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« La Séparation » de Claude Simon - mise en scène Alain Françon - Les Bouffes Parisiens, le 31 décembre 2025

Sébastien Bourdon — 2026-01-02T08:34:41Z

Scènes de la vie conjugale

La scène est coupée en deux en son centre, dans la largeur. Se jouxtent de part et d'autre de la cloison deux pièces avec cabinets de toilette. La décoration des lieux laisse à penser à la campagne, fruste mais coquette.

Dans ce décor, deux couples vont se déchirer, un fils et son épouse (Pierre-François Garel et Léa Drucker), et ses parents (Catherine Hiegel et Alain Libolt).

On démarre à gauche, les plus jeunes des protagonistes dialoguent sans chaleur ni répit, dissertant à propos de divers sujets sur un mode extrêmement littéraire.

Si tout n'est pas limpide dans ce long échange, on comprend que dans cette demeure il n'y a pas que ce ménage qui meurt, mais également une vieille femme, qu'on ne verra point et qui s'avère être la sœur du maître des lieux.

Une bonne sœur bossue (Catherine Ferran), comme surgie d'un film de Dario Argento, tiendra ponctuellement informés les personnages de l'inéluctable évolution de son état.

Cette première partie se révèle complexe à l'accroche, l'écriture plus romanesque que théâtrale empêchant d'adhérer pleinement à ce qui se passe.

Ce n'est que le surgissement à droite de la reine mère qui va tout à coup faire décoller la pièce. Catherine Hiegel, en vieille femme frustrée et pleine de rancœurs anciennes, est impériale. Il est vrai que le texte lui réserve de longs monologues qu'elle aborde avec une gourmandise de comédienne chevronnée.

Claude Simon - Prix Nobel de littérature 1985 - n'a écrit qu'une seule pièce de théâtre, celle-ci, et elle était un peu oubliée lorsqu'Alain Françon a décidé de l'exhumer. Indéniablement très écrite, au risque d'être datée, elle n'en est pas moins pleine de saillies drolatiques, assez inattendues au regard du style et du contexte.

Cet aspect comique a toutefois les défauts de ses qualités : ainsi alors que sous nos yeux une vieille femme ivre crie sa rage d'une vie enfuie, marquée par l'infidélité de son époux, les spectateurs rient bruyamment, bien au-dessus de ce que le texte sous-tendait.

Mais qu'importe, la troupe ne se laisse pas déborder par la salle et la pièce sur leurs épaules trouve sa voie comme son ton.

Sébastien Bourdon

« Pétrole » d'après Pier Paolo Pasolini, Odéon le 20 décembre 2025 - Adaptation et mise en scène de Sylvain Creuzevault

Sébastien Bourdon — 2025-12-23T08:31:06Z

Bordel à Queue

« Pétrole » est un manuscrit inachevé de Pier Paolo Pasolini, dont l'écriture fut interrompue par sa mort brutale le 2 novembre 1975.

Le livre est un enchevêtrement de fulgurances, réunies en notes éparses et numérotées dans le désordre, procédé repris par la mise en scène.

Il y a bien en fond un semblant de narration : raconter les circonstances troubles du décès de l'industriel Enrico Mattei, probablement mis en musique par son successeur à des fins de déstabilisation politique de l'Italie.

Évidemment, dans ce contexte, la pièce se révèle particulièrement complexe à la comprenette.

On pourrait résumer ce morceau de théâtre boursouflé de près de quatre heures comme ne manquant pas d'ambition, mais quand même d'un peu de modestie, ce qui l'aurait rendu probablement plus digeste.

À peine la pièce démarrée, qu'on se sent déjà comme sous acide à essayer de comprendre ce qui se trame et se dit sur la scène de l'Odéon.

Creuzevault ne manque de surcroît pas d'audace, la première partie étant pratiquement intégralement jouée à l'intérieur d'une cabane de chantier posée sur scène, ce qui s'y passe étant diffusé en noir et blanc sur un écran géant.

Monologues et dialogues s'enchaînent, donnant à l'exceptionnelle troupe l'occasion de nombreux moments de bravoure, pas toujours intelligibles au commun, mais intenses.

La deuxième partie, après un entracte où ce fut la guerre pour accéder au bar, est autrement plus sexuelle, Pasolini s'ouvrant très largement de ses fantasmes.

Beaucoup de bites en plastique, qu'on astique et suce, c'est selon, en racontant des histoires d'abandon à des sexes ouvriers dans des ruelles malfamées.

On continue néanmoins à sauter du coq-à-l'âne en évoquant, par exemple, les rapports troubles de l'Italie avec le monde arabo-musulman

Texte inachevé, pièce foutraque, finalement un spectacle où on ne s'ennuie pas, mais qu'on quitte quand même un peu soulagé.

Sébastien Bourdon

« La Crèche : Mécanique d'un Conflit » de François Hien - Espace 1789, le 14 novembre 2025

Sébastien Bourdon — 2025-11-15T13:27:50Z

La Ville est Tranquille

« Inspirée de faits réels », la pièce - de fiction, lieux et personnages sont inventés - tire sa trame et son propos de la fameuse affaire Baby-Loup.

Bref rappel des faits, avant d'aborder le fond : au sein d'une crèche privée, nonobstant un règlement intérieur interdisant expressément l'affichage de signes religieux, Yasmina, une employée de retour de congé parental persiste à garder son voile. La directrice lui laisse le choix de l'enlever ou de démissionner.

La tentative de la salariée d'obtenir une rupture conventionnelle tourne court pour s'achever dans un licenciement pour faute grave, prémisse d'une longue guerre judiciaire, lourdement symbolique et largement médiatisée.

Affrontement en plusieurs parties, l'œuvre est au sens propre un dossier, où chacun va bâtir et adapter son argumentaire pour que soit finalement tranchée une situation irréconciliable. Car la justice des hommes est ainsi faite que la compréhension et la nuance n'empêchent pas la nécessité d'une décision.

Voilà une pièce que l'on regardera de sa fenêtre, socio-culturellement parlant, avec peut-être quelques inquiétudes. Chacun y trouvera ponctuellement ce qu'il espère ou croit, pour être bousculé ensuite dans ses convictions, du fait d'un permanent contre-champ possible.

L'habileté du spectacle réside en effet dans cette redistribution continue de la parole et des points de vue.

L'exercice est d'autant plus délicat que, si longue dure la pièce, elle n'en est pas moins tourbillonnante, les scènes et situations s'enchaînant sans répit. Dans cette agitation grandissante, il serait aisé de perdre le fil, et c'est un véritable tour de force d'écriture et de jeu que de nous maintenir à flot tout du long, sans lassitude ni temps mort.

Les actrices se distribuent les rôles, sautant en un éclair d'un personnage à un autre, changeant de tenue en coulisses pour devenir employée de la crèche, avocat, journaliste, mère de famille, jeune des banlieues, policier etc.

Seules Yasmina (Saffiya Labaab) et la directrice de la crèche (Estelle Clément-Bealem) restent, si l'on ose dire, dans leur unique rôle (même si, et pour cause, l'une change de look). La directrice étant par ailleurs celle par qui le scandale arrive, illustration emblématique de l'adage selon lequel l'enfer est pavé de bonnes intentions.

À la sortie de la salle, on se souvient que la justice est passée mais que les problématiques subsistent. Si la pièce donne à entendre tout le monde, il est probable qu'elle ne modifie qu'à la marge les convictions des uns et des autres. Toutefois, exposer tous les points de vue est rare, justifiant très largement l'enthousiasme que suscite ce spectacle.

Sébastien Bourdon

« Juste la Fin du Monde » de Jean-Luc Lagarce - Théâtre de l'Atelier, le 23 février 2025

Sébastien Bourdon — 2025-02-26T20:41:57Z

Familles je vous hais

La pièce ayant fait l'objet en 2016 d'une adaptation - calamiteuse - par Xavier Dolan, la curiosité était grande de voir si un retour à son espace naturel, la scène d'un théâtre, pouvait rendre justice au texte.

Louis (Vincent Dedienne) rend visite à sa famille, longtemps délaissée car probablement trop lourde à côtoyer de près, à en croire le paquet de solides névroses accumulées depuis l'enfance.

La raison de ce retour du fils prodigue dans le foyer s'impose car tragique : malade, il doit prochainement mourir et souhaiterait leur annoncer.

Las, partir trop loin et trop longtemps ne facilitera pas l'échange, et ce d'autant que les difficultés à s'entendre, loin de s'apaiser, ont perduré dans l'absence.

S'ensuit une succession de scènes d'incommunicabilité entre les êtres, le protagoniste ne parvenant jamais à dire ce pour quoi il est venu, trop occupé à écouter silencieusement le cahier de doléances recuites de ses proches.

La scénographie est aussi belle qu'ingénieuse, ainsi de ces éléments de décors fixés par des cordes au plafond, descendant et remontant pour meubler l'espace au sol et incarner les lieux ou l'action se déroule.

La cruauté des rapports familiaux, finement écrit est bien rendue par le jeu des comédiens, tout juste pourrait-on déplorer une certaine langueur, privant parfois la pièce d'une intensité dont les mots ne manquent pourtant pas.

Sébastien Bourdon

« Pour un Oui ou pour un Non » de Nathalie Sarraute - mise en scène de Sylvain Maurice - Le Lucernaire, le 25 janvier 2025

Sébastien Bourdon — 2025-01-27T12:45:28Z

De l'incommunicabilité entre les êtres

Deux hommes au look bourgeoisement sobre de publicitaires quinquagénaires (Christophe Brault et Scali Delpeyrat), affichent une complicité rigolarde devant un papier peint au design coloré et géométrique (qui ressemble furieusement à la pochette du dernier album en date de Brutus, « Unison Life », ce qui me rend ledit décor extrêmement sympathique).

Ils sont amis, et on imagine de longue date, pourtant, très vite va naître entre eux une tension. L'un semble en effet garder comme une rancœur vis-à-vis de l'autre, quand bien même son origine serait difficilement définissable.

Il lui reproche un propos, une phrase, mais surtout la manière de le prononcer. Le Diable est dans les détails.

La discussion alors s'échauffe, s'envenime, et surgissent d'autres griefs, anciens et mal enfouis, plongeant les compères dans des abîmes de mésentente possiblement difficiles à remonter.

Cette séquence d'incompréhension masculine parfaitement dérisoire fait penser à « Art » de Yasmina Reza, pièce toutefois postérieure - 1994, quand l'œuvre de Nathalie Sarraute est sortie en 1981.

Le ton relève de la farce et le rire jaillit, encouragé par la vivacité comique des comédiens. Mais transpire de ces débats sans fin une forme de souffrance terrible, celle pour un être humain de ne pas être compris, faisant alors glisser le texte vers le tragique.

Les deux pôles coexistent ainsi dans la pièce, comme dans la vie en somme, rappelant au passage que l'amitié fait parfois couple potentiellement pas moins infernal que le ménage amoureux.

Sébastien Bourdon

« Grand-peur et Misère du IIIe Reich » de Bertolt Brecht, mise en scène de Julie Duclos - Odéon, le 10 janvier 2025

Sébastien Bourdon — 2025-01-14T08:12:53Z

Malheur à qui n'entre pas dans la ronde

Nous sommes en 1933 et nous n'irons pas au-delà de 1938, dans une Allemagne qui n'est pas encore entrée en guerre, mais a porté Hitler à la chancellerie. Dans une succession de saynètes s'attardant sur toutes les strates de la population allemande, Bertolt Brecht décortique l'implacable imprégnation de la doctrine nazie sur la société civile.

Se trouvent ainsi progressivement faussées les règles de droit comme de bienséance, et même les liens du cœur, et tous dans un même élan finissent par être gouvernés par la méfiance et la peur. Car comme le dira un SA au début de la pièce : « le soupçon, c'est la certitude ».

Comme un mal qui s'étend, un poison qui se diffuse implacablement dans le corps social, même à son corps défendant, chacun finit par intégrer ce qui est exigé par le régime et tout un chacun de devenir le chien de garde de soi-même, comme des autres.

La pièce ne prend pas le parti de la fresque grandiloquente, avec démonstration appuyée de comment le mal vient au cœur de l'homme. Le dramaturge décortique finement comment tout se dérègle par le haut, comment ruisselle la pensée totalitaire.

La metteuse en scène a fait un choix resserré du texte, ne retenant que treize des vingt-quatre tableaux. Les comédiens enchaînent les rôles, devenant victime potentielle ou bourreau probable, c'est selon.

S'il est pris le parti de rester fidèle aux lieux et aux dates du texte, le choix d'un décor simple et mouvant selon les scènes, de costumes neutres (à l'exception de ceux des SA), permet de raconter hier, comme d'être dans un aujourd'hui potentiel. Cette idée de témoignage pour les temps futurs sous-tendait probablement la prose de Brecht et n'est donc point trahie ici, au contraire. A bon escient probablement, le texte n'a hélas pas vieilli.

Sébastien Bourdon

« L'amante Anglaise » de Marguerite Duras - mise en scène de Jacques Osinski - Théâtre de l'Atelier, le 31 décembre 2024

Sébastien Bourdon — 2025-01-01T15:02:02Z

Train d'enfer

Dans plusieurs trains, on a trouvé des morceaux de cadavre, ceux d'une seule et même personne, Marie-Thérèse Bousquet. Grâce au « recoupement ferroviaire », on a découvert que tous ces trains étaient passés au dessous du pont d'un même bled, Viorne, et il fallut peu de temps sur place aux enquêteurs pour découvrir l'identité de l'assassin, Claire Lannes (Sandrine Bonnaire). La victime était sa cousine, sourde-muette hébergée au sein de son ménage depuis de longues années, y faisant office de gouvernante.

Qu'a-t-il pu se passer au sein du couple pour que l'épouse en arrive à de telles extrémités ? Dans la salle, au milieu du public, un homme dont l'identité et le rôle resteront flous (Frédéric Leidgens) va d'abord interroger le mari (Grégoire Oestermann), puis la criminelle.

Ce personnage énigmatique aux questionnements si pertinents, qui est-il s'il n'est ni juge, ni policier ? Un expert, un psy, ou tout simplement l'alter ego de Duras, fascinée par l'affaire et obsédée par la volonté de comprendre ?

Le mari, pour lequel on n'ouvrira pas le rideau, restera devant, au bord de la scène, sur une chaise. Les questions auxquelles il répondra sans se défiler ne relèveront que peu de l'investigation policière.

Ses réponses vont révéler le lent délitement d'un couple, et probablement le progressif glissement dans la folie de son épouse.

Le point commun des protagonistes est d'avoir rêvé de crime, mais Pierre Lannes ne sera pas allé au-delà du songe, espérant quand même réinventer son monde, mais sans qu'il ait à s'en occuper.

Lorsque au deuxième acte s'ouvre finalement le rideau sur un décor dépouillé, révélant les entrailles du fond de scène, s'avance Claire Lannes d'un petit pas décidé.

Les questions fusent et là encore, on cherche à comprendre, ce qu'elle a dans la tête, mais aussi la solution à une énigme plus pragmatique : tout le corps a été retrouvé, mais pas la tête, qu'en a-t-elle fait ?

Inquiétante et attendrissante, Claire se révèle un monstre complexe, qui a probablement toujours été cinglée et a vu dans le crime une forme d'aveu, presque un soulagement (mais le puzzle, à l'instar de la tête manquante, restera incomplet).

Comme toujours chez Duras, l'apparente simplicité du langage dissimule une hypnotisante étrangeté. Il ne faut toutefois pas imaginer une pièce absconse, et le léger décalage de l'écriture n'empêche pas une empathique plongée dans les profondeurs de l'âme humaine.

Le jeu très différent des comédiens, sobre chez Oestermann, plus théâtral chez Leidgens et énigmatique chez Bonnaire, fait un ensemble galvanisant justifiant très largement l'enthousiasme du public pour cette ultime représentation d'un 31 décembre 2024.

Sébastien Bourdon

« La Vie Secrète des Vieux » - conception et réalisation Mohamed El Khatib - Espace 1789, Saint-Ouen le 9 octobre 2024

Sébastien Bourdon — 2024-10-10T18:09:06Z

Que Reste-t-il de nos Amours ?

Le titre de la pièce ne trahit pas son propos : des personnes âgées vont nous parler joyeusement de leurs petits secrets. Qu'est-ce que nous cachent les vieux ? Le fait qu'ils ne sont pas moins jeunes et désirants qu'ils l'étaient à vingt ans.

Il est vrai que ce n'est pas un sujet facile de parler sentiments et cul passé un certain âge. Comme l'a écrit Romain Gary, « Au-delà de cette limite votre ticket n'est plus valable ». Le postulat de cette pièce est de démontrer le contraire, sachant qu'il faut garder à l'esprit qu'à tout âge, ce n'est pas forcément facile.

Le projet serait né d'interviews menés dans des maisons de retraite, le metteur en scène Mohamed El Khatib ayant décidé d'en faire une pièce plutôt qu'un documentaire.

Ce dernier est omniprésent sur la scène auprès des acteurs - tous amateurs et ayant l'âge de leurs artères - leur donnant la parole, mais aussi intervenant pour nous donner des éléments de contexte.

Il est vrai que règne un joyeux bordel sur les planches et que la pièce semble ainsi se mettre en scène, et même s'écrire, sous nos yeux.

On avance des sujets, des propositions, des narrations, divers événements qui se produiront - ou pas.

Il y aura un peu de vidéo - pratiquement plus une pièce sans un recours à cette dernière - un karaoké en sicilien, et même un feu d'artifices. Il se passe donc beaucoup de choses, et c'est parfois un peu décousu.

Mais surtout, il y a la parole de gens qui, quelque soit leur parcours ou leur sexualité, tiennent à nous rappeler, et à juste titre que tant qu'ils sont vivants, ils ne sont pas encore morts. Et voilà une leçon qui peut servir à tout âge.

Sébastien Bourdon

« Truffaut - Correspondance » - mise en scène de Judith d'Aleazzo et David Nathanson - Le Lucernaire

Sébastien Bourdon — 2024-09-22T09:48:44Z

Le Cinéaste Épistolaire

La petite scène ressemble à un bureau mal rangé, entre vieux livres et revues éparses (« Les Cahiers du Cinéma » of course), un pianiste joue, et le comédien interprète (David Nathanson).

L'exercice n'est pas aisé, est-ce que cela se joue une lettre, comment interpréter ce qu'un autre a longuement et posément couché sur papier, avant de refermer l'enveloppe et de la poster ?

Il en existe des palanquées de lettres de François Truffaut, un gros livre de poche en a livré une bonne part aux lecteurs. En sélectionner quelques unes pour une heure et quart de spectacle nécessite d'opérer un choix arbitraire.

Là-dessus on pourrait évidemment trouver à redire, surtout si on connaît un peu le sujet. On reconnaîtra néanmoins l'effort fait pour dessiner un portrait assez complet du personnage, public et privé (même si le grand séducteur qu'il fut est un peu escamoté, c'est moins dans l'air du temps il faut dire).

On retrouve ainsi François dans ses colères et ses affections : le cinéaste, l'ami, le père, mais aussi l'artiste, le lecteur, le cinéphile, le citoyen et en tout cela, l'homme obnubilé par la liberté et l'enfant massacré.

On ne s'étonne donc guère de ses lettres à Souchon, pleines de drôlerie et d'empathie, ou de celles adressées à ses filles, débordant d'une affection d'autant plus forte qu'à leur âge, elle lui était inconnue.

Pouvant être excessif jusqu'à être odieux, François Truffaut était aussi un homme plein de rancœur et de rancune, cette dernière s'exprimant à fleurets pas du tout mouchetés lorsqu'il écrit à Godard ou à son beau-père, Roland Truffaut. Ne pas nous épargner ce côté obscur du personnage fait le sel du spectacle, nullement panégyrique.

Si on l'a longuement côtoyé, on ne l'y retrouve pas forcément comme on le voudrait, ou du moins voudrait-on plonger plus encore dans des aspects nous paraissant plus essentiels (le cinéaste au travail). N'empêche, faire entendre encore et toujours sa voix, c'est une joie (et une souffrance).

« Chez les morts j'ai beaucoup d'amis » Yasmina Reza

Sébastien Bourdon

« Les Chaises » d'Eugène Ionesco - mise en scène de Thierry Harcourt - Le Lucernaire

Sébastien Bourdon — 2024-03-04T11:56:52Z

Savoir-vivre

Eugène Ionesco, quand on vous met ça dans les pattes au collège ou au lycée, autant dire que l'expression, n'être pas prêt, est le plus souvent de circonstance. Heureux ceux qui ont bénéficié des lumières d'un prof de français capable de vous ouvrir au théâtre de l'absurde.

Néanmoins, la première et principale porte d'entrée est peut-être cette absence d'esprit de sérieux, car, quand bien même Ionesco nous plonge au tréfonds de l'absurdité de nos vies, il n'oublie pas d'être drôle. Et c'est évidemment plus flagrant lors d'une représentation qu'à la seule lecture d'une pièce.

Ici, un couple, seuls en scène comme ils le seraient au monde, s'exprime dans un certain désordre, entre excitation et désespoir.

Sous le brouhaha de leur conversation se dessine le réel, ainsi du souci constant de l'apparence de ce couple bourgeois. Cela en devient une chose comique cette femme qui ne cesse de dire de son époux qui est seulement « maréchal des logis » qu'il aurait pu être « journaliste chef », « général chef », voire « empereur chef »…

Ils s'empressent, s'agitent, dans la perspective de la visite d'un fameux orateur (de qui, de quoi, on ne sait), et c'est toute l'impatience de la upper-middle class à recevoir qui se joue sur la scène. De plus en plus de gens importants arrivent, et il faut alors de plus en plus de chaises.

Cette nécessité du paraître par dessus tout le reste, ce délire social jusqu'au déraillement continu dessine en creux l'absurdité de la vie et combien il est insensé chez certains de ne pas le reconnaître à de telles extrémités.

Il faut une sacrée compétence pour jouer cette folie avec ce qu'il faut d'excès sans noyer le propos. Le couple de comédiens - Frédérique Tirmont et Bernard Crombey - se donne sans compter à ce délire, nous embarquant pour à peine plus d'une heure d'une fascinante promenade névrotique.

Sébastien Bourdon