Sounds Mag'

« Under The Skin » de Jonathan Glazer - 2014

Sébastien Bourdon — 2014-07-10T07:33:37Z

Après quelques secondes de film, on comprend que sous nos yeux un œil humain se constitue ex nihilo, sur un fond sonore obsédant (une voix, comme répétitive). Cette fabrication organique et mécanique nous amène tout de suite à l'idée que le personnage principal est une pure construction, une fiction dans la fiction, et ce n'est pas faire offense au film et à son intérêt que de révéler que nous allons en effet suivre les pérégrinations d'une extraterrestre dans une Ecosse contemporaine populaire, sauvage et pluvieuse.

La première idée de génie est de faire jouer cet « Alien » par une star internationale, car quoi de plus extraterrestre en effet qu'une vedette de papier glacé, Scarlett Johansson en l'espèce. Elle est ici transformée en fleur des faubourgs, teinte en brune et habillée comme une pin-up locale, portant jean neige et pull rose décolleté.

N'étant qu'apparence et dissimulant un fond inquiétant, l'actrice américaine - en cela déjà étrangère aux lieux où se déroule le film – incarne un personnage qui découvre progressivement son enveloppe corporelle, quand elle était justement, et pour cause, absente à cette dernière, ne la portant que pour se fondre aux autres (et mieux s'en saisir pour les annihiler). L'exercice est difficile et l'actrice s'en sort avec une aisance qui fascine. N'hésitant pas à s'exposer jusque dans sa nudité crue, Scarlett Johansson est aussi sensuelle qu'effrayante, interprétant il est vrai une prédatrice sans affect aucun.

En effet, l'extraterrestre dont il est question utilise sa plastique pour appâter des hommes, proies faciles, et les éliminer au cours d'un processus horrifique qui relève plus d'un happening à la FIAC que d'un film d'horreur traditionnel. Se refusant à tout piège stylistique ou formel, le film mélange ainsi le cinéma documentaire dans son étude de la population locale, mais se pique aussi d'un art contemporain exigeant tel que pratiqué par les vidéastes, tout en maniant également des formes esthétiques pures en photographiant la nature sauvage et hostile des landes et plages écossaises.

Nécessairement subjugué par la forme, force est de constater que le fond n'est pas en reste. « Under The Skin » en est même difficile à totalement appréhender, tant les pistes de lecture sont nombreuses.

L'œuvre, souvent contemplative et elliptique, est ainsi régulièrement traversée de soudaines fulgurances, violentes comme des prises de conscience. C'est d'ailleurs exactement ce dont il s'agit, avoir une peau ne suffit point pour être homme, mais peut-être un vaisseau pour atteindre cet état. On ne naît pas humain, on le devient, ce que semble comprendre l'héroïne qui, par l'accumulation de rencontres et d'expériences, se voit peu à peu gagnée par son enveloppe extérieure, et voit cette peau prendre le dessus sur le monstre froid qu'elle contient.

Emotion, empathie et sensualité, qu'a-t-on de mieux à vivre et offrir avant de quitter cette planète. Le film le suggère peut-être, mais n'offre évidemment pas nécessairement un tel confort à celui qui le regarde, la cruauté n'est jamais absente, même si elle ne nous prive pas de la beauté des choses. Notre créature venue d'ailleurs va se heurter à d'inévitables murs, qu'elle n'aura pu ou su envisager, quant au spectateur, bringuebalé avec elle, il lui est laissé le soin de comprendre, deviner ou interpréter ce qui se passe à l'écran.

Traversé par la terreur, l'émotion et l'extase esthétique, on ne sait plus trop ou donner de l'âme dans un film qui n'en manque pas, mais se garde bien de la dévoiler complètement.

Sébastien Bourdon

Messe Populaire

Sébastien Bourdon — 2014-07-07T20:05:45Z

Je me souviens parfaitement du match France Allemagne à Séville en 1982. Bien au chaud dans le canapé avec les parents et comme estomaqué par la soudaine brutalité des évènements. Les années ont passé, je n'ai rien oublié, mais je préfère quand même une certaine forme de violence musicale à l'affrontement stérile autour d'un ballon rond. Du coup, j'ai raté le match que l'on qualifiait de « retour » dans toutes les gazettes, trente-deux ans plus tard à Rio. De toutes façons, je n'avais pas pris d'assurance annulation pour le concert (j'en connais qui l'avaient fait)…

Alors que je quitte mon office pour me rendre au spectacle, je réalise que la ville entière bruisse du football, les télévisions et radios sont allumées, on voit des maillots partout, on ne parlera bientôt plus que de cela. Du coup, se rendre à ce concert quand tout le pays est tendu vers un autre événement relevait du déplacement dans un monde parallèle.

Cette rencontre sportive à échelon mondial ne fut bien sûr pas sans conséquence sur le concert du jour, et c'est dans un Zénith quelque peu vide que nous entrons. Le premier groupe à monter sur scène, dès dix-huit heures pétantes, Ghost, ne fait preuve d'aucun abattement, semblant même comme revigoré par cette foule clairsemée, et dans l'obligation de jouer fort et dur pour la joie du public présent. N'oublions pas que les quelques pelés ayant fait le déplacement n'ont pas hésité à préférer la musique de Satan aux chants patriotiques de stade, ils méritent donc un traitement de faveur.

Nos satanistes de pacotille sont toujours aussi amusants et leurs tournées incessantes ont clairement contribué à fluidifier leur jeu et à solidifier l'interprétation de leur répertoire. Les chansons sont de haute tenue (« Elizabeth », « Monstrance Clock »…) et cette fine équipe masquée sait parfaitement jouer des atmosphères provoquées par leur titres. Je ne sais si c'est là le renouveau du métal, mais en tout cas, on devrait s'amuser encore pas mal d'années en leur délicieuse compagnie. Trois quart d'heure de concert parfait, que demande le peuple : un concert plus long la fois prochaine.

A ce stade de la compétition, il semble que l'équipe tricolore soit moins convaincante au Brésil, ou du moins peine à faire la différence avec la Mannschaft.

Mastodon prend la suite et s'installe comme en terres conquises, jouant très vite et surtout très fort. L'atmosphère de la soirée est maintenant établie : Ghost a allumé l'incendie, Mastodon l'alimente et avec Slayer, nous danserons sur les cendres. Nonobstant cela, j'en note quand même qui suivent le match sur leur téléphone. Ils feraient mieux de regarder le spectacle, nous savons maintenant tous qu'ils seront déçus.

Mastodon aborde un Zénith qui se remplit quand même un peu avec des titres piochés ça et là dans leur discographie, sans nécessairement choisir leurs morceaux les plus aisés ou abordables. Ce choix qui pourrait être judicieux se révèle pourtant discutable du fait de la qualité du son, assez médiocre... Une vague sensation d'étouffement pourrait menacer les spectateurs, même les plus endurcis, ce dont ne se rendent sans doute pas compte les musiciens, trop occupés à tirer de leurs instruments de quoi construire un mur, épais et solide.

Le groupe, dans le contexte sonore décrit, et nonobstant un set relativement court, se risque également à l'interprétation de titres de son nouvel album tout juste sorti, mais extrêmement prometteur, le nommé « Once More Round the Sun ». La galette est fort bien chroniquée un peu partout, et semble t'il à juste titre. Du coup, je l'ai achetée le lendemain et ne saurais que vous recommander de faire de même.

Slayer vient achever la soirée. On aurait envie d'être totalement enthousiaste car, comme me le dira un photographe de ma connaissance retrouvé sur place, « des tubes, ils n'ont que des tubes ! ». Mais le son n'est toujours pas formidable, encore plus fort et toujours imprécis. Et puis, Jeff Hanneman (guitare) est mort et Dave Lombardo (batterie) a claqué la porte (geste qui, le connaissant, a du être assené avec une certaine vigueur). Son remplaçant habituel, Paul Bostaph, est loin de posséder la frappe subtile et dynamique du précédent. Alors bien sûr, Slayer est toujours grand, une « véritable machine de guerre », mais sans son batteur d'origine, Slayer perd de sa magie (noire), de ce qui les a toujours distingués du tout-venant de la scène thrash metal.

De ce Zénith quelque peu dégarni, mes enfants ont fait ce soir leur terrain de jeux, courant en tous sens, leur habituelle énergie comme décuplée par la brutale vigueur de la tête d'affiche. Le cadet, juché sur mes épaules aura même droit à un amical salut du guitariste Gary Holt, ce qui le fera rosir de plaisir.

Mais les kids fatiguent après presque quatre heures de concert et nous jugeons donc nécessaire de rejoindre nos pénates, non sans avoir goûté à l'implacable doublé « Dead Skin Mask » et « Raining Blood ». Nous quittons alors les lieux, sourds mais heureux. Et puis, le groupe joue si fort qu'en allant chercher notre véhicule de l'autre côté du parc de la Villette, nous profitons encore des titres suivants dans la nuit qui tombe devant la Cité des Sciences.

Come Together

Sébastien Bourdon — 2014-06-27T15:25:03Z

Selon mon épouse, le pire n'est pas que je l'abandonne avec nos trois descendants pendant près de cinq jours pour le festival, c'est de gérer ma dépression post-Hellfest la semaine qui suit mon retour. Il faut dire que cet « Enfer », c'est vraiment le Paradis (elle était facile, je n'en disconviens pas).

Alignement des astres, alors que le Hellfest réalise sans doute la plus belle affiche de son histoire - Iron Maiden, Aerosmith et Black Sabbath en têtes d'affiche, excusez du peu - voilà qu'en plus, il fait beau. Mais vraiment beau, on se croirait presque à l'été 76, époque où justement de nombreux groupes programmés cette année connurent leur heure de gloire (mon enfance en somme). Tout semble donc indéniablement en place pour un festival particulièrement réussi.

Me concernant, l'assertion est d'autant plus pertinente que je disposerai cette année d'un pass « VIP Presse Backstage ». Dans « Le Monde d'Hier », Stefan Zweig cite ainsi Balzac : « les gens célèbres étaient pour moi comme des dieux qui ne parlaient pas, qui ne marchaient pas, ne mangeaient pas comme les autres hommes. » Poursuivant ce propos, l'autrichien ajoute : « c'est là précisément ce que nous avions éprouvé. Le fait d'avoir rencontré dans la rue Gustave Mahler constituait un évènement qu'on rapportait le lendemain à ses camarades comme un triomphe personnel, et quand un jour je fus présenté à Johannes Brahms et qu'il me frappa amicalement sur l'épaule, je demeurai plusieurs jours tout égaré par ce fait prodigieux. »

J'en suis exactement là avec les artistes que j'admire et vénère. Avec ce pass, je devrais bien arriver à m'évanouir de joie une ou deux fois.

Vendredi 20 juin

En entrant sur le site, on a beau avoir été dûment informé des modifications et améliorations apportées, on ne peut qu'être sacrément impressionné par les efforts fournis pour donner aux lieux une atmosphère encore plus riche : reconstitution de la Camden Street londonienne (le « Hell City Square »), sculptures diverses, habituelles constructions métalliques, corbeau géant, grande roue… Tant et si bien qu'on peine à croire que tout cela relève de la construction provisoire. Le Hellfest est peut-être un monde enchanté, hors de l'espace-temps habituellement fréquenté, et dont la porte ne s'ouvre qu'une fois par an, pour trois jours seulement. Le reste du temps, il existe toujours, quelque part dans les limbes de notre imaginaire sans doute.

Autre choc pour les habitués, la foule hallucinante qui se presse sur les lieux. On parle de 45 000 personnes, score jamais atteint jusque là. Avec la chaleur écrasante qui règne et la poussière en suspension, on pressent déjà que le week-end sera extrêmement physique.

Cette température presque hors norme provoque également la formation de longues files pour acquérir les précieux jetons permettant de s'approvisionner dans les nombreux bars, eux aussi déjà pris d'assaut. Pendant l'attente, on écoute d'une oreille distraite, mais intéressée, le groupe Satan sur la Mainstage. Ce nom quand même, je n'ose imaginer quelles furent les autres propositions lorsqu'il s'est agi de baptiser le groupe.

Ne résistant pas au plaisir de rejoindre ce lieu réservé à une minorité, je fais mes premiers pas au VIP. J'y ai tout de suite croisé la merveilleuse Laura Pleasants, ci-devant guitariste et chanteuse de Kylesa, mais autant vous l'avouer, je n'ai pas osé l'aborder (je suis timide avec les vedettes, encore plus si ce sont des filles).

Le carré VIP du Hellfest, c'est un peu comme le Hellfest, mais en mieux, en tout cas s'agissant du confort. La nourriture y est moins variée mais meilleure, il y a même des glaces artisanales (j'ai pris fraise, c'est ce que je préfère). On trouve des tables avec un peu d'ombre et une décoration de fin du monde encore plus chiadée ainsi que, c'est appréciable, des toilettes nettement moins envahies.

Sinon, les filles y sont peut-être plus jolies, j'en ai notamment vu une allongée sur l'herbe devant l'entrée des loges des artistes, un peu maigrichonne et fort peu vêtue, qui semblait langoureusement attendre un loup pour la dévorer. Quant aux garçons, il ne m'a pas semblé qu'ils soient moins poilus (à part moi peut-être).

Reprenant mes marques sur le site, j'écoute Powerman 5000 sur la Mainstage d'une oreille discrète, cette dernière m'indiquant que la fuite est à envisager, j'obtempère donc à cette saine injonction auditive.

Je tente ensuite les français de Loudblast sous l'Altar, ce qui se révèle infiniment plus conséquent, mais la foule rend impossible l'entrée dans les lieux (évènement qui se reproduira hélas). Or, en ce début d'après-midi, si on n'est point sous chapiteau, on est en plein cagnard, alors sans image et avec peu de son, je renonce pour un peu de shopping.

Les irlandais de Therapy ? se produisant sur la Mainstage 1, je me fais une joie de retrouver ce groupe un peu oublié de mes étagères chargées, et qui vaut finalement toujours la peine, visiblement. Enthousiastes de jouer devant tant de monde, les musiciens ne mesurent pas leurs efforts et alignent beaucoup de tubes nullement nostalgiques et encore pertinents. Lorsqu'ils ne jouent pas leur répertoire, ils font montre de leur bon goût en s'appropriant aussi bien Joy Division avec « Isolation » que Judas Priest pour un « Breaking the Law » de circonstance en ces lieux (reprises qu'on trouve sur leurs albums et qui résument finalement assez bien leur son et leur démarche).

On se repose ensuite sous les arbres en mangeant gras - argentin paraît-il, en écoutant distraitement et de loin se succéder sur les Mainstage les épouvantables Trivium et le décidément pénible Rob Zombie. Heureusement, Kylesa nous ravive sous la Valley. Toujours mue par deux batteries, leur musique serpente, oscillant entre lourdeur pachydermique, phénoménales accélérations et langueur mélancolique. La part féminine de ce groupe, et sans doute la plus charismatique, assumée par la délicieuse Laura Pleasants dont je vous parlais ci-dessus. Cette dernière m'enchante toujours et ce d'autant qu'elle a mis de la douceur dans son chant. Et quand elle crie, je fonds littéralement. Un petit bémol toutefois, le nouveau deuxième batteur faisant plus office de percussionniste, cette évolution du son nous prive un peu de cette jouissante sensation d'oppression rythmique que le groupe était capable de produire à une époque.

A regret, nous partons avant la fin du concert pour rejoindre la Mainstage 1 et Iron Maiden qui vient. Las, c'est déjà la foule des grands jours, et même en jouant des coudes, nous réalisons que nous n'approcherons jamais beaucoup de la scène. Le concert de Sepultura s'achève sur la Mainstage 2 attenante ce qui nous permet de patienter, c'est toujours plaisant, surtout quand l'hymne « Roots, Bloody Roots » résonne au soleil couchant, avec force nuages de poussières déclenchés par la folle agitation qui règne dans le « pit ».

Il y a du monde partout et de tous côtés, mais cette situation inconfortable, en plus de la distance et du son discutable, ne parvient pas à gâcher la joie ressentie à l'arrivée sur scène des glorieux anglais. Bruce Dickinson est magistral et dans une forme vocale stupéfiante (son interprétation de « Revelation » m'a fait littéralement frissonner). Et avec ça, il est taquin, nous révélant au fur et à mesure le score du match France Suisse se déroulant au même moment au Brésil.

Autour de nous tout le monde chante, et on réalise, à voir tous ces gens amassés et heureux, l'importance cruciale de la musique de ce groupe et la part prépondérante qu'a pris chacune de leurs chansons dans nos vies après tant d'années. On peut affirmer que le groupe a encore réuni toutes les chapelles métalliques, enthousiasmant dans un même élan les néophytes comme les fans historiques (« mettre tout le monde d'accord » est une expression inventée pour ou par Maiden). Après eux, que nous restera t'il pour être aussi heureux tous ensemble ?

Le concert achevé nous renonçons à un Slayer qui n'est plus ce qu'il était pour un Death qui n'est plus, mais dont la musique jouée par quelques survivants semble diablement vivante. Vive et intelligente, exigeante pour ses musiciens comme pour son public. Une énergie de noctambule nous gagne alors, quand on croyait avoir laissé toutes nos forces dans le beau spectacle de Maiden. A l'issue du concert, les musiciens de Death reviennent longuement saluer le public, visiblement émus par l'enthousiasme de ce dernier.

Il est maintenant minuit, c'est déjà demain, mais après tout ce death metal, un peu de black du même genre s'impose avant d'aller faire dodo. Enslaved le pratiquant dans son penchant mélodique, on fera de plus beaux rêves encore. Groupe norvégien (forcément) à la musicalité impressionnante et qui sur scène se révèle extrêmement précis. L'aspect réellement chanté par le titulaire des claviers (Herbrand Larsen) rend plus impressionnantes encore les vociférations gutturales du bassiste (Grutle Kjellson). La journée s'achève sur cette sensation de belle violence de laquelle surgit une superbe mélodie.

Samedi 21 juin

De retour sur le site en tout début d'après-midi, règne comme une forme un peu décalée de quiétude. On a pris nos marques, on est bien, et à partir de là, on le sait, ça va malheureusement passer trop vite.

Sur la Mainstage se produit Buckcherry, on ne peut pas dire que cela soit désagréable, mais ça ne casse pas trois pattes à un canard, même de métal laqué.

Lorsque l'oreille n'est point trop occupée et que l'on arpente le site, le corps est happé par la chaleur et l'œil troublé par cette vision : les filles sont en maillot, alors qu'il n'y a même pas la mer. Il faut reconnaître que les efforts vestimentaires de certaines festivalières diffèrent quelque peu des années précédentes ou les frimas n'avaient pas permis de telles privautés.

J'en ai même vu certaines en simple culotte avec des autocollants sur les tétons (gloups). Ces dernières se révéleront être généralement là pour promouvoir des marques de vêtements ou bijoux quelque peu sexy, et donc en représentation. Au Hellfest, le capitalisme est poussé dans ses ultimes retranchements.

La journée commence réellement avec les merveilleux Walking Papers. Pas de fioritures, du charisme, du jeu et c'est parti pour une trop petite heure de rock n roll. Ce groupe mériterait plus de temps de jeu et une meilleure heure de passage en termes d'exposition, mais tout constitué de vétérans qu'il soit, cela reste une formation récente. Leur chanteur et guitariste, le flamboyant Jeff Angells s'offrira une descente de scène au sein d'un public enthousiaste et comme ému de cette soudaine proximité. J'en ai profité pour lui serrer la main.

Avant de remonter sur la scène pour les dernières notes de la chanson, il nous a dit « I'll be back ». On t'attend Jeff, reviens quand tu veux.

A ce stade de la journée, plus d'interrogations, même métaphysiques : la fatigue ? Quelle fatigue ?

Un peu plus tard dans l'après-midi, j'entame des retrouvailles avec des amours anciennes, le groupe Extreme sur la Mainstage 1 (la dernière fois, c'était au Zénith de Paris le 5 octobre 1991). Ces garçons moulinent un funk rock blanc qu'on est en droit de trouver discutable, mais que j'avoue apprécier, d'autant qu'ils se risquent parfois à une fantaisie de bon aloi qui en ferait presque des héritiers américains – certes plus vulgaires - de Queen (« Three Sides To Every Story » 1992). Au surplus, les musiciens sont exceptionnels, ce qui ne gâte rien. Nuno Bettencourt arpège à tout va, en compétent héritier d'Eddie Van Halen.

Le groupe a connu un immense succès international en 1990 avec la ballade acoustique « More Than Words », sur laquelle j'avoue avoir frissonné lorsqu'elle fut ici reprise par la foule. Tous ces prétendus satanistes réunis célèbrent fort bien l'amour, il faut le dire.

Découvrant tardivement que mon « pass backstage » me permet en réalité de découvrir l'envers du décor et de regarder les concerts sur les côtés de la scène (comme les vedettes et parfois, avec les vedettes), je tente une première fois l'aventure avec le concert de Clutch sous la Valley, démarche d'autant plus justifiée qu'il n'y a pas un centimètre de libre sous la tente.

Alors que j'étais fort bien placé, las, les nécessités du service me renvoient brutalement plus en arrière du backstage, en plébéien que je n'ai en réalité jamais cessé d'être. De ce fait, me voilà trop loin pour avoir une vue d'ensemble et dans l'impossibilité de me rendre dans la fosse, remplie à craquer. Le type nous ayant imparti de renoncer à nos bonnes places, y mettant finalement certains de ses amis, j'opte pour la révolte, on ne va quand même pas au Hellfest pour respecter les interdictions. Je passe donc de l'autre côté de la scène, où se situe la console, monte l'escalier, enjambe la barrière et me positionne à côté de Nick Oliveri (ex bassiste de Kyuss et Queens Of The Stone Age) pour regarder le concert. Joie, victoire, triomphe même. Ça doit être cela la « Crucial Velocity » que chante Clutch.

En sortant, je force un peu mon naturel réservé et sollicite même un petit selfie avec Nick Oliveri (il faut bien vivre avec son temps), garçon qui se révèle tout à fait charmant, contrairement à la sulfureuse réputation qui lui est faite (et à laquelle il contribue un peu, il faut bien le dire).

Retour sur la Mainstage 2 pour écouter Deep Purple. En attendant leur arrivée, nous subissons les derniers feux mal éteints de Soulfly. Ce qui en ressortait ressemblait à un concert de basse saturée sur laquelle se greffaient de mauvaises percussions et les vociférations limitées du vocaliste Cavalera (« Jump ! Jump ! »). Se méfier des rastas blancs, toujours.

Heureusement, Deep Purple va nous réconforter de fort belle manière. Je n'en attendais pas forcément grand-chose, mais nos fringuants sexagénaires se sont révélés complètement enthousiasmants, tout en maîtrise souriante. Piochant ça et là dans leur répertoire (« Lazy », « Space Truckin' », « Hard Lovin' Man »...) livrant même quelques extraits de leur remarquable dernier album sorti l'an passé, « Now What ?! », faisant ainsi montre d'une créativité et d'une envie non éteintes (le morceau « Uncommon Man », extrait dudit dernier opus sera d'ailleurs la ritournelle qui nous restera en tête lorsqu'à trois heures du matin nous retrouverons enfin notre lit douillet). Une vie pareille, comment avoir envie de l'arrêter, le plaisir, le sourire, on n'en sortira que les pieds devant semblent-ils nous dire.

Puis vint Aerosmith sur « Back in the Saddle », devant une foule en liesse, titre sonnant d'ailleurs comme un rêve d'éternel recommencement, tomber de cheval, mais toujours remonter dessus. A l'instar de la Vierge de Fer la veille, les bostoniens font le plein et au-delà, on respire à peine tant nous sommes agglutinés. On n'envie pas les petits dans un moment pareil.

Les musiciens semblent physiquement fatigués (mais qu'est-il arrivé à Joe Perry ?), mais cela ne se ressent pas à l'écoute, entre diamants noirs des années 70 (« Rats in the Cellar », « Same Old Song and Dance », « Mama Kin »...), et tubes en or massif des années 80 et 90 (« Cryin' », « Dude », « Livin on the Edge »...) Aerosmith enchante l'audience.

Les esprits chagrins trouveront sans doute cela un peu léché. Il s'agit d'un Barnum à l'américaine avec force lumières et confettis certes, mais, si ce n'est peut-être le manque de spontanéité, il n'y a rien à jeter, d'autant que le toujours souriant et bondissant Steven Tyler se révèle encore à soixante six printemps toujours plein d'un allant et d'une drôlerie presque juvéniles.

Les bostoniens n'oublient pas de jouer « Dream On » avant de partir (avec piano blanc, tant qu'à faire), ce qui constitue exactement notre programme pour la courte nuit qui vient.

Dimanche 22 juin

Le troisième jour, en se levant, difficilement et douloureusement, on pourrait fugitivement considérer que deux jours auraient suffi. Et ce d'autant que la programmation du dernier jour est moins alléchante, le plus palpitant est concentré en fin de journée, nous obligeant à moult sacrifices. Comme le disait un festivalier de ma connaissance, le Hellfest devrait durer une semaine et être remboursé par la Sécurité Sociale.

Au surplus, si c'était possible en Loire-Atlantique, il fait encore plus chaud en ce dimanche de juin.

En arrivant au coin VIP, je vérifie à petite échelle cette évidence habituelle au festival, ici, il y a plus de queue aux toilettes des garçons que chez les filles. On progresse certes plus vite en termes de féminisation qu'à l'Assemblée Nationale ou dans les conseils d'administration, mais il y a encore un peu de chemin à faire.

Je tente enfin un petit tour sur la Warzone pour écouter du "oi" (comprendre du punk, en l'espèce le groupe Last Resort). Au milieu des vignes, c'est un petit peu plus clairsemé que sur le reste du site, mais la chaleur y est épouvantable, pas un début de commencement d'abri pour se protéger de l'astre divin.

Ecoutant vaguement la musique, j'observe les fans. Il est toujours amusant de croiser ces punks tatoués de la tête aux pieds, mais certains équipés de bouchons d'oreilles et fumant des cigarettes électroniques. Mais ne vous y trompez pas pour autant, ici, c'est du brutal, on n'est pas là pour plaisanter.

Un peu lassés par l'aspect rébarbatif du genre, nous partons sous la Temple pour tenter Equilibrium. La quête désespérée d'ombre est sans doute ce qui a motivé notre mouvement, parce que pour la mélomanie, ce black métal celtique nous oblige à un repli rapide.

On se réfugie alors sous la Valley, généralement plus à même de nous fournir en sons de guitares gras et velus. Ça s'appelle House of Broken Dreams et cela tient ses promesses. La poussière est aveuglante même sous la tente mais, tout irrespirable que cela soit, ce n'est pas sans contribuer parfaitement à l'ambiance. J'en profite pour utiliser mon sésame et faire un tour à l'arrière scène. Sous la scène une jeune fille fait la sieste, spectacle charmant.

Cette énième petite promenade se révèlera finalement plus amusante que la musique de cet aimable trio, ce dernier souffrant d'un relatif manque d'originalité.

Enfin Satan, le vrai, nous rend visite avec les black métalleux polonais de Behemoth. Pour mettre dans l'ambiance, les musiciens grimés, hiératiques, montent sur la Mainstage au son délicat de cris de porc qu'on égorge. Après avoir allumé force candélabres, le groupe envoie des riffs qui sonnent comme des giclées de sang. L'astre solaire apeuré se couvre même pudiquement pour la première fois de la journée de quelques nuages ! Le leader Nergal (qui portait un très joli collier fait de restes de poulets sanguinolents) a un charisme indéniable, mais le genre est quand même un peu écrasant et il nous aurait sans doute fallu quelque chose d'un peu plus primesautier pour nous extraire de la torpeur dans laquelle la fatigue et la chaleur nous ont plongés.

Les festivités polonaises achevées, Soudgarden débarque sur l'autre Mainstage avec « Searching With My Good Eye Closed » extrait du magnifique « Badmotorfinger » (1991). A l'écoute, on ne ressent pas forcément de nostalgie mais une joie certaine à se plonger dans ces effluves du grunge de notre jeunesse enfuie. Si Matt Cameron (batterie) est absent pour cause de présence requise pour une tournée européenne de Pearl Jam (qui ignore d'ailleurs la France), le groupe se révèle néanmoins sacrément percutant (ledit Matt Chamberlain n'est pas franchement un manche). Il est d'ailleurs temps que ma génération prenne un petit peu plus d'assaut la Mainstage et qu'une journée d'un Hellfest futur soit franchement consacrée à la scène de Seattle des années 90, scène qui a sans doute amené beaucoup de monde au heavy metal.

Le concert se poursuit avec quelques merveilles comme « Rusty Cage », mais si l'exécution est irréprochable, le son n'est pas formidable et Chris Cornell pour séduisant qu'il soit, n'atteint que rarement les sommets vocaux produits sur disque. De ce fait, l'intensité dramatique de leur musique y perd un peu et le concert semble comme insuffisamment habité.

Dieu merci, n'est pas oublié de la set-list le titre « Jésus Christ Pose » qui s'imposait définitivement au Hellfest !

Je renonce (honte sur moi et trois générations) au black métal d'Emperor reformé pour retrouver un vieux complice des lieux, Wino, officiant cette fois au sein de Spirit Caravan, sous la Valley, évidemment. Impeccablement placé derrière la scène, j'y retrouve mon nouvel ami Nick Oliveri pour headbanguer en cadence. Je note également à côté de nous la présence de quelques créatures à la peau très blanche, que l'on croirait sorties d'un épisode de « True Blood », ce qui ne gâte rien à l'ambiance.

On officie dans un genre de doom poisseux et particulièrement groovy, tout ce qu'on aime sous la Valley en somme. On parle beaucoup de Phil Anselmo comme agent d'ambiance du Hellfest (il fut toutefois assez discret cette année), mais il ne faudrait pas oublier Wino qui illumina les éditions précédentes avec St Vitus et The Obsessed.

De là où je me trouve, je discerne dans le public nombre de mes amis, sourire aux lèvres à l'écoute de cette musique. Pour certains, on s'est courus après tout le weekend, sans jamais réussir à se rattraper et nous voilà presque tous réunis alors que le festival touche à sa fin. Nous avons bon goût : c'est indéniablement un des meilleurs spectacles de l'édition 2014.

Je les rejoins dans la fosse pour partager tout cela ensemble. Nous aurions peut-être pu en arrêter là, mais Black Sabbath joue sur la Mainstage, il ne saurait être question de n'en rien entendre.

De loin (pas le choix vu la foule), nous regardons donc les parrains du heavy metal, groupe qui n'en finit pas de ne pas vouloir mourir. Au regard de la qualité des compositions et de leurs interprètes, si pathétique que cela soit, cela reste très beau, si éloignés de la scène soyons-nous. Seule faute de goût, mais majeure, ce batteur de pacotille – Tommy Clufetos - embauché pour remplacer Bill Ward. S'il fallait faire un mauvais choix, le management d'Ozzy a carrément décidé de faire le plus mauvais possible. Une boîte à rythmes peut avoir plus de swing, je n'en doute pas. Le jeu subtil du batteur d'origine est ici massacré par un batteur américain de stade.

C'est regrettable car nos trois honorables grand-pères sont encore capables de produire des choses intéressantes, leur dernier album (« 13 ») nous laissant même à penser que leur créativité n'est pas éteinte (avec Brad Wilk à la batterie et non pas l'horrible cogneur ci-dessus évoqué).

La distance et ce parfum de « ce n'est plus ce que c'était » devenant vraiment trop prégnant, nous voilà de retour sous la Valley pour Unida, groupe mené par John Garcia (ex Kyuss, Hermano, Vista Chino…). Pas de surprise, la qualité est là, l'enthousiasme fait beaucoup dans la musique, nous permettant de conclure dans cet exact état d'esprit cette édition 2014 du Hellfest.

A l'issue du concert, je tourne encore quelques instants en ces lieux qui seront bientôt fermés, m'en imprégnant encore un peu. La musique était bonne, la bière était fraîche, le soleil avait asséché le sol pour n'en faire que de la poussière. Puissions-nous à son instar tourbillonner encore puis, notre temps venu, tourbillonner toujours.

En quittant les lieux, et on est garé loin, dépourvu de toute corde vocale et les lombaires en compote, je réalise que ce pass aura surtout été pour moi un moyen de m'approprier encore plus le Hellfest, d'avoir été ainsi partout chez moi, au hasard d'une libre promenade.

Sébastien

And justice for all

Sébastien Bourdon — 2014-05-17T10:01:52Z

L'objet de cette pièce contemporaine est de restituer au plus près possible la réalité du déroulé d'un procès d'assises. Pour ce faire, les auteurs se sont inspirés à la fois d'un fait-divers réel, et d'une fiction universelle (je vous laisse le soin de deviner laquelle). Pour se colleter encore un peu plus au réel, les trois acteurs professionnels interprétant Hamlet, Ophélie et Gertrude sont entourés tous les soirs de professionnels de la justice dans l'exercice de leur propre rôle et sous leur réelle identité (du Président de la cour à l'expert-psychiatre).

Autant l'avouer tout de suite, j'avais été sollicité pour faire l'avocat (enfin un des deux, celui du prévenu, Hamlet, ou de la partie civile, Ophélie). J'ai décliné, ça doit être l'âge, me jugeant insuffisamment au fait des subtilités de la procédure pénale et du procès d'assises. J'ai en revanche proposé les services de mon ami et Confrère Julien Dreyfus qui s'est fort bien acquitté de cette tâche, animant le procès avec un beau professionnalisme. De ce fait parler du spectacle est délicat, je n'ai pu m'empêcher tout du long de me dire, à sa place, qu'aurais-je fait ?

Le regard du professionnel du droit est en effet un peu biaisé durant la pièce. Nous ne sommes point candides à l'exposition de cette justice à la fois fictive et fort bien restituée dans sa trivialité. Du coup, une forme d'ennui peut nous gagner, doublée d'une relative lassitude, à l'exposition à l'exposition de vicissitudes connues et rabâchées. Ainsi, lorsqu'il fallut à de nombreuses reprises nous lever de nos sièges aux entrées et sorties de la Cour sur la scène, obligation me rappelant tant d'audiences passées et à venir. Difficile d'être un bon spectateur lorsqu'on a l'habitude d'être acteur.

Peu de choses sont escamotées et ce afin de nous donner le moins possible un sentiment de spectacle. Tout le cérémonial judiciaire est respecté, avec sa gravité, et pour la forme, les lumières de la salle sont allumées et les côtés de la scène également occupés par des estrades emplies de spectateurs. Rien n'est écrit à l'avance et les avocats se sont vus remettre la veille un dossier pénal en bonne et due forme, même si peu épais. Chacun y va donc de sa partition habituelle, comme en situation réelle, si ce n'est que personne ce soir ne dormira sous les verrous.

Les comédiens font quant à eux le job, sans flamboyance et relativement crûment. En réalité, on jetterait bien Hamlet en prison, mais surtout parce que c'est un abruti. Si cela suffisait à embastiller, cela en ferait du monde dans nos prisons déjà surpeuplées, n'est-ce pas. Le criminel, à l'instar de notre Hamlet des cités défavorisées, est rarement flamboyant, il est même souvent pathétique, et ici il ne suscite même aucune empathie, aussi victime soit-il de sa famille dysfonctionnelle et de la cruauté de l'existence.

En avançant, ce spectacle assez long tout de même (quatre heures, avec les pauses ad hoc), produit finalement sur les spectateurs une saine sensation de malaise. Chacun peut ici comprendre et réellement percevoir combien il est difficile de défendre ou juger autrui et ce d'autant que huit d'entre nous seront tirés au sort pour faire office de jurés à l'issue des plaidoiries. En cela, cette pièce fait œuvre didactique et de manière assez réussie, renvoyant chacun à son humanité et à ce qu'elle comporte justement d'inhumain.

Sébastien

« Dans la cour » de Pierre Salvadori

Sébastien Bourdon — 2014-05-02T10:29:35Z

Spécialiste de l'accablement

Le cinéma français contemporain crève sous une profusion de comédies lourdingues et vulgaires avec de bien tristes vedettes (de Dany Boon à Christian Clavier, il y en a pour tous les dégoûts). La contemplation de cette invasion par affichage sur les murs de la ville désole tous les jours le cycliste (entre autres).

A t'on autant besoin de rire ? Ce besoin effréné de rigolade ferait presque peur, cela cache forcément quelque chose d'indécent. Plus personne ne vote mais tout le monde veut se marrer.

Le film dont il est ici question n'échappe pas, mais pour sa seule promotion, au qualificatif de « comédie » (ajoutez, c'est selon, « douce-amère », « mélancolique », « tendre »). Pourtant ce film n'est pas plus drôle que l'existence, qui, comme chacun sait peut malgré tout l'être (rions un peu en attendant la mort) et c'est dans cette justesse de ton, teintée d'un peu d'étrangeté, qu'il trouve sa grandeur et sa force.

Après « Tonnerre » de Guillaume Brac, déjà chroniqué sur ces lignes, nous voilà de nouveau face à un rocker dépressif (Gustave Kervern), figure contemporaine d'une époque où on n'achète plus de disques et où on écoute des « sons » (sur l'application Soundcloud on « écoute des sons », le chant des baleines peut-être ?).

Incapable de trouver le sommeil, le garçon abandonne tout et se rend à Pôle Emploi pour trouver un travail idiot qui lui permettra d'échapper, ne serait-ce qu'un peu, à ses névroses.

C'est ainsi qu'il se retrouve gardien d'immeuble parisien, sa loge donnant sur une cour qui renvoie sans doute à celle où Antoine Doisnel colorait des fleurs pour les rendre plus attrayantes (« Domicile Conjugal » de François Truffaut - 1970). Il y croise une population de gens plutôt gentils, mais pratiquement tous névrosés et plus ou moins débordés par leurs lubies (de l'accumulation de vélos à l'obsession des fissures murales).

Cette congrégation de doux dingues qui s'ignorent abrite notamment la retraitée Mathilde, épouse du président du Conseil syndical, interprétée par Catherine Deneuve. Si vous l'ignoriez, si vous aviez un doute, elle est une immense actrice. Marquée par le temps qui a passé, elle ne perd pas un instant la grâce qui a été la sienne presque tout au long de sa carrière. A l'instar du personnage principal masculin, l'envie de la protéger de sa folie douce montante nous prend aussi, spectateurs charmés et légèrement épouvantés que nous sommes.

Le couple Kervern/Deneuve, de drolatique devient profondément émouvant, chacun se rendant compte que s'il veut aider l'autre, il n'est pas forcément le plus à même de bien le faire. La vie peut être mathématique, moins plus moins s'additionnent mais restent négatifs.

Le film donne probablement une idée assez juste de ce qu'est la dépression, ce grand vide en chacun de nous, telles les poches argileuses sous l'immeuble des protagonistes, quelque chose qui à tout moment peut nous emporter dans des profondeurs que nul ne souhaiterait jamais connaître, mais dont on perçoit l'existence, pour peu que l'on ait deux sous de jugeote. Une sorte d'irrésistible appel de Chtulhu.

Il vous sera donc permis de rire durant la projection, mais de cet éclat conscient et beau des fragilités de l'existence et du charme des gens qui titubent un peu sur les chemins tortueux de la vie.

Sébastien Bourdon

Best Served Cold

Sébastien Bourdon — 2014-04-08T18:04:18Z

Jeune lecteur si tu existes, sache qu'autrefois en France, pour découvrir des groupes de rock bruyant, il fallait regarder M6 le dimanche, tard dans la nuit. Si, par extraordinaire, l'on était un étudiant soucieux de rester frais le lundi matin, il suffisait de programmer son magnétoscope et on se retrouvait le lendemain avec quelques heures de clips à visionner durant la semaine. C'est ainsi que j'ai découvert Prong, avec le clip de « Snap Your Fingers, Snap Your Neck » (1994). Sans être féru de métal industriel, il était difficile de ne pas avoir envie d'onduler joyeusement sur cette ligne de basse sinueuse, enrobée de riffs acérés.

Après avoir connu un succès grandissant depuis 1986, ce groupe - trio surtout porté par le guitariste et chanteur Tommy Victor - sortait l'album « Rude Awakening » (1996). Ce dernier disque marquait une présence plus importante de sonorités électroniques, accentuant le côté assez dansant de Prong, mais ne rencontra pas franchement son public, poussant le groupe à jeter l'éponge. Prong était donc un peu sorti des radars lorsqu'il réapparut en 2002, reprenant les choses là où il les avait laissées, mais faisant montre d'une pertinence restée indiscutable.

J'étais curieux de voir enfin ce groupe en concert, l'ayant notamment raté au Hellfest où il s'était produit aux alentours de midi, donc un peu tôt pour notre programme chargé, et ce d'autant que la prestation de Tommy Victor avec Danzig durant le même festival avait été impressionnante de vitalité.

Rejoindre la salle du Nouveau Casino à vélo en ce vendredi soir d'un printemps presque estival, mais où le fond de l'air reste frais, s'est révélé une aventure inhabituellement pénible, dans un Paris encombré et bruyant. De la sortie des bureaux du huitième, en passant par le bal de Polytechnique à l'Opéra, jusqu'à la ruée vers les bars de la Bastille, tout le monde était de sortie, il a fallu beaucoup slalomer dans cet enfer pour cyclistes.

Arrivé dans la salle, se produisait déjà la première partie, un groupe dénommé KLOGR. Musicalement point déplaisant, mais avec une voix un peu en deçà, sonnant imparfaitement dans les graves comme les aigus. Au surplus, difficile de ne pas souffrir de certains refrains à la limite du tolérable, dont j'imagine que nos artistes les voulaient à même d'aérer de leur musique, mais qui sonnaient en réalité bien trop néo métal. Tout le monde n'est pas Prong justement...

Au Nouveau Casino ce soir, l'on vérifie qu'avoir été jeune dans les années 90 revient à ne plus l'être tellement aujourd'hui, on note ainsi des cheveux plus si longs quand il en reste (des cheveux), des couples et même des enfants. Mais sitôt Prong sur scène, le public se révélera moins assagi qu'il n'y paraît et la fosse devient vite très sautillante. Las, sortir du bureau pour aller directement au concert, c'est avoir des chaussures inadaptées. Je m'écarte un peu pour ne point trop risquer de ruiner mes pompes et d'être couvert de bière (sans en boire ou presque), mais qu'importe, la musique est sacrément bonne !

Le groupe joue carré, propre et tendu. Comme sur disque, Prong ne semble avoir conservé du métal que les riffs assassins pour se reposer surtout sur le groove, même si l'abandonnant parfois pour de mortelles accélérations (le batteur du moment en fait d'ailleurs peut-être un peu trop). Il s'agit indéniablement d'une musique mal aimable, relativement froide, mais dont le caractère dansant est à même de produire une saveur singulière. Le set filera à grande vitesse, face à un public de plus en plus enthousiaste, selon Tommy Victor, nous avons été les meilleurs sur la tournée (on nous la fait si souvent celle-là, doit-on encore y croire ?).

A l'issue du concert, le leader s'installer derrière le stand de merchandising pour une petite séance de dédicace. Bien qu'ayant déjà acquis le tee-shirt, j'y retourne évidemment pour acheter un album live (« Unleashed in the West – Live in Berlin ») et obtenir une jolie signature dessus (avec mon prénom !). Tommy Victor, lors de notre rapide conversation, se révèle à la fois intelligent et plein d'humour, ce qui ne surprend guère.

Je quitte les lieux sur mon vélo pour une longue promenade noctambule jusqu'à mes pénates proche-banlieusardes. De la rue d'Oberkampf, envahie par une foule bigarrée assoiffée de joies nocturnes, en passant par Stalingrad et ses dealers à capuche, comme surgis d'un épisode de « The Wire », pour finir sur les maréchaux avec les tristes filles de joie. Un Paris de fête et de misère, violent et funky comme un titre de Prong.

Sébastien

Eloge de la folie

Sébastien Bourdon — 2014-03-19T17:50:02Z

Tom Spicer souffre depuis la naissance du syndrome de « l'X fragile », une forme d'autisme aigu. Proche de la quarantaine, il n'est plus un enfant depuis longtemps, il vit et travaille au sein d'un établissement spécialisé dans la verte campagne anglaise. Sa sœur aînée et son jeune frère sont de trépidants londoniens, qui vivent leur existence relativement loin de lui, géographiquement et affectivement, quand ils réalisent soudain qu'ils ont peut-être même cessé de se préoccuper de lui. Or, Tom a une passion, Metallica, qui se double d'une obsession, rencontrer leur batteur Lars Ulrich. Réaliser un rêve est propice à la mise en images et, en l'espèce, à un rapprochement familial. Voilà donc nos anglais embarquant leur frère sur les routes américaines en camping-car à la recherche d'une rencontre bien difficile à organiser, si ce n'est même impossible.

Evidemment, comme tout un chacun, on imaginerait que la principale difficulté de l'aventure résiderait dans la possibilité d'arriver à rencontrer Lars Ulrich, célébrité mondiale. Personnellement, j'aimerais beaucoup rencontrer ce garçon et j'imagine volontiers que cela ne serait pas évident (à cœur vaillant rien d'impossible !). Mais ce joli documentaire déplace le problème pour nous amener à réaliser et comprendre un obstacle bien plus grand encore : du fait de sa maladie et des angoisses irrépressibles qu'elle génère, il est envisageable que Tom ne veuille aller aux concerts et ne soit surtout pas capable d'attendre de rencontrer son idole.

Pour le fan de Metallica - et même pour le « fan » de manière générale, avec tous les dérèglements neuronaux que cela sous-entend - l'empathie avec ce garçon pas comme les autres, extrêmement drôle et attachant, est aisée. Mais cette œuvre modeste est finalement de nature à émouvoir au-delà des personnes évoquées, par une universalité indiscutable. Il est peut-être handicapé, mais finalement, comme beaucoup d'entre nous, Tom est potentiellement tétanisé par la seule possibilité de voir ses vieux rêves se réaliser, et ce jusqu'à la panique.

Algernon, quant à elle, est une souris blanche de laboratoire, aux yeux cerclés de rouge. De souris normale, elle est devenue géniale, à la suite d'une opération chirurgicale effectuée sur son cerveau. De ce fait, aux tests effectués sous contrôle scientifique, elle bat systématiquement le pauvre Charlie, un garçon simple d'esprit. Nul besoin d'être grand clerc pour comprendre assez vite que le projet des hommes en blanc est de faire subir le même parcours à notre gentil benêt. Et c'est ainsi que Charlie devient finalement Charles, génie en tout et n'importe quoi, esprit supérieur aux capacités inouïes. Avec cette brusque intelligence, il développe également des capacités aigues de compréhension des autres, qui l'amèneront rapidement à se replier quelque peu sur lui-même (quand son cerveau lui donne quant à lui l'impression de se déplier), dans un nécessaire élan misanthrope.

Las, Algernon finit mal, annonçant à notre héros un inéluctable et terrifiant retour à la situation de départ. Cette trajectoire en cloche, pour intéressante qu'elle soit, n'amène pas à des développements de concepts ou idées révolutionnaires sur la malédiction d'être tout à coup doué de raison dans un monde absurde. La pièce, adaptée d'une nouvelle, tient surtout ici par son exceptionnel et unique interprète, Grégory Gadebois. L'exercice de l'acteur n'est pas évident, et se prêterait aux pires cabotinages, il n'est en effet pas donné à beaucoup de comédiens que de pouvoir jouer simultanément l'idiot du village et Einstein sans changer de personnage. Par petites touches subtiles, il incarne cette transformation et l'humanité qui s'en dégage en toutes circonstances car, quelque soit son état mental, le personnage principal ne cesse jamais d'être sensible aux autres et à leur contact, conservant invariablement une forme d'intelligence émotionnelle extrêmement frappante.

Il n'est pas certain au final que le sort de la souris soit plus enviable.

Sébastien

« Ida » de Pawel Pawlikowski (2014)

Sébastien Bourdon — 2014-03-13T16:28:30Z

Naima

Où l'on apprend dès le début qu'Anna s'appelle en réalité Ida, qu'elle est juive, et ne l'avait jamais su. Dans la Pologne de 1962, orpheline élevée dans un couvent et sur le point de prononcer ses vœux, elle le découvre à l'occasion d'une rencontre avec sa tante, jusqu'alors inconnue. Ida donc, a vingt ans, est ravissante, et brille d'une discrétion naturelle qui ne résiste toutefois pas à l'intensité de son visage. Celle qui l'incarne avec une telle présence, l'actrice Agata Trzebuchowska, semble tout droit sortie de « L'aurore » de Murnau (1927), tant son physique est expressif, impression amplifiée par le noir et blanc magnifique du film.

Sa tante Wanda (Agata Kulesza) est quant à elle revenue de tout. C'est une survivante, juive miraculeusement restée en vie quant tous les siens ont disparu dans la violence et le sang. Communiste fervente et résistante pendant la guerre, elle est devenue ensuite « juge rouge », au service de l'état, au nom de ses convictions de jeunesse dont il ne reste plus grand-chose à quarante ans passés. Ravagée intérieurement, elle tente de noyer les désarrois de son âme dans la fumée et l'alcool, aux bras des hommes de passage. Cette femme est incroyablement belle et admirablement interprétée, personnage comme tombé dans sa propre fêlure, à l'humour ravageur et à la tendresse malgré tout intacte.

Le réalisateur Pawlikowski donne une fois encore admirablement chair et vie à ses personnages, surtout si ce sont des femmes, sujets qui semblent beaucoup plus le passionner que la gent masculine, comme il l'avait déjà prouvé dans un très beau précédent film tourné en Angleterre, « My Summer Of Love » (2004).

Si Wanda a finalement retrouvé sa nièce, c'est pour lui révéler qui elle est, mais surtout pour qu'elle l'accompagne à la recherche de ce qui a bien pu advenir de leur famille. Comment ils sont morts et où sont-ils enterrés, dans cette Pologne profonde et paysanne, où toutes les forêts semblent avoir dissimulé les forfaits les plus odieux. Dans cette quête commune de ce qui a pu se passer, seules les motivations des personnages diffèrent, si l'une va rechercher d'où elle vient, l'autre espère ainsi enterrer définitivement son terrible passé.

Dans cette Pologne rude et hivernale, la beauté des images est saisissante et ce d'autant que Pawel Pawlikowski a un sens aigu de la photographie et du cadrage (on se croirait dans des tableaux de Hopper filmés en noir et blanc).

Mais de la même manière que ce souci esthétique n'empêche jamais le film d'être empreint de vérité, la beauté ne sauve pas ici le monde, et ne nous préserve jamais des pires crimes. Au soutien de cette conviction, le réalisateur a au surplus la délicatesse de nous épargner tout effet démonstratif, tout pathos excessif et tout voyeurisme.

Terrible description que celle d'un pays qui ne sait que faire d'une histoire récente épouvantable et ce d'autant qu'elle reste tue. De fait, englués dans ce passé commun, tous ses habitants semblent plus ou moins fracassés, les victimes comme les bourreaux, et la génération qui les suit également, ignorante de presque tout ce qui a pu se passer, mais en portant bien malgré elle les stigmates.

Le film est ainsi empreint d'un profond pessimisme, on en vient à l'instar des personnages à se demander en quoi croire et à quoi bon vivre dans un monde où se déroulent des choses aussi atroces, questionnements éternels qui se heurtent à d'insondables réponses. Face au désastre humain, Pawlikowski ne nous laisse que l'évidence des notes de John Coltrane et la beauté des femmes aux cheveux enfin défaits.

Sébastien Bourdon

Mambo

Sébastien Bourdon — 2014-03-12T10:25:00Z

Il semble que cette année nous n'ayons pas eu d'hiver, comme en 1880. Drôle de mois de mars, où les parisiennes sont déjà écloses.

Après avoir dîné à l'étage de la salle Pleyel (au « Café Pleyel » donc), je suis descendu m'installer dans la salle, déjà heureux d'une coupe de champagne bue et du spectacle des jeunes femmes apprêtées s'asseyant dans les travées.

Le concert a commencé par une pièce de Gershwin, dont j'ignorais jusqu'à l'existence : « Ouverture Cubaine ». Comme je vous le disais plus haut, l'ambiance est étonnamment déjà presque estivale, cette introduction faisait donc particulièrement sens. La pièce brille d'une musique pleine de fraîcheur et de drôlerie communicatives, inventive et comme éternelle. Les idées jaillissent en tous sens et l'exotisme fondamental de la partition fait que là tout de suite, c'est « L'homme de Rio » dans nos têtes, sans même le film sur un écran.

Après cette introduction extrêmement festive, voici venir Charles Ives. D'un coup, l'hiver s'abat sur nous, la brume monte sur le lac, une étrangeté glaçante glisse de l'orchestre aux spectateurs. Tant de monde sur scène pour arriver à obtenir une précision aussi subtile jusque dans la dissonance impressionne. Le dérèglement de l'harmonie finit d'ailleurs par prendre le pas sur le reste, si les instruments se mêlent toujours, ils ne semblent presque plus s'accompagner. A certains moments, on jurerait même entendre jouer simultanément deux disques différents. C'est un métier chef d'orchestre face à une telle partition.

Sous ce déluge de notes, je note à un moment une jeune violoniste qui semble ne plus arriver à mettre fin à un fou rire, spectacle aussi vivant et charmant que cette jeune fille croisée le même jour, ravissante et souriante, que je voyais courir dans ma direction sur le trottoir, précédée d'un petit garçon hilare. Mais je me disperse.

Le concert reprend, après l'entracte, avec une pièce de Georges Antheil, une « Jazz Symphony » qui porte fort bien son nom, nous ramenant un peu de cette légèreté sautillante perdue en chemin. Tout cela swingue en effet terriblement et les quelques élans plus langoureux du morceau sont aussi enchanteurs. Cette musique fleure bon les lendemains qui chantent et le miracle économique dans un monde neuf (l'Amérique des années 20 en somme).

Cette introduction ne trahit pas cette fois la suite des évènements et cette première pièce jouée après la pause se révèle les prémices idéales aux « Danses Symphoniques » de West Side Story. Toute cette gaieté musicale nous rend la foule tout de suite plus enthousiaste, à l'instar de l'orchestre où la virtuosité souriante domine. Il y a toujours autant de monde sur la scène et le chef d'orchestre est secondé par un merveilleux batteur, donnant encore plus d'allant à l'ensemble.

Sublimée par cette interprétation si vivante, cette musique ne semble jamais engoncée dans sa très écrite partition et donne l'heureuse impression de choisir sa direction en permanence, comme respirant à tous les vents.

Vivats de la foule en conclusion, mais hélas point de rappel. En sortant, on chantonne et sifflote, dans un monde plus chaud, mais plus gai également.

Sébastien

France - Pays-Bas, Stade de France le 5 mars 2014

Sébastien Bourdon — 2014-03-07T10:13:30Z

Du pain et des Jeux

Autant ne pas s'en cacher, on a un rapport compliqué avec le football. S'agissant de le pratiquer, enfant, je préférais lire (on me mettait au goal de temps en temps quand même), quant à s'y intéresser, j'ai du décrocher après les figurines Panini du Mondial 1982. Depuis, je me partage entre emballements faciles (coupe du Monde 1998) et dégoût profond pour des abrutis en short incarnant avec un talent indiscutable le pire d'une époque consumériste et décérébrée.

Mais voilà, les enfants ont des passions qui ne sont pas forcément les vôtres et rien ne pouvait faire plus plaisir à l'aîné d'entre eux que d'aller voir, en vrai, un match des Bleus. Et c'est ainsi que nous partîmes rejoindre la foule des grands jours en ce mercredi soir d'un hiver finissant. Sur le quai du métro, j'ai tenté de recueillir auprès de mon fils quelques explications sur l'enjeu du match, je ne crois pas avoir forcément tout compris, mais qu'importe.

En arrivant aux abords du stade, je dois avouer avoir ressenti ce frisson qui m'envahit avant les concerts. Tant de gens impatients et joyeux, c'est forcément communicatif. Et puis, l'entrée dans l'enceinte impressionne, ce monde, ces lumières comme en plein jour éclairant nos vedettes internationales s'échauffant sur cette pelouse au vert anglais sous les premiers hourras enthousiastes (Ribery, en vrai, à quelques mètres de moi !).

Plus douloureux, en revanche, la musique en permanence (l'inévitable Pharrell Williams) et un speaker au quotient intellectuel d'huître avariée, venu surtout là pour nous vendre la soupe des marques parrainant l'évènement. Et la masse de se prêter au jeu, à mon grand désespoir. Ainsi, nous était-il demandé de crier « allez les bleus » le plus fort possible pour gagner des « goodies Carrefour ». Je suis resté coi, mon fils aussi, mais l'enthousiasme de mes congénères m'a fait de la peine, tout ça pour tenter d'attraper au vol des babioles en plastique projetées par des animateurs à l'aide de pistolets à pression. Au secours.

Après cette pause publicitaire, la Garde Républicaine est entrée sur le terrain, dans mon esprit mal tourné a alors jailli cette pensée, le commerce puis l'armée, les moutons sont bien gardés.

Et puis, enfin, le match. Je n'y connais pas grand-chose n'est-ce pas, mais cela m'a semblé être un beau match. Les hollandais n'ont pas beaucoup touché le ballon, ou bien ont-ils « manqué de réussite », toujours est-il qu'ils ont perdu deux à zéro, buts inscrits dès la première mi-temps (Benzema et Matuidi). Et on peut faire le caustique, le cynique, voire le gauchiste, on ne va pas barguigner, c'est quand même chouette un stade qui se lève comme un seul homme quand la balle entre dans les cages.

J'ai aussi en cette occasion vécu l'inévitable complicité entre spectateurs avec mes voisins, et il fallait voir le sourire goguenard de mon fils lorsqu'un honnête père de famille a ainsi tenu à deviser avec moi de l'aisance de Karim Benzema en équipe de France depuis que ce dernier joue à Madrid. J'ai pris un air à la fois pénétré et approbateur qui a, je crois, fait son effet.

A la mi-temps, encore une louche de Pharrell Williams (on ne se sent pas seul quand on écoute ça dites donc !) et retour du sinistre speaker pour nous présenter un « challenge Crédit Agricole ». Je ne m'étends pas, j'ai déjà tout dit.

La deuxième mi-temps n'a pas vu de buts, mais les français ont continué à dominer « de la tête et des épaules » (je crois que c'est l'expression d'usage). Fort bien placés, nous ne manquons rien ou presque des circonvolutions des joueurs (et admirons aussi de près d'assez beaux travaux capillaires, mention spéciale à notre numéro 19, Paul Pogba). Le spectacle est assez réjouissant et donne une toute autre sensation que celle habituellement télévisuelle. Certains choses nous échappent du fait de l'absence de vue d'ensemble, mais on se sent plus impliqué n'est-ce pas lorsqu'on hume jusqu'à l'odeur de l'herbe mouillée.

Ce match n'a sans doute pas changé grand-chose à mon sentiment sur ce sport, mais pour la joie concentrée de mon fils tout du long, c'était un moment délicieux. Et en plus, on a gagné, ce qui est encore meilleur.

Sébastien Bourdon