Sounds Mag'

The Steven Soderbergh touch...

arthur, Paul Kirkness — 2007-09-30T14:28:38Z

As Ocean's Thirteen was hitting the screens worldwide, we thought that the man behind the movie deserved one of our little general reviews. It is safe to say that Steven Soderbergh is one of the greatest American director's living today. He is the writer and director of such remarked films as Sex, Lies and Videotape and Out of Sight. But it is also him that we must thank for less renowned movies such as Schizopolis, Full Frontal or Kafka... Who are you Mr. Soderbergh ?

Steven was born in 1963 in Atlanta, Georgia, but his parents quickly moved to Baton Rouge, in Louisiana. It is there that he discovered film-making at the age of 15. At a time when most of his school friends were busy experimenting amazing new charm techniques on their female friends, Steven began shooting short films with second hand equipment. Sports, school and women were not really his forté... and so it was to be film-making. Amusingly enough, he claims to have been fairly poor at it at the time. And none of the results exist now for us to check that out.

When he reached the age of 23, the rock fan in him was to be rewarded. The band Yes asked him to come along and shoot a full length live performance of theirs. Steven Soderbergh was thrilled and went along with the project. In turn, at the end of 1986, he was awarded with a Grammy for the video that he had shot. Yes: 9012 Live was to be the beginning of a career which quickly strayed a little from rock and roll music. But all of the projects that Soderbergh worked on always had a little rock attitude in them.

Since the eighties, Stoberbergh has become something of a celebrity. He is the producer of over thirty movies. He has been the director of twenty of those films and his style, his touch, is highly valued world-wide. He is the central member of the small and exclusive gang of friends that include George Clooney, Brad Pitt, Julia Roberts, Sam Rockwell, Luis Guzman and Don Cheadle - among many others. But above all things, Steven Soderbergh is a genius creator and an artist.

The Yo-Yo years...

1989 was the year of the confirmation - out comes Sex, Lies and Videotape. This movie was highly acclaimed throughout the world. In it we find a strange mix of voyeurism and questioning about what it means to capture people's lives. This, Soderbergh does wonderfully in the film - and later, in every other film that he released under his name. To discuss the film without having outlined its artistic merits or the acting would almost appear sacrilegious. Indeed, James Spader appears as an extremely troubling bloke with a frightening honesty about him. And he is perfectly accompanied by a stunning Andie MacDowell. However, what one perceives immediately is the Soderbergh touch - the raw filming of the shots which could almost have been done in DV format; the lack of music and the uncomfortable silences... Sex, Lies and Videotape is nothing short of grand and deserves all the fantastic things that were said about it.

Two years later, Soderbergh decides to delve deeper into the artistic possibilities that the camera can allow. Kafka hits the world screens with Jeremy Irons interpreting the literary genius. The film is truly brilliant, with a pinch of Alfred Hitchcock and a spoonful of dark atmospheres. The fact that it is shot in black and white shows us to what extent Soderbergh can juggle with effects or the lack thereof. And the play between colour and black and white, which he does throughout the film, is particularly interesting.

As was the case with his next three movies - King of the Hill (1993), Underneath (1995) and Gray's Anatomy (1996) - the critics were not very enthusiastic about Kafka. But critics are easily disappointed after a master-piece. And Sex, Lies and Videotape left little space for fault...

Having complained bitterly that Steven Soderbergh was a one film man, a "has been" whose talents were nothing more than fluke, the media critics shut him off. And in doing so, they bypassed one of the director's wackiest and probably one of his most ingenious movies. We are talking about Schizopolis which came out the same year as Gray's Anatomy but made little or no noise at all. In it, Soderbergh directs himself and his then wife, Betsy Brantley. Together they are almost sane in the wacky world of characters like Elmo Oxygen or T. Azimuth Scwhitters... The first speaks an incredibly strange language and the second is a sort of feel-good doctor of the mind. Schizopolis was an experimental film in which Soderbergh lets loose his wildest ideas... Truly a must see for anyone who appreciates zany atmospheres and artistic madness.

The gang's all here

Soderbergh really became every Hollywood actor's dream director once he had launched the Out of Sight project. Featuring George Clooney (the beginning of a love-affair between the two men) and Jennifer Lopez (the first and last film they did together - is she really such a tough cookie on the set?), the film was released in 1998. Once again, we could hear the critics wailing. This was described as a mere little pop film launched by a strange director. How could someone who had attacked script-writing so sturdily now play with colour... How wrong these voices were. Had the critics even seen the film? Lopez was not famous then as she is now, hence one cannot assume that critics were reacting to her presence in the movie. So what made them so upset?

This is impossible for us to answer. Out of Sight is perfect in so many ways. Clooney and his acolyte the actor Ving Rhames are perfect in their roles as cool thieves with tender hearts. Non-criminal criminals in short. Don Cheadle and Isaiah Washington are extremely convincing as the opposite duo... nasty in every way. Returning to the film, one cannot but admire the filming, with its cuts, its rhythm and accelerations. All this happens on music by David Holmes which has now become a huge classic - and launched another love affair between the director and the DJ.

In order to continue our semi-chronological approach to Soderbergh, The Limey is probably one of most "indigestible" of the movies that he directed. A strong focus on its graphic was taken, the viewer can be easily put off by the cut'n'paste way of filming things that he took a liking to in Out of Sight. Here, the boundaries of the technique are pushed further yet. They come to define the style, sinking into our appreciation for Terence Stamp who is brilliantly directed on screen. It appears that, once again, ambiance is the key note to this film and the story will probably be quickly forgotten. The screen-shots and Terence Stamp's angry glaring blue eyes however, will not.

Like Jennifer Lopez, Terence Stamp never really made it into the “Soderbergh gang”. Julia Roberts, however, did in a way. He first directed her in Erin Brokovitch, a daring portrait of the woman who fought polluting multinationals to help the poorest and most endangered US citizens. Roberts doesn't shine through as being altogether that amazing in the role. However, in many scenes, the actress demonstrates a seemingly hidden talent for acting. She does show off a strong personality and an ability to let go on screen. All in all, if one excludes the positive message and the great performance by Albert Finney, the film is not one of Steven's master works. On the other hand, that very same year, Traffic was released.

We could discuss Traffic for paragraphs on end. It is a key point in Soderbergh's effect on the film industry. A truly unique piece is born, putting together a string of amazing performances on screen. The director re-casts two of his favourite actors: Guzman and Cheadle. And with them appear Michael Douglas and his wife Catherine Zeta Jones but also, and especially, Benicio del Torro. Attempting to make a list of the later works that were inspired by its story-telling techniques and visual proficiency would be a lost cause. The film is apparently 3 hours long but at no point does the viewer ever want it to end. The description of US drug-war policy is spectacular.

And there we have it. Soderbergh took a little over ten years to become the “confirmed” director that we know him to be. And in that space of time, he became acquainted with someone who would end up being a best friend, George Clooney. After Out of Sight, when one of the two came up with a project, the other would always come backing him up on production or assisting on direction. Clooney's Confessions of a Dangerous Mind and his upcoming Syrianaare but two examples of Soderbergh helping out a friend. Clooney, on the other hand became the child prodigy actor and really helped in making Soderbergh what he is today.

Soderbergh makes it big

When Ocean's Eleven was released, it was even more obvious that a gang was formed for good - Clooney did the movie for free. Brad Pitt and Don Cheadle were paid a pittance... And this allowed for Steven Soderbergh to add to the style. Matt Damon and Julia Roberts as well as Elliott Gould - once seen in the cult-classic M.A.S.H. - all appeared in what can only be described as a rare reunion of acting talents. This was reiterated in the two sequels to this original cover-film (the first Ocean's Eleven was made in 1960 with Frank Sinatra, Sammy Davis Jr. and Dean Martin, amongst others). It is fascinating to see how tightly knit the little community of friends became. When the second in the series was announced, Damon stopped all other activities to concentrate on Ocean's Twelve. Even Bruce Willis, perhaps jealous of all this success, makes a amusing apparition.

Even though the year 2002 is very busy for Soderbergh, he still manages to franticly colaborate on other projects. It seems that the synergy with George Clooney in Out of Sight was meant to last. Clooney's brilliant first feature Confessions of a dangerous mind has our busy man as excutive producer. The collaborations only start to unfold.

In Solaris Clooney and Natascha McElhone are reunited in an adaptation of Andrei Tarkovsky's 1972 classic, Solaryis. Both actors later claimed that the filming had been extremely intense with Soderbergh insisting on reaching perfection in every shot. Indeed, the task of adapting such a master-film must have been extremely challenging. Altogether, Soderbergh's efforts were not in vain. His version is swept with dream-like imagery and transports the viewer into a parallel world. Once again, Soderbergh exhibits his talent for non-conventional film making.

Released in the same year, Full Frontal is another one of Soderbergh's hilariously weird movies which attracted little attention from the media - Clooney wasn't in it. Could that be the reason?

Back to small(ish) productions

As a crack addict craving for his drug, Sodebergh still can't get enough. He might be competing with Mike Patton to be the busiest/most active artist on the plant. This year round, he's, once again, collaborating with Clooney on Unscripted.

Unscripted is an HBO series that pictures the daunting world of Hollywood in all is finesse. The project originates from Soderbergh and Clooney, and we really couldn't be disappointed. Indeed, series is an raising form artistic expression (yeah we know its been around for a while... but its getting good), and the challenge was tricky. Yet, this unusual series lives up to our expectations, definitely stands out of the plastic shaped panoply of such format. Soderbergh doesn't actually direct (except for the pilot), so Clooney and Grant Heslov do.

Soderbergh has been active elsewhere though. Eros is a project that he decided on making with Wong Kar Wai and Michelangelo Antonioni in 2004. Each of the three eminent directors have directed a segment in this analysis of love and sex. His part of the three is called “Equilibrium” with Robert Downey Jr and received little acclaim unfortunately. In 2005, he once again directed a minimalist film with Bubble, the analysis of small-town America when a murder is committed which links three people who work in a doll factory. Once again, the film is unnoticed and flops... Yet, it is extremely clever and highly entertaining.

What's next?

Having completed Ocean's Thirteen, which was extremely successful and The Good German, which was much less successful (although Clooney was in it!) Soderbergh will not rest. Originally planned for 2007 is a documentary which he will direct about the story-teller, Spalding Gray. Gray committed suicide in January 2004. He was a true friend of Soderbergh's ever since the making of Gray's Anatomy. There, Spalding Gray had starred as himself and shown off his incredible story-telling capabilities. The two were very close and the documentary will definitely be a tribute to look out for. Finally, The Argentine (or Guerilla, the title is of yet unclear) will be a relection on the life of Ernesto 'Che' Guevarra and will reunite Benicio Del Toro with the esteemed direcor.

Will our readers please excuse the sometimes too chronological writing of this article. It is the only way of truly coming to grips with Soderbergh's genius. Indeed, it is extremely complicated to sum up in words a man who has shown himself capable of working in so many various ways with other people of great talent.

Now let us await the coming marvels of Steven Soderbergh!

The Voodoo Glow Skulls - le 9 mai 2007

arthur, Christopher Montel — 2007-05-10T17:52:11Z

Quand tu parles pas espagnol, Voodoo Glow Skulls, c'est encore dix fois mieux. Tu beugles, tu oïes, tu sautes, tu cries, parce que t'as l'impression d'entendre une langue inventée spécialement pour le ska punk à la sauce Voodoo.

El baile de los locos ! Ptuey ptua dwa tduey pley ! El baile de los locos ! Ptouah ! Pwa ! Puedwe estwapa !

Mais quand tu trouves les paroles sur Internet, tu te rends compte que c'est bel et bien de l'espagnol, et même si c'est facile à oublier quand tu les vois en live ou que tu les mets à fond chez toi, le mythe Voodoo en prend un sacré coup :

El baile de los locos ! El ritmo te va matar ! El baile de los locos ! No lo puedes escapar !

Les gigantesques Voodoo Glow Skulls nous ont donné hier soir, le 9 mai 2007, deux heures de pur assourdissement. Nos oreilles en bourdonnent encore après le lever pénible de ce matin. On nous avait pourtant donné nos boules-quiès à l'entrée.

On a eu trois groupes pour le prix d'un, en première partie, et le public n'était pas vraiment tendre, comme d'habitude. Lorsque le troisième groupe demandait si la salle était chaude, les salauds gueulaient : On s'en tape, on se chauffe pour les Voodoo putain !. On leur souhaite que du bonheur, mais si il y a un quatrième groupe avant les Voodoo, on casse tout ! Mais tout va bien, après les accordements, les tests son, ils arrivent tous, Jerry O'Neil à la batterie, Frank Casillas entouré de ses deux frères Jorge et Eddie, James Hernandez et son ténor, puis le magnifique Brodie Johnson et son trombone.

Même si l'énergie était toujours là, même s'ils avaient carte blanche face à un public de fanas invétérés, même si les pogos ont commencé dès le premier morceau « Human Piñata », on pouvait sentir chez les fabuleux musiciens de Voodoo Glow Skulls une lassitude de routine, parfois même une certaine nonchalance. Les meilleurs morceaux se succédaient, piochés dans tous les albums depuis 1993, sans les délires de scène qui les rendaient jadis si uniques. Après que le troisième bourrin gueule à partir de la scène Sarkozy enculé !, Frank Casillas commence à comprendre que le public ici à Paris reste bloqué sur une idée fixe, et décide d'enchaîner sur « Shoot the Moon », sous les beuglements de joie haineuse et communiante.

Soudain, un petit rasé alcoolisé et enragé, qui gueulait dans la foule depuis dix minutes pour qu'on joue sa chanson, trouve un silence de quelques secondes, juste avant le début du prochain morceau, et tente le coup une dernière fois :

Aile Baïlé dé los Locoooos !

Frank Casillas, micro à la bouche, sur le point de démarrer une autre chanson vraisemblablement déjà programmée, s'arrête en pleine inspiration, hésite un quart de seconde, puis sans bouger la tête donne le signal aux autres :

El-Baile-de-los-Lo-cos !

La fosse maintenant se déchaîne pour de bon, les digues humaines s'effondrent, ceux devant s'écrasent contre le rebord de la scène, jetés par les courants furieux. Les vénèrs prennent du rab partout où ils le trouvent, on frappe en l'air, on s'accroche, on fonce dans le tas, mais toujours en s'excusant, une main sur son coeur et l'autre sur l'épaule du camarade, lorsqu'on sent qu'on a pu lui faire du mal.

Même dix ans après, même en live, avec des musiciens que l'on sent un peu moins en transe sur scène par l'effet de leur propre génie, ce morceau restera, pour toujours peut-être, la chanson emblématique du groupe, son rugissement le plus authentique, son avalanche arbitraire de rythmes et de cacophonies cuivrées et distordues la plus maîtrisée.

Épuisé, le public en demandait encore, et les Voodoo ont su enchaîner à la toute fin trois morceaux de leur nouvel album (enfin, en tout cas, inconnus au bataillon), avec, pour finir, une valse funèbre à vous botter le cul. Un excellent concert parisien somme toute, où le public n'était pas celui que les pauvres musikos étrangers doivent d'habitude se tuer à essayer de décomplexer. Ici c'était plutôt le public qui menait la transe.

Un peu plus d'enthousiasme, de défoulement, les Voodoo ! On sait que pour vous ces chansons deviennent peut-être un peu répétitives, à force de les jouer, mais il faut nous laisser croire sans douter que vous croyez vous-même, à 100%, à l'envoûtement toujours aussi absolu du public par votre musique !

Chris et Art... vraiment, vaiment épuisés...

Le phénomène Stupeflip

arthur — 2006-06-10T22:01:39Z

Cela fait maintenant quelques années que le Krou - c'est ainsi que les membres du groupe parlent de Stupeflip - existe. Selon eux... depuis 1972. Mais il ne faut pas croire tout ce qui sort de la bouche King Ju et des autres membres de cette association de dégénérés. Disons simplement qu'ils nous cassent les oreilles depuis trois ou quatre ans. C'est vraisemblablement à cette époque que les trois lascars ont atterri sur la planète Terre...

Le problème avec Stupeflip, c'est que ce n'est pas que de la musique. C'est une activité exclusive. Comme le travail nous assujettis (thème souvent abordé par ces joyeux lurons), le nouveau disque de Stupeflip nous hypnotise et ne nous lâche pas. Impossible de faire quoique ce soit pendant son écoute... par exemple, c'est hyper difficile d'écrire cette chronique alors que cet album joue en fond sonore. On est rapidement sous l'emprise et, tant il est impossible de se concentrer, il faut appuyer - à regret - sur le bouton pause. Et on se lance...

Quand on parle de Stupeflip, que ce soit dans cette chronique - pour vous pauvres lecteurs - ou entre amis, il y a un très gros problème. En effet, on a l'envie absurde de réciter chacune des tirades abracadabrantesques du groupe. Les paroles, mais aussi les petites coupures étranges sont tellement drôles qu'on veut toutes les noter, toutes les connaître. Entre connoisseurs, on arrive vite à des situations délirantes où chacun hurle sur l'autre pour se faire passer pour le plus grand fan. Et les fans, chez Stupeflip, c'est dingue comme ça les intéresse pas, mais alors pas du tout.

"Tu casses le krou, encaisse ça et casse toi, si tu l'as craqué sur Kazaa"

Une petite citation - et oui très chers, pour Stupeflip on parle de "citations", comme en philo pour Heidegger, mais en mieux - pour bien démarrer ? C'est parti :

“Dieu n'a pas fait de paupières pour les oreilles”

Introduction à « Leur Univers »

Les membres du krou parviennent à créer un univers complètement loufoque et c'est non seulement réussi, mais en plus ils sont tellement bizarres qu'ils donnent l'impression d'y croire, d'y vivre et d'y évoluer. De vrais petits Tolkiens en herbe - mais en mieux. Citons pour exemple les "ères du stup". Vous êtes paumés ? Vous ne savez pas de quoi il s'agit ? Dans le nouvel opus des farfelus, celles-ci sont souvent mentionnées et il faudra se pencher sur votre livre d'histoire niveau 4ème pour comprendre. A la page 246 bis on apprend que la Première ère du Stup date du 25 Veldère 1979, date à laquelle sortait - selon le calendrier inventé par ces extra terrestres - le tube « Depuis que j'fume plus d'shit ». Ce titre, paru sur le premier album du groupe a fait un véritable tabac... et notez qu'il n'a fait aucun joint - parce que justement... ben voilà.

Mais revenons à nos moutons-aliens, c'est dans Stup Religion que toute la clarté est faite :

"Maître, qu'est-ce exactement que l'ère du stup ?". Réponse de King Ju : "Qu'est-ce ? Demande toi plutôt : pourquoi l'ère du stup ?".

Il faut savoir - et c'est bien évidemment des conneries - que King Ju a été traumatisé dans son enfance, il a alors commencé à écouter de la musique très fort, et a créé de fait la "première ère du stup"...

Le nouvel élément de l'univers Stupeflipien donne son nom à l'album : La Religion du Stup. On y découvre tout un discours sur une nouvelle religion, ou plutôt "secte" selon ce qu'ils annoncent. A quand la fin de la Scientologie, écrasée par cette nouvelle croyance.

Nous, en tous cas, ça y est, on est adepte.

Une critique acerbe de la société "méchante"

Après le légendaire « A bas la hiérarchie » du premier album on remet une couche d'anti-travail : On nous apprend que « les gens aux boulot sont jamais vraiment eux mêmes ». Mais King Ju nous sermonne aussi sur le fait que « dans les Ecoles de Commerce on apprend à enculer les autres... ». Certes, mais qu'y a-t-il a en penser ? Réponse du grand manitou : « c'est pas bien ». Comment être plus clair ?

Il existe aussi chez Stupeflip tout un jeu avec les notions de commercialisation de la musique, qui rejoint leur refus de « coopérer avec les medias dominants » (à vous de juger la véracité de cette position et de sa sincérité). Avec des skit comme « Maître, pourquoi les majors rendent leur contrat à certains artistes ? » ; auquel ils répondent « Parce qu'ils ne vendent pas assez de disques mon garçon ». Plein de pics envers les boites de disques, avec des super tirades ironiques (ou pas) sur l'argent... ils font planer le doute sur la façon dont ils produisent leurs disques, genre ("plusieurs attaques injustifiées [...] genre c'est un coup de maison de disque")... on a toujours pas déterminé sur quelle boite de disque ils sont signés...

Et la dérision est omniprésente

Souvent on tombe dans des délires remplis d'autodérision :

"Refusant de participer à la quatrième grande guerre contre la région ouest, le krou préfère réfléchir aux questions suivantes :

pourquoi les medias terriens traduisent toujours "this shit" par "cette merde" alors que c'est simplement "ce truc" ?

pourquoi les journaux télévisés terriens parlent-ils tous des mêmes sujets et dans le même ordre ?

et surtout, pourquoi les terriens sont-ils tous aussi méchants ? "

Sur quoi ils enchaînent :

"C'est la nature humaine, toujours le même problème, écraser l'autre sinon c'est toi qui te fait ken." Encore un coup bas sur la "race" humaine, dont ils s'excluent bien évidemment.
Il y a, dans ces séquences skit, la séquence légendaire qui nous fait systématiquement pouffer de rire, avec une voix genre gamin qui dit (alors qu'on entend les autres lui foutre des coups) : "ooh... j'en ai vraiment trop marre que les autres ils font toujours du hardcore [...] puis il faut penser aux programmateurs des radios, ils vont perdre leur travail si y a que des morceaux méchants... alors écoutez plutôt mon nouveau morceau sur les voitures"

Musicalement

On a parfois l'impression d'écouter le nouveau Stupeflip comme on lirait un pamphlet, mi-amusant, mi-inquiétant. A force d'être enfermés dans un chambre remplie de détritus, ils en arrivent à faire "de l'art comme d'autres égorgent un porc".

La production de l'album est léchée mais dans la "craditude" de leur trip. Les guitares crados, la zik qui "se fâche comme dans un group de thrash", les beats bruts, les bruit chelous dans tous les sens, et un bon paquet d'ironie que ce soit dans le son ou dans les textes... Niveau musical on ne pourrait que vous recommander de prêter à ces tarés un peu de votre temps pour y voir plus clair (faut travailler moins comme il vous le suggéreront). Pour débroussailler votre surprise, on trouve ici du hip-hop, de l'électro, de la pop, du thrash, et des chants religieux...

Un de leurs multiples jeux est la présence de paroles "inversées" (la bande jouée à l'envers), ils invitent donc l'auditeur à trafiquer leur son pour pouvoir comprendre vraiment ce qu'ils disent. De l'autocensure ? Avec Stupeflip on en est loin... comme dans « Annexion de la région sud » sur le premier album il font exprès de toujours mal placer le "beep" sur "Tiens, prend ca dans ton cul"... Sur « Mon style en Crrr » ils s'autocensurent sur le refrain tout le long du morceaux, et malencontreusement oublient de le faire sur le dernier refrain : "Ceux qui nous crachent dessus, c'est des rats, allez plutôt cracher sur Helène Segara". Oooops !

... sans vraiment finir

Il est clair que l'univers Stupeflipien est en cours de construction, et nous attendons avec impatience son extension sur les prochains opus. Dans l'attente de ces nouveaux éléments fondateurs de la constitution Stupeflip, on va arrêter de vous bassiner avec nos "citations", et simplement vous supplier (à genoux et avec beaucoup d'autoflagellation) d'aller écouter et re-écouter Stupeflip... Et puis merde, si t'aimes pas du tout, revend le disque, ou chais pas... Tu le jettes, tu le donnes, tu le brûles ! Fais-en une offrande ou quelque chose comme ça. Mais si t'aimes pas, tu crains... En tout cas, c'est Stupeflip qui m'a dit de te le dire...
Bref, tout ça pour vous mettre l'eau à la bouche et la psychose dans vos cerveaux, convertissez vous à La Religion du Stup, et prêchez (comme nous) la foi qui rempli votre vie vidée de tous sens... Ca a marché pour nous. Ave !

Le phénomène AMAP - vers une agriculture paysanne

arthur — 2006-06-10T00:21:38Z

Les Associations pour le Maintien de l'Agriculture
Paysanne, initiatives auto-proclamées alternatives à la grande
distribution et même au marché bio, se veulent être un outil développant pêle mêle : la relocalisation de l'économie,
l'écologie locale, le lien social de quartier, l'aide solidaire... Un vrai programme politique à l'heure du "Mieux consommer" (tout, tout le temps et en masse) de chez Carrefour.
Ces initiatives ont-elles du poids face aux vices contre lesquelles elles luttent ? Est-ce le petit joujou d'alter-mondialistes bobos ?
soundsmag.org mène son enquête (presque objective).

Le concept de l'AMAP apparaît il y a plus de 5 ans dans le sud de la
France. il est vrai que le concept de la coopérative n'est pas nouveau
et que les paniers de légumes existaient déjà bien avant ça (et
notamment à l'étranger). Mais ici, un peu comme dans les promotions
dont nous raffolons, il y a du "nouveau" !

Le principe de base d'une AMAP est de rassembler un certain nombre de
personnes qui établissent alors un contrat avec un agriculteur qui leur fournit de manière régulière des paniers de ce qu'il
produit. Ceux-ci sont généralement des paniers de légumes, mais il
existe de plus en plus d'initiatives qui s'intéressent aux autres
"pans" de notre alimentation. Des engagements sont pris par les deux
parties sur un certain nombre de plans que nous allons voir.

Mon implication dans les AMAP n'est pas purement journalistique (rien
ne l'est finalement pour un zine avec les moyens financier de
soundsmag.org). Je fais partie depuis un peu moins d'un an d'une AMAP près
de chez moi (étonnant pour une initiative locale non ?).

Les notions de base

Les AMAP sont des initiatives qui regroupent de nombreux concepts plus
ou moins bien définis, plus ou moins régis par une fédération de ces
associations, et plus ou moins tenus par une charte (en cours de
rédaction) des AMAPs. Parlons tout d'abord des différentes idées que
l'on peut trouver dans ces associations de citoyens et acteurs de leur
vie.

Que trouve-t-on dans les AMAPs ?

Des aliments issus de l'agriculture paysanne

Un des premiers principes est inclus dans le titre de ce type
d'initiatives : l'agriculture paysanne. Nous ne sommes pas exactement
dans la définition de l'agriculture biologique, et je ne rentrerais
pas dans les débats de termes sur les différences entre "paysanne",
"biologique", "raisonnée", "durable", etc (bien que ce débat soit
nécessaire et important dans d'autres circonstances).

Que veut dire l'agriculture paysanne ? Pour simplifier (la FNSEA se
chargera de compliquer la chose) c'est un agriculture dénuée d'engrais
chimiques, de notions de productivisme, d'inattention à la vie de la
terre et du milieu écologique et à taille humaine. C'est un
agriculteur qui prend en compte les contraintes du milieu naturel,
qui se soucie de ne pas polluer ce qui produira demain notre
alimentation.

Un engagement solidaire avec l'agriculteur

L'engagement entre l'agriculteur et l'AMAPien est en partie financier.
Ce dernier, au lieu de payer lorsque le produit est
fini, s'engage sur une certaine période et paye d'avance ses
paniers. Ainsi l'agriculteur n'a pas (trop) besoin de s'endetter et
respecter des objectifs fixés par des prêts et subventions.

Une réduction du temps "commercial"

Au delà de l'engagement financier solidaire qui est pris entre le
l'agriculteur et les AMAPiens ce mode de fonctionnement permet à
l'agriculteur de ne pas avoir à passer une partie de temps importante
sur les marchés ou sur les réseaux de distribution (type Rungis et
négociations avec les grandes surfaces). Ceci est un objectif à long
terme étant donné qu'aujourd'hui, en France, la plupart des
agriculteurs engagés avec des AMAPs continuent à vendre sur les
marchés ou sur leur ferme.

Une alimentation locale, la relocalisation de l'économie

Les AMAPs tentent de remédier à la problématique écologique de la
pollution par le transport des marchandises et la chaîne du froid. Je
ne rentrerais pas dans les détails des différents éléments pollueurs
qui gravitent autour du transport mondial des marchandises, et
notamment lorsque ces marchandises sont des produits frais et
comestibles. Manger des tomates bio produites dans des conditions
sociales correctes qui sont transportés des milliers de kilomètres
constitue, à mon avis, une avancée, certes, mais encore imparfaite.

La problématique de la pollution par le transport est doublement
adressée : le fait d'éviter à l'agriculteur (ou de minimiser) le besoin
de sa présence sur les marchés permet de réduire ses déplacements en
moyen de transport polluant.

Un alimentation de saisons (adaptée à notre milieux naturel)

L'agriculteur engagé avec une AMAP s'engage à cultiver la terre sans
(trop) détourner les contraintes du milieu naturel. Il va donc
cultiver les légumes selon les saisons. Il n'est donc pas surprenant de
devoir manger des pommes de terres et des navets l'hiver et par
conséquent de ne pas pouvoir finir son repas avec des fraises alors
que le temps ne s'y prête pas.

Justement, une des choses que je trouve attrayante est de se voir
fournir un cocktail de légumes que l'on n'aurait pas forcément choisi
et d'improviser en conséquence. Si le choix m'était laissé je
n'achèterais probablement pas de navets, de blettes ou de
topinambours, et pourtant grâce à l'AMAP je suis joyeusement
contraint d'apprendre à les cuisiner et à les apprécier. Une certaine
flexibilité est possible avec la communication entre les AMAPiens et
l'agriculteur sur la composition du panier de légumes (choix fait
ensemble et uniquement visible lors de la saison suivante).

Du lien social avec les acteurs de notre alimentation

Aujourd'hui, au vu de la "complexification" des "systèmes" qui nous
entourent (économie, informations, industries mirobolantes, etc.) il
est parfois difficile d'avoir une compréhension de comment fonctionne
la production de notre alimentation, la visibilité en reste au fait que notre nourriture arrive chez nous plastifiée et sous-vide
(possiblement commandée sur internet !). Voyez simplement comment il fut
difficile (et toujours inachevé) d'implémenter une traçabilité des
viandes bovines à la suite de la crise de la vache folle...

Les AMAP cherchent à établir un lien social plus fort avec les
producteurs de notre alimentation. Pourquoi est-ce un point important
de la démarche ? Les AMAPs visent à établir un rapport de confiance
ainsi qu'un certaine transparence du processus de production de notre
alimentation. Sans rentrer dans un vocabulaire de flicage, les visites
à la ferme permettent de se rendre compte de la bonne foi de
l'agriculteur. On voit peut-être ici l'un des points difficile d'une
convergence globale vers ce genre de fonctionnement. Débat à suivre et
à construire.

Une alternative à la grande distribution

Il me semble qu'un grand nombre de gens sont conscients de la
mauvaise qualité des produits que l'on peut trouver en grande
distribution et également des vices de ce milieu. Tout ce qui concerne
les marges arrières, le fait que la grande distribution condamne cinq
emplois stables pour un emploi précaire créé, la pollution des transports,
etc. Le sentiment que quelque chose ne tourne pas rond est
omniprésent lorsqu'on fréquente les supermarchés et les hypermarchés
qui poussent comme des champignons en bordure de nos villes (sans
vouloir pomper les admirables mots coléreux d'un ministre maintenant
disparu du spectre politique).

Ceci est relativement neuf : il n'y a pas si longtemps on pouvait
entendre "c'est vrai qu'il existe des gens qui sont contre les
supermarchés ?" (pour ne pas dire anti). La sensibilisation dans ce
domaine est récente, un des initiateurs de cette réflexion est de Christian Jacquiau avec son livre, que je vous recommande, "Les coulisses de la grande
distribution". Pour accès plus immédiat à ces propos vous pouvez
écouter une conférence qui a été enregistré et mis en ligne par
www.bibliotheque-sonore.org.

Une aide solidaire

Un autre aspect de ces associations est de mutualiser le pouvoir
économique de manière solidaire et de pouvoir entrer dans un mécanisme
de solidarité locale, que ce soit en se mettant en contact avec des
associations ou avec des individus participant à l'AMAP. Malgré la
comparaison difficile avec les prix des produits que l'on peut trouver
en grande surface (que l'on y trouve des prix plus bas est encore à
prouver), il est clair que ce genre d'initiative semble inaccessible
aux personnes à faible revenu (notamment les gens qui ne mangent pas
de légumes de toute façon). Et pourtant, les membres des AMAP, conscients de ces
inégalités économiques, travaillent activement sur des moyens
d'adresser cette problématique.

Alors que nous avons fait un tour (rapide ?) des "principes" que l'on
peut observer au sein des AMAPs, nous verrons dans le prochain volet
de ce dossier les fonctionnements et dysfonctionnements de ceux-ci,
leur image médiatique, leur implication et les perspectives qu'ils
taillent dans le paysage politique...

DJ Shadow - Our favourite DJ saviour [part 2 : Collaborations]

arthur, David Charlot — 2006-01-23T21:35:40Z

The first part of this review was dedicated to show DJ Shadow as a stand alone artist... This second part should reveal Shadow's ability to collaborate with artists of his own genre, eg. Cut Chemist, as well as with seemingly musically distant artists such as Thom Yorke from Radiohead.

Drum roll... after waiting for more than a year for this review, here it is finally!

All right stop, Collaborate and listen "Shadow's" back with his brand new edition!
Collaboration... Even before surfing on the top of success as a lone DJ, Shadow played for other musicians, or with other celebrities. But his energy is also spent in producing his friends' albums or by mixing with famous DJs.

Collaboration

Lavelle and Shadow for UNKLE

U.N.K.L.E. (DJ Shadow and James Lavelle): Psyence Fiction (1998 - Mo' Wax) :

This album fits perfectly in this section.
Behind the enigmatic 5 letter word suggesting either a UN branch or a pack of cereals, hides a mysterious group or non-group. In order to understand UNKLE one has to turn over to James Lavelle's ambition to participate in the development of abstract Hip-hop, of which Mo' Wax had a major role.
Between 1994 and 1997, Tim Goldsworthy (now working with David Holmes) and Kudo (the japanese from Major Force), accompanied James Lavelle on a series of maxis.
But the real event occurred in 1998, when Lavelle found his new ally, the most ingenuous abstract hip-hopper around: DJ Shadow. Most accustomed to working solo, Shadow demonstrates here his adaptable talents in collaborating with others. Psyence Fiction reveals itself as a superproduction with a great casting. You can find Richard Arshcroft from The Verve and Thom 'Radiohead' Yorke, or even Mike D. from the Beastie Boys.
This album was certainly one of the most eclectic records to emerge from the electronic world that year, mixing hip-hop, alternative, and electronic styles in one and proving that these cultures can adequately blend in together.
Unfortunately I find that as a whole this album lacks homogeneity, and thus soul... the same upset can be felt concerning all other compilations I've heard so far.
Nevertheless you can take a look at the funky UNKLE web site: http://www.unkle.com/

Quannum crew

QUANNUM

Quannum is a collection of some of the most interesting hip hop artists of the 90s. Located in the area of the Sacramento, California, artists such as Blackalicious, Latyrx and DJ Shadow had worked together under the wing of the Solesides collective, of which you can find a compilation called Solesides Greatest Bumps.
So in 1999, Dj Shadow creates the “label” Quannum projects with his friends from Solesides, where he produces, and accompanies artists on the turntables.
Well... since Quannum is one of Shadow's most important projects, one where he can play a part in making the underground hip hop scene break through to the light, there should really be an independent review written. In such a case it is better to leave this project to later!

DARK DAYS
In 2000, DJ Shadow contributed to the making of the music of the amazing film Dark Days. As far as we know, there is no bad pun. Dark Days is a documentary about the Mole people who have made of the New York Underground their home. It is truly moving and the Shadow's music helps create the necessary atmospheres while Pray's camera sways in and out of the ground, interviewing the people of the dark.
Only two tracks were made for this movie, “Main Theme”, and “Spoken for Mix”, and the less he does, the better it gets. The first song is melancholic and eerie, whereas the second is darker and more manic, just imagine the underground coming to you.

[DJ SHADOW & CUT CHEMIST]

Cut Chemist and DJ Shadow

Separated they are brilliant, together they are unbeatable!

First of all, Cut Chemist: he DeeJays for Jurassic 5 and Ozomatli; he's done some solo mixes such as Lesson 6 and you can find some other collaborations on The Ultimate Lessons notably with artists like Steinski, Shortkut, and Dj Shadow; The Litmus Test, which is a 26 minutes mix of all his work with his different bands over the years. This last mix is the essence of Cut Chemist's art and the real hip hop fans should have this in their personal collection.

And Cut Chemist has eventually played with DJ Shadow for different shows such as Freeze or Brainfreeze or Product Replacement which you can find live on video or in the studio whilst rehearsing for the live show.

Briefly we could just say Cut Chemist has a vitality of his own whereas DJ Shadow is more subtle and ingenious.
The first one tends to put dancers on fire whilst the second one will send your mind outta space.

One day a friend of ours comes by and tells us that there's this piece done jointly by DJ Shadow and Cut Chemist, that it's a recording of a rehearsal they did for this show they were putting up together. Now that sounds cool already. Add to that the concept of only playing 45inch vinyls... So the album has two tracks that both amount to 25 minutes of pure pleasure and mixes. We love it! It's the BRAINFREEZE! "a non stop live mix of strictly 45's and exercice in vinyl destruction". Slurp slurp!!

Gathered in front of our two genious' 50 people could appreciate the destruction of the 30 vinyls each!
With hard groove like Hey Joyce by Lou Courtney or The Nu People : I'd be nowhere without you , funky songs such as funky DJ by Fried Chicken.

To get a glimpse at both of these artists work and habits, just take a leap into the brain tickling movie called Scratch.

ZACK DE LA ROCHA AND DJ SHADOW

In 2003, DJ Shadow was designated as producer for Zack de la Rocha's first solo album after leaving RATM (RAGE AGAINST THE MACHINE). Although no album has yet been released, one famous song, freely distributed on the net, was released in opposition to american military actions in the Middle East, and especially in Irak. The March of Death is a hard flavoured rock song in the verve of RATM, although we find DJ Shadow behind the wheels of saturation. Whilst Zack de la Rocha is preeching against a blinded america, and for the eradication of ignorant violations of american's right to information, Shadow musically hits us in the face to make Rocha's words penetrate harder. Because this song is a pamphlet for our awakening it's raw and brutal... just what we needed to get the message!

Three other titles were produced at the time but never issued... and we're still waiting for their official release!

[SIX DAYS and WONG KAR-WAI]

Most surprisingly, Shadow invited Hong-Kong's reknowned film director Wong Kar-Wai to shoot a video for the Private Press' most melancholic song Six Days. Among other films, we know Wong Kar-Wai for In the Mood for Love and more recently 2046, and for this magnificient video he concentrated a series of colourful sequences full of sadness and languidness.
The script tells the story of a man trying to erase all traces of his former lover only to realize the futility of the attempt.
Beautiful but short, this video brings Shadow's song to life and confirms that DJ Shadow has lots to express in his eclectic and heterogeneous repertoire.

Six Days Video

DJ Shadow's hybrid personality has led him to collaborate on many different grounds with some of today's most influencial artists whether it be musical or cinematographical domains. As a child of hip hop he has carried freely the beacon of a multicultural identity necessary to his work; diversity is the key word of this prominent artist.

In the next part of this review we will take a closer look at DJ Shadow's live appearances, some extra bits and pieces we'd like to promote and last but not least: his production projects, the bridge to more fantastic music made in shadow land.

Le Peuple de l'Herbe

arthur, Christopher Montel — 2005-07-05T00:14:32Z

There are two kinds of pot smokers. In most cases, THC severely hinders your ability to focus and stay concentrated, which explains why so many pot smokers are social failures, even amongst themselves. THC can however have the reverse effect, provided that you are one of the chosen few who can appreciate this herbal substance as a sap for inspiration and creativity. You may still be a social failure as far as mundane conversations go, but that just gives you more time to spend on things worth your while.

As the Bill Hicksian precept goes, and unless you listen to Christian Rock Bands or Moby, it's impossible to listen and appreciate modern day music without recognizing the positive influence drug consumption has on musical creativity. Some songs have become emblematic simply because they openly praised LSD in the sixties or cocaine in the seventies.

Cab Calloway had already sung The Reefer Man back in 1932, but cannabis truly became the single most legally advertized illegal substance in the history of music with the worldwide expansion of Hip Hop culture. Whereas legislation toughened and made no distinction between marijuana and harder drugs (except for alcohol, which is legalized) a whole industry of cannabis paraphernalia sprung up, selling bongs, roach packs, t-shirts, posters with aliens smoking reefers at university campus fairs and concerts.

Cannabis was to become the first politically correct illegal drug. Cypress Hill amongst others could overtly publicize their sympathies for marijuana without any real fear of censorship. What would have happened had they put the picture of a guy lighting up a crack pipe?

And yet all these facts turn out to be irrelevant once you listen to Le Peuple de l'Herbe, which has brought since 1997 one of the most creative and innovative sounds from Lyon, France. At the end of the nineties, two DJs, Stani and Py (read it as Pee), got to work on their sounds together, and started already looking pretty far ahead by creating their own label Supadope.

Rule number one: Long-lasting plants are those whose blossoming is best prepared

Since 1996, the two DJs had been hosting the Groovambar sessions, where they freely developed what would become the foundation of their musical creativity, unrestrained eclecticism, with the ultimate aim of capturing a truly hybrid groove.

In the meantime, two musicians joined the band and made it what it is today: N'Zeng, the trumpeter, with a jazz-oriented background, and Psychotic, the drummer, more inclined towards rock beats. This partly explains Le Peuple de l'Herbe's unlimited eclecticism, although Hip Hop remains at the core of their sound.

Rule number two : make sure to have a fertile soil before planting your seeds

Their work, based in an underground music studio in Lyon, took three long years to blossom from down under. But these three years were anything but lost. The DJs and musicians had no problem blending in their talents, especially when it came to rework on sounds previously mixed. In 1999 three maxi vinyl albums came out of these first musical sessions: Reggaematik, THC T'aime and Raides Alertes, followed in 2000 by their first album, Triple Zero.

This initial blossoming was confirmed, less than two years later, with the release of PH test Two, in which all four reportedly learned to blend their skills more harmoniously. All sounds, recycled and original, were more carefully worked on and arranged. In this second album the band also started blending their work with Ukapache for the brilliant jungle based track No escape and JC 001, the human beat box, with whom they recorded the tracks 20 years gone and Mr Nice. Later in 2004 a separate maxi vynil devoted to Mr Nice will come out of this collaboration.

Rule number three : exposure is essential

In the meantime, Le Peuple de l'Herbe's performances on stage became phenomenal, and they remain today a band that must above all be seen Live. Outdoors, exposed to the wilderness of concerts, Le Peuple de l'Herbe still finds today the freedom to explore all kinds of variations and improvisations to its studio-based music.

Sold out, the third album (2004), was a very fortunate capture, as far as the history of music is concerned, of the energy released in their live performances. They simply made it available for you to listen back home with a "continous repeat" mode on. JC 001 has often been a special guest at their concerts, and we can only imagine his rendition of the entire repertory of beats - in beatbox, and hope its still not too late to catch both the band and its human beat box guest on stage.

Rule number four : plants must be dealt with care before growing too high

Ph Test Two had raised the stakes extremely high for the next album. Unsurprisingly when Cube finally came out after a few maxi vynils, its very large and very demanding fan base, including Soundsmag, were dissapointed not to feel the same magical touch and energy in the sound mixing. The initial blossoming of sounds had grown into a more mature and complex musical creativity and Cube eventually grows on you.

Funny thing to leave you on : Le Peuple de l'Herbe have a blog! It makes kind of sense, since a band always gives some form of feedback to its fan community, but it's the first time (and certainly not the last) we see this on the web. To be honest with you, the content wasn't thrilling but the concept is kind of neat (whatever you think about blog culture and the blogosphere). So if you want to follow what they are up to... you know what to do.

Robert Le Magnifique

arthur — 2005-06-01T10:42:50Z

Découvert par notre cher chroniqueur David, dans sa contribution à la formidable expérimentation sonore et musicale qu'est l'opus Hamlet, Robert le Magnifique - dont le nom peut laisser perplexe - est un artiste plein de ressources. Vous imaginez bien qu'il ne s'agit point du personnage historique retrouvé dans les pièces de Shakespeare.

On se retrouve typiquement dans le cas de la description de la bimbo idéale : les lèvres de Claudia Schiffer, les fesses de Naomi Campbell, les yeux d'une telle et ainsi de suite. Ici on a mis DJ Shadow, Kid Koala, Red Snapper, Coldcut, Hint, quelques-uns de nos scratcheurs préférés dans une boite à cocktail, secouez et c'est prêt ! Les contrebasses de Red Snapper (à la bonne époque svp), font groover nos pieds dançants, le passages heavy que l'on adore dans l'electro version lame de rasoir sont rares et jubilatoires. Dès son plus jeune âge, notre très cher Robert aurait trempé ses petit doigts musiciens dans un groupe de métal/fusion à la basse...

La maîtrise sonore est impressionnante chez cet homme à tout "toucher" dont nous n'avions pas entendu parler (mais que fait la presse spécialisée ?) et qui semble méconnu du public (malheur à toi ô public !). Il nous sert un opus portant son nom de scène dès 2002, et seulement deux ans plus tard nous impressionne avec Kinky Attractive Muse, mure comme les pommes dont notre pote Chirac raffole. Robert le Magnifique jongle avec les beats, les scratch et les samples avec brio dès son premier album. Sa progression n'en est que plus jouissive avec une maîtrise formidable des ambiances électrifiantes.

Sur son premier opus, brut mais néanmoins efficace et authentique, "piste06", de id01, il nous fait penser à un Coldcut coincé dans une boite à musique sans les vidéos loufoques. Je suis particulièrement fan de "Pok !" sur "Kinky Attractive Muse", chanson que (et là n'est point mon habitude) je peux écouter en boucle sans me lasser.

Il contribue aux nombreux projets du label Rennais idwet (label à surveiller - prochain Ninja Tunes français ?), et notamment avec Psykick Lyrikah, qui participe à Kinky Attractive Muse ("Arm en MC")... ça fait un peu famille et, nous, la famille on aime ça... surtout quand elle a du talent (pour reprendre les samples de Handsome Boy Modeling School). A suivre dans ces colonnes, des mots complimentant Psykick Lyrikah (hip-hop poétique éclectique), et le projet hybride Hamlet version live/théâtre que nous n'avons pas pu raté lors de leur passage à Paris (avec Robert Le Magnifique sur scène attention !).

Quelqu'un m'a dit un jour que la plus grande qualité qu'un acteur au cinéma puisse avoir était de faire oublier au spectateur qu'il était face à un acteur, se fondant parfaitement au personnage et faisant croire au personnage, faisant oublier l'oeil de la caméra... Robert Le Magnifique semble épouser une qualité similaire, il nous embarque dans un voyage sur lequel on oublie le collage, on oublie le support, tel un dessinateur il efface les chemins de ce voyage qu'il a lui même tracé...

En espérant avoir tenté vos oreilles. Vous ne serez certainement pas déçus...

Credits : www.labografik.net

Walter Salles - reaching for South American culture

arthur, Paul Kirkness — 2005-03-12T12:42:26Z

Soundsmag takes a quick glance at the man who contributed so greatly at re-launching Brazilian cinema on a worldwide level...

“I don't think we can say what the Latin American identity is, but I think we can try to look for it, and look for the reverberations from it.”

This could be described as Walter Salles' goal when he set out to enter the world of film-making. The Brazilian director really spearheaded the return of his countries movies on the international scene in the 1990's. Obviously, Salles was too young to have been part of the Cinema Novo of the 60's and 70's... But in the 80's he became a documentary film maker before starting on fiction in 1991 with his first film - Exposure, a fantastically crafted thriller.

However, the 1990's saw Brazil enter an enormous economic crisis, which hugely hindered Salles' cinematic output. He claims to have survived with what little he owned that he sold to feed his own. He also made documentaries on the state of the South American continent for European TV channels.

However, in 1995 he started working heartily on the now renowned Terra Estrangeira...

Terra Estrangeira

Terra Estrangeira starts off from the tragic events related to the economic crisis of the 1990's. It seems obvious that this period has become History for Walter Salles, as the amazing story of mixing cultures unfolds in Terra Estrangeira. The plot takes place in both Brazil and Portugal, and in an unprecedented way Salles offers the world an insight into how the two cultures twirl and mix together.

Terra Estrangeira

Paco is only a young boy, passionate about theatre, whose mother is one of the direct casualties of the humongous economic crash. Left with nothing, he feels the need to fulfill his late mother's dream : returning to her native land, Spain. He meets an excentric character, who is taken in by the boy's story and sends him on a courier mission to deliver a package to Portugal. From there Paco hopes to cross over to Spain. His journey unfolds as he meets Brazilian expatriates struggling in Portugal. And this is where we meet Alex who has left Brazil out of desperation - as is the case for many of these immigrants, he is barely surviving in Portugal.

The touching tale speaks very justly of roots and displacement in an ever globalizing world. The globalisation process that disposes of brazilians, uprooting them from their lands and their culture as the newly elected Fernando Color froze all national savings. Even in Portugal, Brazilians feel alienated and marginalized. Alex and Paco end up desperate, fleeing from similar unknowns.

The music of fado mixes with brazilian rhythms as destinies in both countries meet. Characters have an incredible beauty, expose their complexities. Filmed in black and white, the images are unpolished yet stand out by their authenticity.

With Terra Estrangeira, Salles makes a first beautiful mark on the world of cinema.

Central do Brazil

Josué and Dora - a beautiful friendship

Central do Brazil (Central Station) tells the tale of a young boy in search of his father in the chaos of modern time Brazil while he is courageously helped by a former school teacher named Dora who will lend her comforting wings to help him in his quest. She makes money writing letters for the illiterate people who pass through the main train station of Rio de Janeiro, and this is where she meets the young and recently orphaned Josué.

The film is a very touching look upon the social realities of Brazil, of the orphans it carries, of the exclusion that it allows for. Walter Salles manages to expose some of Brazil's fatal atrocities in a few glimpses along the romanticized storyline. A brief shot of police brutality barely interrupts the story and yet awakens and engages the viewer to some of the darkest sides of Brazil. Beneath the samba and the carnival lie other unspoken beauties and hardships. And Walter Salles has raised them to International cinematic scene with great skill.

Abril Despedacado

Abril Despadacado (Behind the Sun in English) takes a fresh and romanticized look at the old Brazilian traditions of the Nordeste. This far back region, in the north-east of Brazil as its name indicates, is pictured brilliantly in this movie. The plot revolves around one of the areas long-standing traditions: the open revenge cycle of killing between two rural families fighting for land. However, the film is but loosely based on these “honour killings” that one might have expected from Sicily

or Corsica but not South America. The central story around which the film gyrates tells the magnificent story of one young man (Rodrigo Santoro) who wishes to break away from tradition. Someone wishes to make peace with this generations-long cycle of death - a cycle caused by a disagreement on land between the Breves family and the Ferreiras.

As a director, Salles put most of his efforts on building up an almost poetical sentiment. Salles' artful approach allows the viewer to see rather than hear, to feel rather than be told what to feel. It is a valid comment to say of Abril Despedacado is at times slow and that the director spent perhaps too much time working on artwork and not enough on acting... But the general feeling one gets is, as much of the story unfolds and the characters are uncovered, that the spectator himself is the hunted. And, just for that, Salles remains a masterful artist.

Motorcycle Diaries

In the year 1952, two young Argentinian men set out on a long and arduous road trip. Starting off from the town of Buenos Aires, the two young men had clear objectives in mind : discover the continent of which they are a part of, Latin America. Their names : Ernesto Guevara and Alberto Granado. One of the names strikes the viewer as rather more recognised today.

But both Granado and Guevara, these two middle class, white, southern Americans, played important parts in spreading and upholding the ideal of communismo in later stages of their lives.

The stage is set when, at the age of 23, Guevara is still a medical student. Granado, on the other hand, is a biochemist. Setting off on their long trip, they dream of booze, of girls, of adventure. But as the scenery shown to us by Salles diversifies, so too do the protagonist's perspectives. They encounter poverty and misery in all its shapes and forms - from the underpaid exploited miners, to the forgotten and excluded lepers. This evolution is perhaps the films most successful point - An emotionally bubbling take on two young men whose political and ethical stances are slowly, but ever so surely, forged into making the historical figure that we know of today.

Diarios de Motocicleta is perhaps one of Salles' most esthetical works to date - playing on colours and landscapes so as to take the viewer on the same trip through what he and the Che have in common, an attractive continent, but one in which inequality is still hugely predominant.

What follows...

The two projects Walter Salles is now working that we know of are Dark Water and a segment of Paris, Je t'Aime of which we talked in our "filmography" of Alejandro González Iñárritu. The latter film is one we are all waiting for with - let us be very clear - impatience!

We would like you to imagine directors like Michel Gondry, Jean-Luc Godard, Olivier Assayas, Inarritu, Isabel Coixet, the Coen Brothers and of course, Walter Salles... Basically twenty directors (21 if you count the two Coen brothers of course) - one for each of Paris' 20 "arrondissements" or districts. The film is expected to come out in the coming year... Impatience...

As for Dark Water, there is room for worry. Those of you who have seen the original 2002 version by Japanese director Hideo Nakata can quite understandably wonder what Salles is doing making yet another "americanized" version of a successful foreign film... Nakata already had his The Ring series blandly immitated by Gore Verbinsky. And one can only hope that Salles doesn't limit himself and his abilities in directing this fairly scary horror / suspense film. At least - and this is the two post-adolescent guys speaking - Jennifer Connelly has been chosen to take up the part of the mother... But we will all have to wait for the end of 2005 to find out whether she and Ariel Gade make a convincing interpretation of the mother and daughter who move into a mysterious apartment. Having Walter Salles as a director should certainly be of help to them...

Dérapages Médiatiques : tentatives d'explications...

arthur — 2004-10-05T00:00:00Z

Alors que des rumeurs courent dans les couloirs de Soundsmag sur un article d'un dissident remettant en cause le principe de nos brèves chroniques sur ce que nous appelons les dérapages médiatiques, je vous concocte une contre-attaque bonne enfant avant même d'avoir reçu ces critiques.

Pour exposer ma pensée, je prendrais comme exemple deux “dérapages” qui n'étaient pas loin de faire leur place dans notre chronique... La couverture médiatique de la mort “accidentelle” de deux inspecteurs du travail il y a a peine trois semaines en France, et le mensonge qui a eu lieu lors de la journée contre la violence routière le 16 mai 2003. Dans un cas une pure omission médiatique, dans l'autre un pur mensonge médiatique.

Deux inspecteurs morts par balle

Au sujet des deux inspecteurs du travail, l'histoire telle que nous la connaissons est la suivante : deux inspecteurs du travail se rendent sur une exploitation agricole pour contrôler la validité de contrat d'un certain nombres de travailleurs étrangers employés -soit-disant- sous le contrat OMIs (Office des migrations internationales - voir article dans le Monde Diplo). L'exploitant dit qu'il va chercher ceux-ci dans sa demeure, ressort avec un fusil à pompe et descend froidement l'un des deux inspecteurs du travail devant chez lui et tue l'autre alors qu'elle tente de s'enfuir. Il finit par retourner son arme sur lui-même mais est uniquement blessé a la mâchoire. Pouvons nous considérer cette tragédie comme un accident du travail ? Ironique pour ceux qui en jugent, et tentent d'en empêcher la concrétisation. De surcroît nous n'avions constaté de tels accidents de travail mortels - jusqu'ici - que dans des pays tels que le Brésil. En effet il y a a peine un an, un événement semblable se déroulait dans des circonstances très similaires. Cet évènement et son importance dans le contexte actuel mérite d'être débattu, mais nous nous efforcerons de ne pas rentrer dans celui-ci mais plutôt nous pencher sur la couverture médiatique qui a suivit cet événement.

La couverture médiatique est complètement absente. Pas une seule Une, des vagues mentions a la radio, une couverture dans la rubrique “faits divers” à la télé, probablement quelques lignes dans les quotidiens, une vague analyse dans Libération et de brefs articles dans Charlie Hebdo. Pas un seul article d'analyse dans les quotidiens à grand tirage. Quel contraste avec les couvertures médiatiques des violences subies par nos amis les flics ! Sans rentrer dans de longues explications sur comment certains événements peuvent initier une médiatisation d'un phénomène, mener à un débat public, une implication politique et tout ce qui s'ensuit (phénomène que je condamne allègrement sur notre système mediatico-politique), les proches desdits décédés voient leurs efforts de médiatisation finir dans un cul de sac.

Imaginez que vous êtes a la direction d'une rédaction journalistique, que vous recevez un communiqué de presse expliquant la situation. Vous vous rendez probablement compte de la gravité des faits, de l'importance du problème cité par rapport aux conditions de travail dans lesquelles évoluent un grand nombre de personnes dans ces exploitations agricoles (cantonnons nous à ce problème en terme de conditions de travail). Et là, vous vous dites que c'est un sujet important, qu'il mérite bien une attention médiatique importante et que le fait divers que vous alliez mettre en avant n'est en fait pas si lourd de signification. Et soudain vous vous rappelez l'ordre établi, les bonnes raisons pour lesquelles les choses sont ainsi : l'importance de l'économie dans notre société, le climat d'insécurité qu'il faut perpétuer, les intérêts économiques qui permette à votre édition d'exister, les publicités qui intercalent vos flashs ou articles, et enfin le fait que vous vouliez garder votre boulot. Finalement le fait divers n'est pas si mal en première page... et puis vous n'avez pas le temps n'est-ce pas ?

Pour une analyse plus complète : acrimed - Meurtres sans importance audiovisuelle : deux inspecteurs du travail tués

La non-affaire

Le deuxième exemple est révélé dans un documentaire disponible sur internet produit par la zeala, un télé associative parisienne. Vous pouvez le trouver ici. Sous le titre de “La non-affaire ou quand les publicitaires font l'information”, il conte l'histoire d'un évènement “militant” organisé par l'association “Contre la violence routière” à l'occasion de l'anniversaire de ces 20 ans d'existence. Un coucher silencieux de 500 jeunes militants dans le jardin du Luxembourg à Paris pour symboliser les 500 blessés par jour, conséquence de la violence routière (marrant, j'aurais plutôt dit que c'était la bagnole qui exerçait cette violence, mais apparemment c'est plutôt la route). Les chiffres sont en effet accablants : près de 8 000 morts par an en France. C'était l'un des chantiers majeurs du gouvernement lors des faits. Importance politique oblige, nos chers Ministres des Transport et de l'Intérieur (aka Gilles de Robien et Nicolas Sarkozy) étaient présents pour l'occasion pour nous offrir leurs bonnes paroles de communicants, euh... représentants du peuple français.

Il s'avérait que parmi les 500 “militants” se trouvaient un certain nombre de figurants recrutés par une agence d'hôtes pour une mission salariée. Bernés à penser qu'ils figureraient pour un clip de musique, ceux-ci se rendent rapidement compte de la supercherie et huent leur chers ministres lorsque ceux-ci font leur apparition surprise. Le mensonge passe comme une lettre a la poste aux JTs de toutes les chaînes et dans la plupart des journaux. Les figurants abusés décident alors de faire un communiqué de presse révélant leur participation payée et payante. Quelques jours plus tard, les journaux “repentis” sont forcés de révéler une partie du mensonge.

Le documentaire fait assez bien l'exposé de la situation et je vous conseille vivement d'y jeter un oeil. Ce qui nous intéresse particulièrement ici est le volet média de cette 'non-affaire'. Prenons par exemple France 2 : le jour même le JT montre les jeunes couchés par terre qui manifestent un intérêt non-dissimulé pour la cause et discourent de mots assez justes sur la violence des routes françaises. Alors que quand l'affaire explose quelques jours plus tard, sur la même chaîne une autre rapide interview nous dévoile un tout autre aspect. Le dialogue est le suivant :
– Pourquoi êtes vous la aujourd'hui ? (même question que dans le documentaire du lendemain de l'évènement)
– Euh... Ben, pour l'argent.
– Vous voulez dire que vous êtes payés pour faire ceci ?
– Oui, 30 euros.

Donc, que se passe-t-il lorsque ce journaliste rentre au studio pour découper son reportage ? Il ment sur l'authenticité de l'évènement, ou on lui “conseille fortement” de mentir, d'omettre ces images compromettantes, ou - pour les cyniques - il n'a pas le temps d'inclure les images qui révèlent la supercherie. Et là, on dérape pas mal... aux infos nationales... et sur une chaîne dite publique de surcroît...

Pour finir...

Le terme “dérapage” s'applique assez mal dans un contexte où il y a clairement des décisions prises sur ce qui fait la Une, et ce qui serait gênant dans un contexte mediatico-politico-économique (on pourrait en rajouter des termes...). Une telle censure - ou omission si vous voulez - de certains faits majeurs sont plus de l'ordre d'une manipulation médiatique. Mais faisons semblant que ce grave constat n'est qu'un dérapage, que celui-ci n'est pas vraiment une mainmise sur les plus gros canaux d' “information” de notre cher pays. En effet n'a-t-on pas la liberté de la presse pour nous protéger de telles dérives ? En France, la quantité de titres de presse nous induit a croire qu'il existe une liberté de la presse. Néanmoins le nombre réduit d'acteurs qui contrôlent ces organes et les liens qui les unissent font qu'elle s'effrite doucement et sûrement. Goethe, ignorant que l'on pourrait réutiliser ces mots dans ce contexte disait : “None are more hopelessly enslaved than those who believe they are free”, “Ceux qui, faussement, se croient libres sont ceux qui sont le plus désespérément asservis.”

Sur ce thème, nous ne saurons que vous recommander le CQFD de septembre 2004 qui publie un excellent article sur la situation scandaleuse dans laquelle se trouve notre presse nationale ces jours-ci, en particulier sur le thème de l'antisémitisme en France. L'auteur titre “Agressions Médiatiques dans le RER D” et expose le phénomène des erreurs délibérées qui surgissent dans la presse et leur démentis qui s'y noient et passent du coup inaperçus.

Nous n'avons évidemment pas la prétention d'exposer les phénomènes qui affectent la presse avec justesse et exactitude dans ces colonnes mais simplement effleurer certaines petites choses qui nous semblent problématiques pour sensibiliser a ce problème que nous trouvons grave. Nous pouvons également vous recommander une bibliographie et filmographie (liste non-exhausive) :
– Sur la television de Pierre Bourdieu
– Les petits soldats du journalisme de François Ruffin
– Du journalisme en démocratie de Géraldine Muhlmann
– Acrimed - Action Critique Médias
– la plupart des films de Pierre Carles (chroniqués sur Soundsmag : Enfin Pris, Pas vu pas pris...)

Sur ce, nous continuerons a nous préoccuper des médias, et relater à ceux qui daignent nous lire ces petites choses qui nous font tristement rire.

Alejandro González Iñárritu

arthur — 2004-07-27T00:31:26Z

As his second film is released and adored, we already feel like writing a "complete works" review. We have been blessed with a sort of faith... and we want to spread it.

Alejandro González Iñárritu has to this date only directed two full features : "Amores Perros" and "21 grams". His other contribution to the film industry are one of the BMW shorts (if you don't know what they are, look them up) and one of the shorts in "11'09''01 - September 11" a project that brought together a number of talented directors on a theme based collection of 11 minute shorts.

To begin with, this director made his name through being the mexican guy who'd made a really amazing film: Amores Perros. It was getting a lot of coverage, a lot of people were talking about it, there was some sort of controversy around the violence portrayed... missing this hype was not an option (although some times it's much better to ignore hype...). So we got our asses down to the cinema and became witnesses to the phenomenon, now WE were raving about it. Sure enough, the film was violent. It included scenes of murder, graphic dog fights, sex, drugs, and latino rock'n'roll.

Amores Perros is admirably well cut, with not a single frame letting you evade the frantic rhythm. The film is neatly cut out in three life paths which cross each other in tragic ways, this crossing not being a central focus but a means to link these profoundly touching stories.

The expression of the similarities between physical violence and psychological violence is perfect. The three parts of the film are -or should be seen as- equally violent in hugely different ways. Never before has such a extreme link been portrayed with such pitch. To be able to put psychological and emotional violence on the same level as graphic violence is a large criticism of our society's approach to images. Relating the off-frame misery, questions the recuring show'n'tell, shock-as-much-as-you-can, voyeuristic, tip-of-the-iceberg attitude that fills our visual medias worldwide.

Alejandro Gonzalez Iñárritu is particularly skilled at using photography as a complete art in his films. Absorbing his films is like going to the pictures and going to art gallery exhibiting fantastic photography. Very much color coded as the brilliant "Traffic" by Sodenberg, the subtelty of his moods includes the spectator is his inquisite worlds.

It's easy for us to say now, the actors are promising, talented and make us forget they are actors (being the ultimate performance...). In particular Gael García Bernal (la Mala educación, Y tu mamá también) on most movie magazine covers these days... His admirable directing of these young talents later bought his way into working with some actors whose talent was already acquired.

Amores Perros ("Love's a bitch" / "Amour chiennes") is an unmisseable masterpiece, the kind that should convert your likings in cinema to a hobby or a passion.

The BMW short that he directed is rather striking. It definitelly stands out of the pack (among others : Ang Lee, John Woo, Tony Scott, etc.). Although some might argue that these are "long commercials" or "short filmercials", they still captivate us beyond the "buy our cars" message. And, in some sense, his work in this context seems to evade the most this concept. Elements of it are found in the fact that there is a gruesome dark portrayal of a distant reality : colombia's drug gangs. Blood all over the back seat of a BMW SUV doesn't exactly encourage people to buy their cars.

The photography and moods are bit like a badly shaved beard, dark and scruffy with great complexity. The rhythm is mastered with skill. Alejandro approches this short as student in film and scores an A+.

Admitedly, we really love Clive Owen (actor of main character in all these BWM films) because he is just so cool.

Alejandro's contribution to the "11'09''01 - September 11" project, is rather misterious, deceiving and yet we can't help to see energy and strength in this short piece. There are not many images in this short, simply archive images of people jumping off of the building, the towers falling. These are very short in a long stroke of a black image. Sound is the only guide in this darkness. We'd want to express our boredom, our deception, quickly say it's not any good but are unable. There are strong unspoken elements that we cannot deny in this minimalist piece.

How could our expectations be any higher knowing that a film was directed by Alejandro Gonzalez Inarritu, with Sean Penn, Benicio del Toro, and produced by http://www.focusfeatures.com/? (One day we'll do a dossier about this generally excellent production company...). So after months of waiting (litterally) for it. It was released to our immense emotion. I will not weight my exaggerative words.

The movie revolves asynchronously around three main characters played brilliantly by Sean Penn, Benicio del Toro and Noami Watts. I won't bother to associate the two first with the movies they played in, but can mention that we discovered Noami Watts in "Mulholland Drive" by David Lynch. This crew is absolutelly amazingly directed and individually talented. From this film onwards when I think of del Toro I see his impressive figure as a ex-con reborn Christian in a pass which he takes as a challenge by God.

Inaritu plays with the timeline with the same ease as with his approach to color and film grain. The three converging stories are split up in a number of short sequences which build an amazing puzzle of storytelling. We hadn't seen such skill with showing us the past, the future and what we believe to be the present since the brilliant Memento by Christopher Nolan. We are brought into his world by a series of disjoint out of focus pieces of a jigsaw that falls into place with grace and emotion. Snippets of the future raise our attention and expectancies, further our understanding of causes and consequences. Déjà-vus are created as we return to crucial scenes to complete the vision or find another perspectives.

In 21 grams, the music revolves around a recuring theme which is rather repetetive, yet every time it reaches our ears, it touches us deeper and deeper. Like a magician or an expert charmer Alejandro González Iñárritu reaches out to our humanity, no cheap thrills allowed.

The emotional content could, at the hands of many other directors, fall into classic pitfalls of pompous tear provoking tales , but Inaritu finds all the subtlety to caress our inner self, our attempts to understand others people's lives and tragedies. A true masterpiece often ligthtly criticized.

Alejandro is currently working on a project that is spiking up expectency in the soundsmag headquater's corridors : "Paris, je t'aime". It is a project that will get together 20 directors to each film an 'arrondissement' (district) of Paris and yet build a coherent narrative stroke by assembling these shorts. We are hoping the best for this project, with directors such as Ethan Cohen, Tim Roth, Jean-Luc Godard, we are hoping not to be disappointed.

He is yet another director for whom we will have to follow every move, hoping and fearing about his next work of art...