Sounds Mag'

We're all fucked up kids

Sébastien Bourdon — 2012-02-02T14:34:49Z

Voilà une affiche qui ne se refusait pas, avec notamment Walls of Jericho, Terror, Biohazard et Suicidal Tendencies. Dans le genre musical ici développé (le hardcore ?), on était à la croisée de tous les chemins : East Coast (Biohazard from Brooklyn), West Coast (Suicidal Tendencies from Venice Beach California), old school (les deux groupes précités) et new school (Walls of Jericho et Terror, surnommés les "keepers of the faith"...).

Nous étions un lundi frisquet, ça commençait trop tôt, mais il fallait y être. Bon, on a quand même raté les deux premiers groupes, par ailleurs inconnus de nos services, pour arriver alors que Walls of Jericho avait déjà investi la scène. Ce groupe a une particularité majeure, le chant est assuré par une femme, Candace Kucsulain. Bon, à l'oreille, on ne s'en rend pas forcément compte, mais force est de constater que cela distingue ce combo de... pratiquement tous les autres. Et, bien sûr, je suis amoureux. Certes, elle est exagérément tatouée et plutôt bâtie comme une armoire à glace, mais elle a un sourire délicieux et une énergie particulièrement communicative. Walls of Jericho donne ainsi des concerts joyeux où il est de bon ton de sauter en tous sens en hurlant "Fuck the American dream". La seule faiblesse du groupe réside dans la relative absence de compositions réellement marquantes, ce qui est peut-être dû au bagage technique somme toute assez limité de ses interprètes.

Après une courte pause à base de boissons fraîches et achat de tee-shirts (la routine), grimpent sur la scène les membres des délicats Terror. Découverts par hasard lors du dernier Hellfest (cf. ma chronique dudit événement), nous étions assez enthousiastes à l'idée de reprendre une louche de cette soupe de baffes si admirablement servie. On ne fut point déçu, le groupe a aligné les titres de leur répertoire peu subtil, mais diablement efficace, sans répit. Le chanteur, entre deux hurlements, n'a cessé de haranguer la foule ("dance, dance, slam-dive, slam-dive !!!"), organisant mosh-pits, circle pits et autres walls of death, alors que la moitié de la salle a du défiler sur la scène avant de se jeter dans la fosse. Ayant le souci de conserver une colonne vertébrale à peu près valide encore quelque temps, nous ne sous sommes pas risqués à ce jeu (contrairement à un camarade de l'AMAP, que j'ai vu plusieurs fois se livrer à cet exercice, mais lorsque l'on mange beaucoup de légumes verts, on a une santé de fer).

L'apéritif achevé, est venue l'heure du doublé de choix, Biohazard et Suicidal Tendencies. Dans une logique géographique implacable, nous avons commencé par Brooklyn avec Biohazard. Le groupe s'est présenté amputé de deux de ses membres d'origine, le bassiste chanteur Evan Seinfeld (qui a quitté le groupe car reconverti dans le... porno) et le batteur Danny Schuler (momentanément absent pour retrouver sa famille, sa femme venant d'accoucher). S'agissant de l'absence de ce dernier, je la déplorais particulièrement, ce garçon faisant partie de mes dix batteurs préférés (remplacé ici par un cogneur efficace mais moins subtil). Le bassiste érotomane a quant à lui été remplacé par un garçon ayant exactement la même voix et, pour le reste, le guitariste également chanteur Billy Graziadei a survolé la soirée avec la classe qui le caractérise. Souriant, généreux, enthousiaste, il a mérité le prix de camaraderie et de professionnalisme. Nonobstant un son particulièrement brouillon et une foule presque trop enthousiaste - nous y reviendrons -, les titres implacables du groupe ont emmené la soirée dans un autre univers, infiniment plus séduisant à mes yeux. Je ne sais pas résister à la musique de ce groupe ("What Makes Us Tick", "Punishment" et même les titres récents comme "Vengeance is Mine"), et pour un peu, j'aurais bien rejoint les premiers rangs de la fosse pour exprimer ma joie et ma dévotion. Et puis bon, c'est lundi, il y a école demain, je me suis contenté de rester dans la partie plus apaisée de la fosse.

A propos de l'audience, le public hardcore n'aime rien tant que grimper sur la scène pour se jeter ensuite dans la foule. C'est une activité certes festive et sympathique, mais ledit soir, le phénomène a fini par prendre des proportions un peu trop importantes. Tous les groupes ont fini par accueillir tout le public ou presque sur scène, les fans ne la quittant ensuite plus, y restant pour danser joyeusement. Le truc que l'on peut éventuellement rappeler, c'est que nous avions pris des places pour voir des groupes et entendre de la musique, pas pour assister au quart d'heure de gloire de dizaines de fans. Certes, c'est convivial, c'est rigolo, mais c'est un peu lassant quand même.

Ce phénomène a pris une ampleur totalement disproportionnée avec Suicidal Tendencies, la scène restant envahie une grosse partie de leur set. Il s'agit sans doute du groupe que j'ai le plus vu en concert, mais force est de constater qu'il ne se bonifie pas avec l'âge. Né en 1982, et après un pic créatif et scénique dans la première moitié des années 90 (Art of Rebellion en 1992 ou Sucidal for Life en 1994), le groupe s'est arrêté un temps pour reprendre ensuite, avec d'autres musiciens, mais sans se révéler à même de produire quoi que ce soit du niveau des albums précédents. Le chanteur Mike Muir semble ainsi avoir bien du mal à porter son groupe. Las, ce concert sera à l'image de cette évolution. En près d'une heure, ils ont du jouer six titres ("War Inside My Head", "Possessed to Skate" notamment), entrecoupés de jams qui n'en finissaient pas et même, grand n'importe quoi, de solos (batterie puis guitare !?). Focalisé sur leur répertoire le plus punk-rock, Suicidal Tendencies nous a donc servi un concert brouillon et indigne d'un groupe de cet acabit. C'est par ailleurs d'autant plus regrettable que la formation actuelle est composée de fines lames vraisemblablement capables de jouer bien autre chose, et qui furent donc ici plutôt sous employés.

C'est donc un peu déçus sur la fin que nous avons quitté la salle, espérant mieux de nos idoles d'antan. Peut-être s'agissait-il d'une fatigue passagère. De son côté, Biohazard a largement remporté la palme du groupe vindicatif le plus vivant.

Sébastien

I don't like to dance

Sébastien Bourdon — 2012-01-31T11:15:20Z

J. Edgar Hoover, l'homme qui a inventé et dirigé le FBI pendant 48 ans, rêvait de pouvoir ficher tous les citoyens américains comme les livres d'une bibliothèque et ce afin de pouvoir distinguer les gentils des méchants (les communistes donc). Claude Guéant, sur France Inter il y a quelques jours, disait se réjouir du travail « merveilleux » de la DCRI. Du fichage au conte, il n'y aurait qu'un pas ?

La paranoïa américaine n'est toutefois pas le sujet sur lequel se focalise le plus Eastwood dans son dernier film. Bien entendu, le regard porté sur les obsessions et angoisses américaines entre l'aube de la deuxième guerre mondiale et la Guerre froide permet de constater que ce beau pays n'a pas tant changé et a eu tôt fait, le mur de Berlin tombé, de se découvrir d'autres ennemis pour entretenir son souci obsessionnel de sécurité. Hoover est obsédé par la protection de son pays de toutes les menaces possibles, fantasmées ou réelles (la pègre) et se donne tous les moyens nécessaires pour ce combat. C'est ainsi qu'il disposera systématiquement de dossiers compromettants sur tous les hommes de pouvoir, afin de lui permettre de rester d'être inamovible à son poste pendant près de 50 ans.

Le film ne néglige donc pas ces aspects historiques et Eastwood en profite pour regarder à nouveau en face ses habituelles obsessions. Ainsi, la peine de mort, nul besoin d'être grand clerc pour une fois de plus constater le dégoût profond qu'elle lui inspire. On lui a souvent reproché une relative complaisance vis-à-vis de la violence, ce ne fut en réalité jamais le cas, et l'âge venant, la manière de la filmer est devenue encore plus âpre et sèche. Moment fugace et définitif, l'agression s'interrompt aussi vite qu'elle ne commence, ne laissant qu'un peu de poussière et d'autres désastres à venir. Celle qui insupporte le plus Eastwood est celle faite aux enfants, l'affaire de l'enlèvement du fils de Charles Lindbergh est ici particulièrement glaçante.

Ces aspects du film ne sont pas les plus surprenants, on y retrouve l'habituelle aisance du maître, sa fluidité dans la narration et sa capacité de montrer beaucoup avec une relative économie. Mais en réalité, il s'agit d'une étude de caractères, ce qui nous est surtout raconté, c'est une histoire d'amour et entre deux hommes, celle qui a uni toutes ces années Edgar J. Hoover avec son bras droit, Clyde Tolson (Brokeback Mountain au FBI ?). Faisant fi de tous les doutes et supputations éventuelles sur la vie sentimentale de son héros, Eastwood le présente comme un homme profondément amoureux d'un autre, mais incapable d'assumer une telle affection. Si Tolson ne s'y refuserait pas, Hoover ne le peut pas, écrasé par une figure maternelle pour qui un fils homosexuel serait pire qu'un fils mort.

L'intensité de ce désir amoureux qui devient le moteur d'une vie malgré tout passée ensemble est filmée de manière admirable. C'est ainsi qu'une fois encore Eastwood filme ici la violence, mais cette fois celle des sentiments. On a beau savoir que Clint ne se refuse pas à grand chose en termes d'envies de réalisation, il faut bien reconnaître que l'on n'attendait pas forcément l'inspecteur Harry sur ce terrain là.

Il est aidé dans cette tâche relativement ardue par un DiCaprio qui révèle ici tout son talent (impossible ici de douter encore des capacités de celui que l'on a présenté longtemps comme un "poster boy", moi le premier). Sauf erreur, il a fait le film pour une bouchée de pain, Eastwood n'ayant pas les moyens de lui verser son salaire habituel, et il est donc ici uniquement motivé par un intense appétit de jouer. Fascinant de maîtrise de bout en bout, il porte le film en incarnant admirablement toutes les facettes de la personnalité complexe de Hoover. Il arrive même à être totalement crédible recouvert de postiches pour le faire ressembler à vieillard usé et malade. Il est au plus fort bien entouré, de Judi Dench à Naomi Watts en passant par Armie Hammer (repéré dans The Social Network de Fincher où il jouait... des jumeaux).

Eastwood, depuis quelques temps, devant ou derrière la caméra, cultive une dernière obsession bien légitime - à 83 printemps - celle du vieillissement. Et comment ne pas voir une projection de lui-même dans ce personnage qui refuse de lâcher la rampe, nonobstant les ravages du temps. Eastwood travaille depuis quarante ans avec la Warner et, nonobstant la valse incessante des dirigeants du studio, il continue à réaliser un – bon - film par an.

Eastwood est peut-être vieux, mais il est sacrément vivant.

Sébastien

The Creature Lives

Sébastien Bourdon — 2012-01-26T20:08:06Z

La dernière fois que j'ai vu Mastodon, c'était au Trabendo au mois de juillet 2009, nous avions eu le plaisir d'y rencontrer le député Patrick Roy et de deviser avec lui. Cette modeste chronique est évidemment dédiée à la mémoire de ce mélomane républicain.

A l'issue de la même prestation, nous avions également rencontré les membres du groupe qui, à l'issue du concert, étaient directement descendus de la scène pour venir se frotter à leurs fans, dans un bel élan convivial. J'avais ainsi pu obtenir dédicace et photographie de leur extraordinaire batteur, Brann Dailor, entretenant ainsi mes modestes joies de fan transi. Et puis, le temps passe, le succès – mérité – gagne et cette fois, pour rencontrer le groupe, il fallait être tiré au sort à l'issue d'un concours. Je n'ai même pas essayé d'y participer, c'est quand même tout de suite moins bien. D'ailleurs, aussi somptueuse que fut la soirée, force est de constater que le concert fut également moins réussi.

Comme me l'écrivait un pianiste de mes amis l'autre jour à propos de Metallica, « Ce n'est pas mon style, la saturation me fatigue très vite, mais au moins c'est authentique et recherché ». Le moins que l'on puisse dire, c'est qu'en cette soirée parisienne de janvier, il aurait été servi… C'est un véritable bloc de saturation électrique qui nous est tombé dessus, sans crier gare.

Ce souci de jouer fort et brutal vient peut-être de ce qu'il leur a été reproché, avec leur dernier opus en date, « The Hunter » (2011), de flirter avec une relative facilité dans la composition comme dans la production. Pire, ils ont été taxés de groupe pour les « hipsters » (les bobos qui vivent de l'autre côté de l'Atlantique). Ils ont certes renoncé– un peu – avec ce dernier album à leur veine « stoner progressif » et aux albums conceptuels, mais il faut savoir raison garder, on est encore loin d'un disque pop-rock. Et la créativité débordante de ces garçons n'est pas éteinte, loin s'en faut. Et puis, c'est quand même mieux quand il y a un peu de filles dans la salle.

En tout cas, vendredi soir, on ne fit, ni dans le détail, ni dans la dentelle. Le répertoire fut ainsi axé sur leurs premiers efforts discographiques, en alternance avec des extraits du dernier album. Ainsi, hormis quelques respirations, nous avons été littéralement assommés par la frange la plus alambiquée et la plus brutale de leur répertoire. Le son étant un peu brouillon, cela pouvait quelque peu desservir cette orientation artistique pour le moins intense.

Mastodon, grâce notamment au jeu riche et détonnant du batteur Brann Dailor, tout en percussions et roulements, m'évoque une sorte de free jazz joué fort (très fort), avec des parfois de vrais bouts de mélodie dedans et de beaux blocs compacts de métal en fusion. A l'écoute renouvelée de ces garçons, l'on peut également trouver que leurs rythmes étranges, leurs riffs alambiqués, les font plutôt sonner comme un groupe européen que comme un conglomérat de rednecks tout juste extraits des rives boueuses du Mississipi. Leurs disques à thème sur les éléments comme la terre (Blood Mountain 2006) ou l'eau (Leviathan 2004), avec des atmosphères marquées par Hermann Melville ou la Russie tsariste confirment largement cette impression. Musique compliquée et intense, aux références subtiles, c'est sur ce terrain que se positionne Mastodon.

Il était de ce fait un peu regrettable que les variations d'atmosphère que le quatuor peut produire n'aient ainsi pas été totalement mises en valeur lors de ce dernier concert. L'impasse quasi-totale faite sur leur avant-dernier album, Crack the Skye (2009), en était l'illustration la plus flagrante. Ce chef d'œuvre recèle des pièces sublimes et las, si ce fut la plus belle (le titre éponyme), ils n'en interprétèrent (sauf erreur), qu'une seule (alors qu'en juillet 2009, ils avaient joué l'intégralité dudit album, ce qui s'agissant d'un disque alors tout juste sorti, relevait d'une démarche artistique aussi intègre que courageuse). On était donc parfois un peu abasourdis par cette intensité de jeu, comme écrasés par ce mur sonore.

Le groupe est généralement peu disert, mais à la fin du show, le batteur s'est emparé du micro pour nous remercier chaleureusement d'être à chaque fois plus nombreux et plus enthousiastes. Ce groupe conserve indéniablement sa fraîcheur et occupe une place particulière dans la scène actuelle, pourvu que ça dure.

Sébastien

P.S. la première partie a, une fois n'est pas coutume, soulevé l'enthousiasme. Red Fang joue un stoner poisseux et décalé, plus que recommandable (et donc recommandé).

Pain and Pleasure

Sébastien Bourdon — 2012-01-10T10:37:05Z

Entre l'Autriche et la Suisse, peu de temps avant que le XXème siècle ne sombre dans la folie sanglante qui l'a caractérisée, deux hommes réfléchissent aux origines de la violence et de la souffrance dans l'âme humaine. Le plus jeune des deux (Jung), tout à sa quête scientifique, y affrontera son aîné jusqu'à la rupture et fera également face à ses propres tourments pulsionnels.

Cette Europe alémanique d'avant les grandes guerres, ce monde disparu, il me semble que sa poussière flottait encore dans les appartements strasbourgeois de mes grands-parents. Le protestantisme de l'Est sans doute. C'est la religion de Carl Gustav Jung, et ce n'est certainement pas un détail dans le film.

C'est un monde plein d'allant dans lequel nous plonge Cronenberg, les gens y sont toujours beaux et bien habillés, corsetés même. Mais, sous ces beaux atours, les cerveaux fonctionnent et les cœurs battent. Ainsi, la laideur semble toujours épargner les protagonistes de l'histoire, même les tentations sexuelles les plus bestiales ne masquent ni n'empêchent la pureté du sentiment amoureux. Ici, la pulsion n'est pas amoindrie par le costume trois-pièces.

Ce film s'inscrit somme toute assez bien dans l'évolution récente du cinéma de David Cronenberg, on est en effet ici assez loin de « Videodrome » (1982) voire du plus récent « Existenz » (1999). Point d'images chocs, même si les obsessions restent les mêmes, la violence faite au corps, la transformation, les mutations, mais elles se parent ici d'habits plus élégants.

Cette ligne directrice dans l'œuvre de l'auteur s'incarne ici essentiellement dans la prestation extraordinaire de l'actrice Keira Knightley, sa manière d'interpréter la souffrance psychologique et la pulsion incontrôlée de Sabina Spielrein fascine le spectateur jusqu'au malaise. Son personnage est débordé par son propre corps quand les autres protagonistes semblent en apparence parvenir à maintenir à distance les désirs qui les habitent. Cet appétit indéfini et irrépressible jaillit d'elle, elle se contorsionne, modifie le flux de ses propos jusqu'à l'incohérence, tord son visage en des mimiques disgracieuses. La grandeur et la décadence du désir féminin ont rarement autant brûlé l'écran, sans que cela ressemble chez l'actrice à une vaine course pour un prix d'interprétation quelconque. Elle ne surjoue pas, elle incarne, elle vit.

Le trio masculin ne manque également pas d'allant. Viggo Mortensen – acteur fétiche de Cronenberg – campe impeccablement un Freud sûr de lui quand Michael Fassbender (le meilleur acteur du moment ?) incarne avec talent un personnage dont l'apparente rigidité dissimule mal la fragilité et la fébrilité. Quant à Vincent Cassel, lui aussi habitué du cinéma de Cronenberg, il cabotine peut-être un peu dans son personnage de psychanalyste épicurien, mais le rôle l'exige sans doute et c'est somme toute assez réjouissant.

Le film, d'une facture esthétique indiscutable tout du long, tant dans sa forme que dans ses plans, rappelle au spectateur que, si l'élégance est de mise, elle ne prévient pas la trahison et la guerre. C'est beau un monde au bord du gouffre.

Le Bois et le Fer

Sébastien Bourdon — 2011-12-07T18:55:35Z

Ami lecteur, si tu existes et que tu me lis, il ne t'échappera pas que la vision sur grand écran d'un film de Truffaut par un dimanche après-midi pluvieux était à même de me mettre dans un état proche de la béatitude. Si l'on excepte les soubresauts agacés d'un grognon qui s'offusquait, avant même que le film ne commence, de la modeste agitation des bambins nous accompagnant (cinq enfants, qui se sont par ailleurs fort bien tenus), le plaisir fût à la hauteur des attentes. Comme quoi, Clémenceau ne disait pas forcément juste lorsqu'il affirmait que « le meilleur moment dans l'amour, c'est quand on monte les escaliers ».

Et quel film ! Truffaut, critique connu à l'époque pour être le pourfendeur du cinéma franchouillard, se mouille alors bien plus que la plupart de ses confrères nés ou à naître, en réalisant lui-même un film. Premier essai, premier chef d'œuvre, et le temps qui passe ne change rien à l'affaire. Le rythme, le jeu, la manière de filmer n'ont pas pris une ride. Seule peut-être la prise de son était un peu trouble, d'autant qu'il y a ici évidemment beaucoup de post-synchronisation (ou peut-être suis-je en train de devenir sourd).

Le cinéaste naissant commence par une œuvre qui est terriblement autobiographique, Truffaut règle à sa manière, par cette histoire d'enfant délaissé, ses comptes avec sa famille et la société qui l'a vu naître. Porté par un tout jeune Jean-Pierre Léaud époustouflant, il ne manque aucune de ses cibles. L'enfant ne s'égare que par manque d'amour et cette graine de violence trouve à se développer face à l'ignorance et à la brutalité de la société et de ses institutions. En germe, l'on sait déjà que c'est le goût de la littérature (Balzac) qui guidera le jeune héros, à défaut de le sauver.

Au-delà de l'universalité de sa réflexion sur l'enfance, le film nous restitue, plus de cinquante ans après sa sortie, une description documentaire d'un Paris déjà oublié. Aux abords de la place Clichy, vivait ce que l'on appellerait sans doute une « classe moyenne inférieure » qui a aujourd'hui pratiquement quitté les lieux. Nous sommes dans le Paris d'avant la gentrification. La saleté des cages d'escaliers, les intérieurs étriqués nous sont montrés comme des données, comme une évidence, là n'est même pas le sujet. On travaille dur la semaine dans les bureaux parisiens et le dimanche, on part un peu à la campagne.

Les femmes travaillent aussi, elles ne sont plus forcément là pour tenir le foyer et un deuxième revenu est indispensable. Elles sont libres sexuellement, mais ici l'enfant en est la victime, délaissé par une mère plus préoccupée de ses amants que de sa progéniture (une once de misogynie est peut-être ici à déceler, mais Truffaut aimait trop les femmes pour pencher en ce sens). Cet abandon est d'autant plus cruel que le père est inconnu, et que le beau-père, tout bonhomme qu'il soit, n'est pas moins responsable de la situation et capable de décisions particulièrement cruelles.

L'école, la justice, la police nous sont montrées comme de institutions incapables de compréhension et d'empathie pour ceux qu'elles encadrent. La société française ne sait que faire de ses enfants, et si des lueurs de compréhension et réflexions surgissent parfois (juge, psychologue...), c'est quand même toujours la brutalité imbécile qui est retenue. En cela aussi, le film n'a pas vieilli.

L'enfant ne trouve du réconfort qu'auprès de ses semblables, avec lesquels il fait de joyeuses bêtises, sans mauvaises pensées, sans jamais oublier de rire et de courir.

Ce n'est évidemment pas un film destiné prioritairement aux enfants, mais il leur est parfaitement accessible. François Truffaut filme à leur hauteur (voir notamment une scène sublime d'enfants assistant à un spectacle de Guignol), ce qui permet à un jeune public de parfaitement s'y retrouver, de s'identifier à ce qui se passe sur l'écran et de le comprendre intimement, même si les évènements décrits ne ressemblent pas forcément – et heureusement - à leur vie quotidienne.

Film révolutionnaire et toujours vibrant, il m'a semblé faire écho à ce qu'écrivait Godard en préface de la « Correspondance » de Truffaut, « François est peut-être mort, je suis peut-être vivant. Il n'y a pas de différence. »

Sébastien

Another Perfect Night

Sébastien Bourdon — 2011-11-23T17:23:38Z

Le matin du concert, j'avais du renoncer à mon fidèle destrier (mon vélo) pour cause de rendez-vous judiciaire en proche banlieue. Me voilà donc agglutiné avec mes semblables dans les transports en commun. Pour le misanthrope commun, l'heure était difficile. En effet, j'aurais pu jouir de la fraicheur matinale, le nez au vent, juché sur ma petite reine, et je me trouve finalement compressé par une marée humaine qui ne sent pas toujours le savon. Empêtré dans mes mouvements, je parviens tout de même à extraire de mon sac un appareil permettant d'écouter de la musique, un échappatoire virtuel en somme. Suivant alors une sévère introduction à la batterie, tout Motörhead déboule dans mes oreilles sur "Born to Lose", titre ouvrant leur dernier opus en date, The World is Yours. Et là, tout à coup, alors que je me débattais au milieu de médiocres vicissitudes urbaines et humaines, je suis soudainement apaisé. La vie est belle.

N'ayons pas peur de l'affirmer, Motörhead est intouchable, la vulgarité ne les effleure pas, même les Inrockuptibles sont obligés de s'incliner, ce groupe incarne le rock n' roll dans sa forme le plus essentielle et la plus pure. Lemmy, bientôt soixante six ans au compteur (puisse t'il atteindre les 666 ans), trimballe son groupe sur toutes les scènes depuis plus de trente cinq ans, ramenant le terme « inoxydable » à sa plus stricte définition. Il est vrai que le leader de Motörhead craint peu la rouille, il ne boit presque pas d'eau.

Motörhead est le rocher sur lequel la mer métallique vient naitre et mourir.

Lemmy jouera jusqu'au dernier souffle, c'est son projet, et puis un jour, tel Jean-Baptiste Poquelin, il s'effondrera sur scène. Bob Dylan fait de même, jouer sans fin avant que la Faucheuse ne frappe. Tout ça est évidemment bien plus rock n'roll que la dernière collection printemps-été de Zadig et Voltaire. Le problème est que, parfois, ces glorieux spadassins de la cause donnent des concerts en pilotage automatique où peut affleurer un certain ennui (cf. Motörhead au Hellfest en 2010 chroniqué en ces pages).

Mais voilà, si Motörhead passe en ville, on n'a pas le choix, il faut en être, on est obligé. Lemmy est notre Pape, il nous faut benoîtement le célébrer. En quittant mon bureau, avant de me rendre au Zénith, je croise dans le métro un type avec le tee-shirt Snaggletooth (le logo de Motörhead) et j'entame tout de suite la conversation. On ne se connaît pas, on ne se ressemble pas, mais on a déjà des tas de choses à se dire. Tutoiement immédiat et souvenirs épiques de concert à travers le temps passé (et à venir !).

Au Zénith, les évènements de la vie nous ont attribués des places assises et numérotées. Ainsi, si dès le début du concert, une belle agitation gagnera la fosse, dans les gradins, il faudra attendre l'inévitable doublé final « Ace of Spades » - « Overkill » pour que tous se dressent enfin dans un bel ensemble. Si j'ai du rester assis, je n'ai néanmoins pas cessé de sourire et ce, dès le début du concert, qui s'est ouvert avec le tonitruant « Bomber ». Je veux dire quelle autre attitude adopter face à tant d'hymnes joyeux (« Damage Case », « Stay Clean » et même le sombre « Orgasmatron »…).

King Buzzo des Melvins a un jour déclaré qu'un groupe a le niveau de son batteur. Ici, l'on parle de donc l'animal Mikkey Dee. Ce type est une brute souriante, d'une efficacité terrible. Juché sur l'estrade ajoutée à la scène, on l'a vu frapper vite et fort, nous donnant l'impression de creuser sans relâche un trou qui l'amènerait dans le magma bouillonnant du centre de la Terre. Le trio voyait ainsi son assise rythmique implacablement assurée, il ne restait plus qu'à envoyer le rock n' roll, ce qui fut fait.

Mais les mêmes sont aussi capables d'incendier le Zénith avec des guitares acoustiques et un harmonica, ce qu'ils firent avec le superbe « Whorehouse Blues », titre qui sent bon le feu de bois (crépitant chez Madame Claude).

Le concert n'aura certes duré qu'une petite heure et demie, mais de belle facture, et, indéniablement, ce groupe doit rester sur la route et nous devons continuer à le suivre.

Sébastien

P.S. nos pérégrinations récentes nous ont également récemment menés à l'espace 1789 audonien pour écouter le Surnatural Orchestra, pour une nouvelle création présentée dans le cadre du festival Africolor. Je suis très attaché à ce groupe, au-delà de l'impressionnante qualité musicale de ceux qui le composent, pour des raisons sentimentales et familiales (je compte un trompettiste de cousin parmi eux).

Combien étaient-ils ledit soir sur la vaste scène ? Je ne sais pas, vingt, peut-être trente cuivres, mais également un orgue Hammond B 3 (la classe) et un batteur. En revanche, la musique était jouée dans le cadre d'une scénographie que j'ai trouvé moins convaincante que la partition. En effet, l'orchestre joue une musique évocatrice d'images que le danseur ou les modestes décors pouvaient perturber, empêchant notre âme de vagabonder à loisir.

Il s'agissait en tout cas d'un beau spectacle, exigeant et où, si l'intensité des efforts fournis par les musiciens était palpable, la vibration de leur musique restait communicative.

13 trois quart, c'est pas 14

Sébastien Bourdon — 2011-11-18T13:06:04Z

Alors que la France entière semble se ruer dans les salles obscures pour, une fois encore, se voir et se croire telle qu'elle n'est pas (« Les Intouchables », tout est dans le titre), laissez-moi vous écrire quelques lignes pour vous recommander un petit chef d'œuvre qui vous distraira peut-être du chemin des masses avides de « distraction ».

Quittons donc notre beau pays pour la Belgique, pays que filme Bouli Lanners comme s'il s'agissait d'un grand espace vierge, une Amérique, un Far West au cœur de la vieille Europe. Son précédent film, Eldorado (encensé en ces pages), filmait l'errance de deux paumés, en s'inscrivant dans la tradition cinématographique du road-movie. Ce nouvel opus, mettant en scène trois pré adolescents, s'il poursuit le même principe d'un film en mouvement, va plutôt chercher ses racines du côté du conte.

Nous sommes à la fin de l'été, quelque part dans les Flandres, trois jeunes garçons, visiblement livrés à eux-mêmes, sans que les raisons qui expliqueraient cette situation nous soient clairement données, entament une errance sans but déterminé. Symboliquement, sans doute, cette fin de la période estivale fait écho chez les protagonistes au proche et inéluctable passage à l'âge adulte. Toutefois, s'ils semblent verbalement aguerris sur la sexualité et la violence (et à la consommation de drogue douce), ces petits sauvageons ne sont en réalité pas sortis de l'enfance, et ce n'est que la dureté de leur monde qui les pousse ainsi au mouvement. Nos héros sont en effet à l'âge ou l'on hésite encore entre la tendresse de la mère (faisant ici cruellement défaut) et les femmes fantasmées à venir (certes souvent espérées, et pas souvent atteintes, mais là aussi se trouve l'apprentissage). La confusion sentimentale entre ces deux légitimes besoins est superbement interprétée par le plus jeune des protagonistes dans une scène bouleversante (je n'en dirai pas plus, l'on pourrait me reprocher de trop dévoiler).

Les paysages somptueux, on se croirait au Québec, et sont propices à la rêverie picaresque et bucolique. Mais comme chez Perrault et Grimm (et Charles Laughton), dans la forêt se cachent des loups, même si surgissent parfois des fées.

Si l'on ne saura pas grand-chose des drames de ces enfants (la mère n'est qu'une voix au téléphone, le père n'est pas évoqué), on les verra se colleter à un monde d'adultes souvent un peu effrayant et décalé, renforçant l'aspect fantasmatique et rêveur de l'histoire. Tous les acteurs sont à ce titre impressionnants, qu'ils soient drôles ou terrifiants (du coup, encore plus drôles en fait), les plus extraordinaires étant les trois enfants. Filmer les enfants est un exercice ardu, Bouli Lanners le réussit avec une aisance qui force le respect, il ne trahit jamais la profondeur et la grâce de ces âges. Ils n'ont pas vraiment de raisons de rire et pourtant c'est ce qu'ils font, se défiant ainsi du sort qui s'acharne. La beauté de la nature semble ainsi répondre à leur joie inébranlable d'être vivant (mais triste).

La vision de ce film permet de constater une fois encore la vigueur du cinéma belge, qui par son traitement visuel ou par l'humour particulier et étrange qui s'y développe, se distingue de notre cinéma hexagonal dès la première seconde de visionnage. La musique, sorte de folk-rock acoustique faisant parfois penser à Jeff Buckley (The Bony King Of Nowhere, groupe dont je ne sais rien), est également superbe, mais en Belgique, de toutes façons, on sait faire du rock n' roll.

Ce film est beau, courez-y vous dis-je.

Sébastien

Sapristi

Sébastien Bourdon — 2011-11-15T13:34:59Z

Autant le préciser tout de suite, dès le début, je suis tintinophile depuis tout petit. Pas acharné, mais je suis quand même du genre à me pâmer devant une édition originale de « Tintin au Tibet » et j'ai de nombreux ouvrages de et sur Hergé dont j'espère qu'ils seront un jour rares (et chers). Bref, l'association Spielberg et Hergé ne pouvait qu'éveiller ma curiosité (et celle de ma progéniture).

Le film ayant fait l'objet d'un intense matraquage publicitaire, avant même de s'asseoir dans la salle, l'on savait déjà à quoi allaient ressembler les protagonistes en passant du papier à l'animation numérique. Mes deux fils étaient alors formels : « ils sont moches ». Quand on est jeune, on est intègre et pas qu'un peu. Nous n'avons point vu la version 3 D, mais force est de constater que ce système de motion capture avec des vrais acteurs était quand même celui qui était le mieux à même de servir l'œuvre originale. Tintin a pris vie sous nos yeux, c'était presque aussi touchant que le « Spiderman de Sam Raimi. C'est d'ailleurs au début du film que le spectateur trouvera le plus de poésie, avec un générique beau comme du Saul Bass revu par Hergé et, juste après, un très joli hommage de Spielberg au dessinateur de Tintin.

Globalement, la première heure est d'ailleurs très réussie, l'ambiance bruxelloise petit vingtième (siècle) est délicieuse et les péripéties de nos héros ont l'entrain et la sobriété des albums type « ligne claire ». Le problème est qu'ensuite le film s'emballe terriblement, Spielberg faisant plus de clins d'œil à sa propre œuvre qu'à celle supposée l'inspirer. Les scènes d'action se bousculent, fatiguent l'œil et l'âme, et on décroche quelque peu de ce qui se passe sur l'écran, alors que celui-ci se charge singulièrement. Alors que l'œuvre d'Hergé semble se remplir de bruit et de fureur, il semble que Spielberg s'auto-caricature maladroitement. Il y a même un combat de grues, autant dire, n'importe quoi.

C'est assez dommage, parce que certaines scènes touchent au sublime, notamment une très belle errance dans le désert de Tintin et du capitaine Haddock. Pour dessiner le sable ou la neige, Hergé avait du génie (sans doute aidé par la dépression) et les dessinateurs et animateurs ont ici fait œuvre créative et respectueuse. De la même manière, certains passages, même en 2 D, ont un rendu visuel tellement palpable que l'on croirait pouvoir toucher l'image : à un moment, le plus jeune de mes fils s'est d'ailleurs dressé sur son siège, bras en avant, pour empêcher de tomber d'une table des objets brinqueballés par le roulis du bateau. C'était beau comme la sortie des usines Lumière.

Le Secret de la Licorne est donc un objet un peu boiteux, à moitié réussi, vraisemblablement du fait de la volonté de l'auteur de plaire à tout le monde, et la vision du film ne se justifie que si vous avez des enfants (au cas où vous auriez eu un doute).

Sébastien

P.S. toujours à propos des enfants, vu avec eux en séance de rattrapage sur l'écran familial, une des dernières productions Dreamworks, Dragons. Le film est charmant et drôle, et parfois même point trop laid. En revanche, voilà une maison de production qui prend les enfants pour des demeurés. Le langage est en effet effarant, nos héros vikings ne s'expriment que par des « mortel », « trop bien » et autres « ça déchire ». Sur ce terrain, le Tintin de Spielberg emporte haut la main la palme du vernis culturel.

I Love The Dead

Sébastien Bourdon — 2011-11-14T15:41:18Z

La route, pourtant courte, fut longue jusqu'au Zénith parisien, tout le secteur du bâtiment semblant s'être donné la main pour faire du chemin jusqu'à la porte de Pantin un chantier impraticable en voiture. Sous une pluie diluvienne au surplus. Avec à bord, deux petits garçons, excités comme un soir d'Halloween. Bénies soient les goules et les sorcières, on n'a pas manqué le début.

Avec tous ces tracas routiers, on a quand même manqué le début de la première partie, mais comme souvent, ça ne devait pas être très grave. Le temps passant, voilà que les concerts de rock n' roll sont assis et placés, et nous voilà donc installés derrière la sono, à nos places attribuées et inamovibles, dans un Zénith en petite configuration, mais bien rempli, preuve de l'affection de notre pays pour Alice Cooper (ce dernier visitant par ailleurs plusieurs villes françaises durant cette tournée).

Me voilà donc pour la quatrième fois à un concert d'Alice Cooper, leader du groupe du même nom qui inventa le « shock rock » au début des années 70. Je n'ai jamais été déçu par les prestations de cette vieille rock star sur laquelle l'âge ne semble pas avoir prise (63 ans). Il est vrai que le garçon n'a jamais cultivé un look de rocker sexy, mais plutôt de créature nocturne et maléfique, du coup, qu'importent les ravages du temps puisqu'ils complètent parfaitement le tableau.

C'est bien d'un concert qu'il s'agit, l'on y entend de la musique et de la bonne, mais l'ensemble relève plutôt du spectacle, voire du numéro. L'on est ici plongé dans une tradition scénique qui va du Grand-Guignol parisien aux films d'épouvante de la Hammer. Et c'est indéniablement réussi, presque touchant par le respect accordé au genre (jusqu'aux trucages grossiers, comme une ultime fidélité au style). Souvenons-nous qu'il arrive à ce chanteur de faire des apparitions dans des films d'épouvante, notamment dans le glaçant Prince of Darkness de John Carpenter (1987).

Ainsi si Alice toise et pointe le public, il ne lui parle pas, comme si une telle représentation ne supportait pas l'interruption, les salutations et remerciements étant exclusivement réservés à l'issue du show.

Lorsque s'éteignent les feux, le backdrop scénique est éclairé par l'arrière, illuminant un Alice géant, la main dominant un sinistre cimetière. La voix de l'immense acteur Vincent Price s'élève alors, comme dans le sublime « Welcome to my Nightmare » (1975) et c'est très logiquement avec un extrait de ce remarquable opus que débute notre soirée : « The Black Widow ». Notre héros est juché sur une estrade, doté de quelques bras supplémentaires pour le faire ressembler à une araignée humaine. Le son est puissant, le groupe, s'il n'a pas la subtilité de la formation des années 70, joue bien et vigoureusement. Les mélomanes noteront le retour de Steve Hunter à la guitare, musicien qui s'est notamment illustré avec Lou Reed (« Berlin ») ou Peter Gabriel. Sa présence constituera un apport qualitatif indéniable, même si le groupe ne manque par ailleurs pas de guitares (trois en tout, dont la jeune et sémillante Orianthi Panagaris, une fille, c'est toujours bien).

Alors que nous avions quitté Alice Cooper il y a un peu plus d'un an sur les pelouses du Hellfest, ce garçon a l'élégance de nous servir un tout autre show. Si les tubes en or massif sont inévitables (de « School's Out » à « Feed My Frankenstein » en passant par « I'm Eighteen » et « Poison »), sont également tirées du haut-de-forme plusieurs raretés, de toutes les époques : notamment « Muscle of Love » (extrêmement tonique), « Hey Stoopid » et un somptueux « Halo of Flies » au milieu duquel fut interprété un duo basse-batterie qui ne m'a, oh surprise, pas rasé, inventif et joyeux qu'il était. Le dernier album n'eût droit qu'à un seul extrait avec le très stonien « I'll Bite Your Face Off ».

De la même manière, le spectacle fut un peu moins théâtral qu'à l'habitude, du coup, la place laissée à la musique et à son interprétation a semblé plus grande, ce qui n'était pas regrettable au regard de la qualité des musiciens. Le répertoire était solide et le groupe ne l'était pas moins. Si l'ensemble évoque un numéro de cirque promené mille fois autour du monde, il reste donc toujours de la place pour les notes et le plaisir de les interpréter.

Rassurons toutefois les afficionados, Alice a débarqué avec un serpent autour du cou (« My Body »), a été chassé par un monstre géant (« Feed My Frankenstein ») et, tel un condamné à mort, a vu sa tête tranchée sous les hurlements de la foule (« Killer/I Love The Dead »). Pour l'éducation des enfants, c'est quand même autre chose qu'Eurodisney !!

Surtout plus impressionnant encore, la voix de Vincent Furnier (aka Alice Cooper) est impeccable, là, le poids des ans ne se fait pas sentir. Un regret justement lié à cela, l'on pouvait déplorer l'absence de clavier qui donne souvent de belles couleurs à la musique du Cooper, la teintant d'influences fleurant bon le piano-bar, la pop ou l'art rock, genres qu'il chante admirablement (n'oublions pas que Sinatra faisait partie de ses admirateurs, que Liza Minnelli a fait des chœurs pour le groupe et qu'il avait enregistré un titre pour un James Bond, « Man With The Golden Gun », qui ne fut finalement pas retenu, mais que l'on trouve sur l'album – chaleureusement recommandé - « Muscle of Love »).

Enfin, Alice Cooper est évidemment un peu moins habité que durant ses prestations des années 70, l'exécution est donc ultra professionnelle et léchée, mais rien à faire, c'est toujours frais et drôle. « Does humour belong in music ? » s'interrogeait Frank Zappa (la réponse est dans la question). A sa manière, Alice Cooper qui fût justement découvert par le guitariste moustachu, poursuit la noble tâche de distraire honnêtement les foules. Pourvu que ça dure.

Sébastien

Art is Truth

Sébastien Bourdon — 2011-10-27T07:31:00Z

Dès l'entrée dans la salle, sans que le concert ait commencé, le concept est d'attirer progressivement le public vers la scène, vers ce qui va s'y passer. Les lumières ne sont pas éteintes, mais semblent s'estomper petit à petit, tandis que monte un son étrange des enceintes. L'estrade scénique est faussement masquée par un rideau transparent, derrière lequel les musiciens vont progressivement s'installer à leurs places attribuées.

C'est ainsi que le concert s'ouvre par l'arrivée du batteur qui commence à jouer, seul, des rythmes orientés vers le jazz. Comme le disait Bertrand, « si ça commence par un solo de batterie, c'est bien, comme ça on sait qu'il n'y en aura pas un autre. »

Les autres membres du groupe se placent, puis Steve Wilson entre, anglais maigrichon à petites lunettes et cheveux jusqu'aux épaules, avec une allure d'éternel étudiant, nonobstant ses quarante printemps dépassés. Il mènera le concert, alternant guitares et claviers, dirigeant, mais se laissant également porter par son impeccable orchestre (claviers, sax-flûte, batterie, guitare et basse-stick). On notera au poste de bassiste, le formidable Nick Beggs, vu et entendu chez Steve Hackett il y a à peine quelques jours. Ce type a un charisme fou et fait preuve d'une musicalité extraordinaire. Au surplus, assurer simultanément deux tournées de deux artistes différents, versant chacun dans une musique complexe, impressionne nécessairement sur les capacités hors normes de ce garçon.

J'évoquais l'autre jour le retour du progressif, la musique de ce soir confirmera largement l'impression donnée par l'album : on est ici dans un univers hanté par King Crimson (« Red » surtout) et Weather Report, le tout trempé dans un désespoir sonore et moderne (quelques boucles électro notamment). Parce que Steven Wilson n'a pas son pareil pour composer de la musique dépressive. La mélancolie, il faut le redire, quand elle nous tient, ne nous lâche pas. Le leader de Porcupine Tree, encore plus qu'avec son groupe habituel, laisse en solo sa musique aller vers de plus sombres territoires.

Il n'est de ce fait pas forcément évident de rentrer dans cette musique à la fois cérébrale, compliquée et gaie comme un sanglot (« Track One » en est une belle illustration). Mais Wilson a aussi une capacité surprenante à composer des mélodies presque « radio friendly » qui, sans être totalement enjouées, au moment de l'envol nous font littéralement frissonner de béatitude (« Deform to Form a Star », dont les chœurs sonnent quasiment comme du Brian Wilson).

Le rideau précédemment évoqué, derrière lequel resteront un temps les musiciens, servira d'écran à la projection d'images fantomatiques. Lorsqu'il tombera, c'est en fond de scène qu'apparaîtront encore ces flashs visuels, tenant tout à la fois de la photographie contemporaine et des cauchemars du cinéma de Murnau ou Wiene.

Si par instant, la musique pourra nous donner l'impression d'être au Duc des Lombards, il s'agit tout de même d'un concert de « prog », dans la plus pure tradition du genre. C'est ainsi qu'après plus d'une heure de concert d'une musique déjà exigeante, le groupe se lance dans le morceau de choix du dernier opus, « Raider II », qui compte tout de même plus de 23 minutes. Une fois encore, on est emporté dans une musique aux changements radicaux d'atmosphère, toujours parfaitement maîtrisée. Rien n'est toutefois vain, cela ne relève pas de la démonstration de compétences techniques. Il s'agit surtout de jouer juste, avec une place laissée à chacun dans un très bel ensemble.

Lorsqu'à la fin, nous en réclamerons encore, Steven Wilson, viendra très simplement nous dire qu'ayant joué tout leur répertoire, ils ne pourront revenir, mais qu'ils nous remercient pour notre bel enthousiasme.

A la sortie d'un concert qui aura duré plus de deux heures, on a retrouvé notre vendeur de disques de chez Gibert depuis vint ans, le fameux JB, ravi lui aussi de cette très belle soirée. Il nous a également été présenté le spécialiste du rock progressif au sein de la rédaction de Rock Hard : il s'avère être, dans la vie réelle de tous les jours, avocat...

Nous avons fini attablés dans un bar qui fait l'angle (et sûrement d'autres choses encore) avec un mojito aux fruits rouges, après tout ce raffinement, cela s'imposait sans doute plus qu'une bière.

Sébastien