconnaîtra néanmoins l'effort fait pour dessiner un portrait assez complet du personnage, public et privé (même si le grand séducteur qu'il fut est un peu escamoté, c'est moins dans l'air du temps il faut dire).

On retrouve ainsi François dans ses colères et ses affections : le cinéaste, l'ami, le père, mais aussi l'artiste, le lecteur, le cinéphile, le citoyen et en tout cela, l'homme obnubilé par la liberté et l'enfant massacré.

On ne s'étonne donc guère de ses lettres à Souchon, pleines de drôlerie et d'empathie, ou de celles adressées à ses filles, débordant d'une affection d'autant plus forte qu'à leur âge, elle lui était inconnue.

Pouvant être excessif jusqu'à être odieux, François Truffaut était aussi un homme plein de rancœur et de rancune, cette dernière s'exprimant à fleurets pas du tout mouchetés lorsqu'il écrit à Godard ou à son beau-père, Roland Truffaut. Ne pas nous épargner ce côté obscur du personnage fait le sel du spectacle, nullement panégyrique.

Si on l'a longuement côtoyé, on ne l'y retrouve pas forcément comme on le voudrait, ou du moins voudrait-on plonger plus encore dans des aspects nous paraissant plus essentiels (le cinéaste au travail). N'empêche, faire entendre encore et toujours sa voix, c'est une joie (et une souffrance).

« Chez les morts j'ai beaucoup d'amis » Yasmina Reza

Sébastien Bourdon

Angelin Prejlocaj « Requiem(s) » - le 23 mai, Grande Halle de La Villette

Sébastien Bourdon — 2024-05-24T09:30:24Z

N'oublie pas que tu vas Mourir

La lumière dans la salle s'estompe alors que montent les notes de System of a Down. Lorsque le noir se fait, commence la danse.

S'enchaînent les tableaux, dans une dominante de noir et blanc de circonstance, zébré de rares et fugitifs éclats de couleurs. Le deuil est partout, les corps aériens des danseurs peuvent aussi être frappés, et on ne sait si ce n'est de la mort ou du deuil qui s'apprêtent à les saisir.

Mais le message est limpide : la mort sans cesse nous rappelle à la vie. La danse et la musique sauvent de « la honte d'être un homme » (Primo Levi).

Comment fait-on avec autant de tableaux pour rester dans l'intensité, tant le sujet ne peut se permettre de temps mort (si on ose dire). La mise en scène est bondissante, comme la musique qui l'accompagne : le metal alternatif de System of a Down précède Mozart et Bach, eux-mêmes s'enchaînant à des boucles rythmiques avant de nous plonger dans le chant médiéval. Si divers soient les accompagnements sonores, ils servent tous le propos.

Quant à la danse, dans la douceur comme dans l'agitation extrême, elle n'est jamais démonstrative ou superfétatoire, mais toujours aussi précise que libératrice.

Et aux dix-neuf danseurs d'occuper l'espace, devenant avec grâce déplacements et décor, tableaux humains en perpétuel mouvement.

De cette armée des ombres jaillit sans cesse la lumière, telle une bougie que même une tempête ne parviendrait pas à souffler.

Sébastien Bourdon

« Les Chaises » d'Eugène Ionesco - mise en scène de Thierry Harcourt - Le Lucernaire

Sébastien Bourdon — 2024-03-04T11:56:52Z

Savoir-vivre

Eugène Ionesco, quand on vous met ça dans les pattes au collège ou au lycée, autant dire que l'expression, n'être pas prêt, est le plus souvent de circonstance. Heureux ceux qui ont bénéficié des lumières d'un prof de français capable de vous ouvrir au théâtre de l'absurde.

Néanmoins, la première et principale porte d'entrée est peut-être cette absence d'esprit de sérieux, car, quand bien même Ionesco nous plonge au tréfonds de l'absurdité de nos vies, il n'oublie pas d'être drôle. Et c'est évidemment plus flagrant lors d'une représentation qu'à la seule lecture d'une pièce.

Ici, un couple, seuls en scène comme ils le seraient au monde, s'exprime dans un certain désordre, entre excitation et désespoir.

Sous le brouhaha de leur conversation se dessine le réel, ainsi du souci constant de l'apparence de ce couple bourgeois. Cela en devient une chose comique cette femme qui ne cesse de dire de son époux qui est seulement « maréchal des logis » qu'il aurait pu être « journaliste chef », « général chef », voire « empereur chef »…

Ils s'empressent, s'agitent, dans la perspective de la visite d'un fameux orateur (de qui, de quoi, on ne sait), et c'est toute l'impatience de la upper-middle class à recevoir qui se joue sur la scène. De plus en plus de gens importants arrivent, et il faut alors de plus en plus de chaises.

Cette nécessité du paraître par dessus tout le reste, ce délire social jusqu'au déraillement continu dessine en creux l'absurdité de la vie et combien il est insensé chez certains de ne pas le reconnaître à de telles extrémités.

Il faut une sacrée compétence pour jouer cette folie avec ce qu'il faut d'excès sans noyer le propos. Le couple de comédiens - Frédérique Tirmont et Bernard Crombey - se donne sans compter à ce délire, nous embarquant pour à peine plus d'une heure d'une fascinante promenade névrotique.

Sébastien Bourdon

« Merteuil » de Marjorie Frantz - Mise en scène de Salomé Villiers - Théâtre du Lucernaire

Sébastien Bourdon — 2024-02-26T13:53:46Z

Femmes des Années 1780

Projet audacieux s'il en est, se piquer d'écrire une suite aux « Liaisons Dangereuses » (Pierre Choderlos de Laclos - 1782), et même pas sous une forme épistolaire, mais en optant pour une pièce de théâtre.

L'auteure - Marjorie Frantz, également interprète du rôle titre - imagine ainsi des retrouvailles, quinze ans plus tard, entre la Marquise de Merteuil et Cécile de Volanges (Chloé Berthier). Cette dernière, à l'époque vierge effarouchée tout juste extraite du couvent pour être mariée à un vieux barbon, fut préalablement sacrifiée au bon plaisir du couple de diaboliques libertins que Merteuil forma avec le Vicomte de Valmont.

Cécile de Volanges, devenue épouse et mère, puis veuve, est à l'origine de ce rendez-vous mystérieux, au cœur de la nuit dans un relais de chasse, loin de Paris et de ses frasques.

Madame de Merteuil est éventuellement fanée mais n'a rien perdu de sa superbe. Cécile de Volanges, de pucelle timide est devenue femme de caractère, et c'est avec détermination qu'elle entend affronter l'ancienne mondaine lui ayant fait découvrir les cruautés des choses de l'amour. Valmont est depuis passé ad patres, elle paiera donc pour les deux.

La discussion ne reste évidemment guère longtemps à fleurets mouchetés : même si Madame de Merteuil s'acharne à rester sur le terrain de la causticité et du cynisme, la dame de Volanges entend bien lui faire ravaler son attitude passée et sa morgue conservée.

Les saillies verbales sont particulièrement senties : et si l'on décide que nous sommes sur le terrain d'un féminisme subtil, c'est à une querelle des Anciennes et des Modernes que nous assistons.

Il est vrai qu'entretemps la Révolution Française est passée par là et que va débuter le 19ème siècle. La doyenne des deux parle de résistance au patriarcat par la liberté donnée au corps, la cadette évoque un viol, un abus physique et psychique : autres temps, autres mœurs.

Il n'est pas interdit de penser que c'est un monde complexe et que les développements et raisonnements de chacune se valent, l'auteure se refusant à condamner l'une ou l'autre.

La résolution de l'affaire sera cruelle, mais ne l'était-elle pas depuis le début, si ce n'est depuis toujours ?

Sébastien Bourdon

Thomas Joue ses Perruques - Théâtre de l'Atelier, Paris, le 1er février 2024

Sébastien Bourdon — 2024-02-02T13:10:20Z

Coupes en Scène

Thomas Poitevin a promené ses perruques durant trois années et ce 1er février 2024, c'était la dernière. Quel joli endroit pour passer à autre chose que cette place Charles Dullin où la seule présence de ce petit théâtre 19ème permet au quartier de ne pas être totalement englouti dans le tourisme mondial de masse.

C'est intéressant de revoir un spectacle, et pas si fréquent, cela permet ici de constater que l'artiste l'a quasiment revu de fond en comble, modifiant à la marge certaines choses, en supprimant d'autres et ajoutant beaucoup.

Ça se tient toujours, et ça se tient même mieux encore, la promenade régulière sur les planches permettant au comédien d'affiner son propos sans se lasser (ou pour éviter de se lasser).

Le dispositif scénique est presque spartiate, un peu d'éclairage et une longue table sur laquelle sont disposées les postiches capillaires qui lui permettront de se mettre dans la peau des personnages.

La lumière fait évidemment beaucoup, mais le son également, entre musiques et ajouts ponctuels d'enregistrement de la propre voix du comédien, permettant à ses saynètes d'être plus habitées encore.

Si lThomas Poitevin veut incarner ses contemporains, cela va un peu plus loin que la caricature sans finesse de traits sociaux-culturels aisément discernables. Qu'il s'agisse d'une jeune parisienne en mal d'amour, d'un ado psychotique, ou d'un vieux père bourgeois brut de décoffrage, Poitevin, par sa gestuelle et l'inventivité de ses textes, dépasse de loin la tentation de se mettre uniquement du côté des rieurs.

Il penche ainsi ponctuellement vers le malaise comme dans la tendresse, sans jamais cesser de faire rire.

On attend la suite, et si ça se trouve on ira au moins deux fois.

Sébastien Bourdon