Sounds Mag'

« La maison de bambou », Samuel Fuller (1955)

2010-03-22T11:55:34Z

« La maison de bambou » Samuel Fuller (1955) :

Quand le film a commencé et qu'est apparu devant nous, en Technicolor somptueux, un train traversant des paysages enneigés avec le mont Fuji en arrière-plan, c'était beau comme quand les parents nous laissaient regarder « le cinéma du dimanche soir ». Qu'est-ce qu'on passe d'ailleurs maintenant le dimanche soir à la télé ? Des films avec Jean Reno ?

Je ne sais plus trop comment j'ai découvert Samuel Fuller, sans doute avec Dressé pour tuer (1982), le film inspiré du roman Chien blanc de Romain Gary. On en parlait un peu dans la cour de l'école, de ce film brutal qui évoquait un chien en apparence normal, mais en fait dressé pour attaquer les noirs.

Samuel Fuller, un cigare, un flingue et surtout beaucoup de talent pour réaliser des films mainstream comme des projets plus à la marge (Shock Corridor, Naked Kiss pour parler de chefs d'œuvre).

Oui, la violence était la principale source d'inspiration de Samuel Fuller. Il est vrai que ce garçon, après une carrière de journaliste criminel, a notamment débarqué sur les plages de Normandie le 6 juin 1944 et il a à l'époque poussé ses pérégrinations avec la soldatesque américaine jusqu'au camp de concentration de Falkenau (ses images sont actuellement visibles au Mémorial de la Shoah à Paris). De cette expédition, il a fait un film en 1980, The Big Red One. Un pedigree pareil ne pousse pas forcément à une carrière chez Disney.

C'est ainsi que tous ces films débutent dans la violence. Comme l'a très justement décrit l'animatrice du ciné-club, « on ne sait pas où on va, mais on y va ». Cette dernière nous a également appris que ce goût pour le brutal l'avait fait taxer de fasciste par une partie de la critique française (le magazine POSITIF notamment). A mon avis, le chroniqueur cinéphile de gauche des années 50 et 60 voyait du Mussolini dans tout réalisateur de westerns ou de films de guerre, syndrome de la critique qui a notamment frappé John Ford et Clint Eastswood. Il n'y a donc pas lieu de s'attarder sur cette idée reçue, à mon avis totalement erronée en l'occurence. En cas de doute, s'asseoir dans son canapé et se projeter Shock Corridor.

La maison de bambou est un film parfait sur le plan esthétique, avec son Technicolor utilisé pour faire valoir la profondeur des décors et leurs ruptures (belle utilisation de l'architecture d'intérieur japonaise avec ses grandes portes qui s'ouvrent, théâtralement, sur d'autres scènes et personnages jusque là cachés au spectateur).

J'y ai également vu une splendide scène de braquage, sèche, sans musique avec des plans sublimes de course silencieuse. Et puis ce souci rare à l'époque de tourner en extérieur, dans le Japon d'après-guerre est totalement passionnant. Samuel Fuller a clairement arpenté les rues de Tokyo et a su brillamment tirer des lieux des idées de scènes et de prises de vue. On s'y croirait et c'est logique puisqu'on y est.

Mais c'est également un excellent polar.

Et surtout, un sacré film polisson. Au sein de cette bande de gangsters américains, tous d'anciens GI, va se révéler, tout en discrétion et subtilité (de langage surtout) une histoire d'amour homosexuelle. Si j'osais, je dirais qu'en 1955, c'est quand même assez couillu.

Jeudi 15 avril prochain, même lieu (ciné-club de Saint-Ouen – espace 1789), L'invasion des profanateurs de sépultures de Don Siegel (1956). Be there or be square !

Sébastien

Peter Gabriel - Scratch My Back

2010-03-16T10:08:26Z

Du temps où j'étais jeune, j'écoutais Genesis, je lisais Stephen King et je mangeais des Délice Choc (le chocolat des croqueurs de choc). C'est en se livrant simultanément à ces trois activités que j'ai ainsi découvert que Peter Gabriel avait eu une carrière avant « Sledgehammer ». Plus précisément en écoutant « Nursery Cryme » (Genesis 1971) dans ma chambre d'adolescent modérément rebelle.

L'album est inspiré par les comptines et berceuses traditionnelles anglaises (les « Nursery Rhymes ») et, sous de luxuriants arrangements musicaux, s'y développe également un savoureux humour anglais cruel et drôle (« The musical box », « The return of the giant Hogweed »…). Simplement, plongé que j'étais dans la lecture de « Shining », l'effet de cristallisation a joué bizarrement, le disque m'a ainsi longtemps rappelé des angoisses de lecteur avant des plaisirs d'auditeur. Il n'en demeure pas moins que c'est un chef d'œuvre, ce dont je ne démords pas depuis vingt printemps. D'autant que c'est ressorti sublimement remasterisé.

Il y a toujours de bonnes choses dans un disque de Peter Gabriel, seuls ses concerts m'ennuient avec leur scénographie compliquée et des élans de world music pénibles.

Dans son dernier album, Scratch my back, je ne jette rien. L'archange se lance dans la reprise avec orchestre (no drums, no guitar), forcément, c'est aérien (on revisite Neil Young, comme Radiohead ou Arcade Fire). Les arrangements relèvent de John Cage ou Philip Glass (pour les débutants) et l'ensemble est simplement sublime.

“My body is a cage that keeps me From dancing with the one I love But my mind holds the key”

Sébastien

Vincere de Marco Bellocchio

2010-01-13T23:00:00Z

On parle quand même pas mal de l'Italie depuis quelques temps, mais jamais en bien (il est vrai de toutes façons que dès qu'on descend sous la Loire, c'est le bordel). Du racisme en Calabre, de la mafia, de Berlusconi… A propos de ce dernier, les images de son agression furent fascinantes : sous le visage tuméfié et sanglant surgissait tout à coup le vieillard, dissimulé jusqu'alors par la chirurgie et le bronzage.

Mais venons-en au film, italien donc : Vincere de Marco Bellocchio. Pour ceux que la lecture des pages « Culture » - section cinéma - ennuient, si on la fait brève, c'est l'histoire de la maîtresse cachée de Mussolini durant la 1ère guerre mondiale, Ida Dalser. A côté, Antigone, c'est du théâtre de boulevard. D'abord joyeusement baisée, puis cruellement abandonnée par le Duce qui n'aura de cesse du vivant de cette dernière que de tenter de l'éradiquer de la société, elle comme son fils, qui n'est autre que le sien.

L'ouverture du film est somptueuse, générique inclus. Dès les premières secondes, silencieuse et déjà éperdument amoureuse, Giovanna Mezzogiorno crève l'écran (on s'est dit en sortant qu'elle avait un faux air de Marion Cotillard, mais avec du talent). Les scènes d'amour sont sublimes (j'en vois qui ricanent, non, elle n'a pas une forte poitrine), elle joue impeccablement le désir amoureux et l'intensité physique qui en découle. Sa transformation en mère furieuse qui refuse d'être ignorée et abandonnée est également parfaite. Elle rappellera à juste titre aux fascistes ce qu'ils sont, des voleurs, ce qui justifiera pour ces faibles hommes la tentation de la faire disparaître brutalement, faute de pouvoir la contrôler.

Le film est à peine politique (ce qui est un peu frustrant), préférant se concentrer sur son héroïne tragique (impossible de ne pas penser à Angelina Jolie dans L'échange d'Eastwood, là encore un beau portrait de femme en butte au mâle pouvoir, film déjà chroniqué par votre serviteur).

La réalisation est assez osée, intégrant des slogans d'époque à l'écran, des images de femmes perdues, images dont nous comprendrons ensuite l'origine et surtout des actualités d'époque. Il est fascinant à cette occasion de voir à quel point Mussolini était grotesque, tant dans son allure que dans ses propos (ce renvoi permanent à la splendeur de Rome notamment).

Le seul aspect un peu politique est la description implicite d'une société corrompue, les fascistes, main dans la main avec l'église pour mettre au pas (de l'oie) un pays tout entier, symbolisé ici par une amante trahie.

On en est sortis un peu secoués, ce qui justifie le déplacement n'est-ce pas.

Sébastien

« Les beaux gosses » de Riad Sattouf

2009-07-08T15:46:15Z

On peut trouver amusant de se revoir dans un miroir à peine déformant, mais c'est quand même un peu douloureux. En plus, le héros s'en sort finalement mieux que beaucoup au même âge, alors qu'il a une hygiène déplorable et une mère catastrophique (sublime Noémie Lvovski). Des Aurore comme celle du film, on y a souvent laissé une partie de notre cœur (et de notre jeunesse), n'est-ce pas.

Bref, premier film d'un auteur de BD, parfaitement intemporel, hilarant, sautant allègrement du documentaire cru à l'humour absurde. On dirait du frères Farrelly Lo-fi, je recommande plus que vivement.

Sébastien

P.S. Vu avec les enfants « L'âge de glace 3 ». Pas terrible, mais parfois drôle quand ça se prend pour du Tex Avery numérique. En revanche, je fus terrifié par le langage utilisé : « je l'ai dosé », « waouw, c'est mortel », « ça déchire » et autre « trop bien ». C'est simplement lamentable et laid.

Un service d'ordre... exemplaire

2009-06-25T18:58:00Z

La CGT est la cible – méritée – de critiques en ce soir du 25 juin 2009... Le service de sécurité du syndicat français a mis à la rue environ 200 travailleurs sans-papiers d'origine africaine. Le groupe de sans-papiers avait commencé à squatter les locaux du syndicat à la Bourse du travail, à Paris, il y a un peu plus d'un an. Ils ont reçu peu d'encouragement de la part du syndicat qui, depuis le départ n'a cessé de vouloir apercevoir le dos de ces troublants travailleurs non-CGTistes.

On aurait pu imaginer qu'un syndicat soit plus à l'écoute de personnes n'ayant aucune autre issue. Pourtant les méthodes utilisées pour mettre à la rue des familles entières, dont des femmes enceintes, ont été qualifiées de brutales. La CGT se défend d'avoir utilisé les grands moyens, mais il faut dire aussi qu'elle a nié l'existence d'enfants… et j'invite quiconque possède un téléviseur (ou une connexion internet) a regarder les images des 180 personnes qui dormiront dehors ce soir.

La CGT serait-elle donc une caste ? Certains s'amusent à le répéter, mais ce syndicat ne défend vraiment, semble-t-il, que les siens…

Les sans-papiers passeront la nuit dans la rue ce soir en attendant de trouver un autre endroit dans lequel dormir.

Etreintes Brisées (Los Abrazos Rotos)

2009-06-08T22:00:00Z

Posons un peu le contexte. Je ne connaissais pas grand-chose à l'Espagne jusqu'à il y a peu. J'ai fait allemand deuxième langue, l'ouvrage d'apprentissage scolaire « Sol y Sombra » (Joseph Delteil et André de Richaud), ne trônait pas dans ma bibliothèque de lycéen. Bon depuis, je crois savoir que ce sont les places à l'ombre ou au soleil lors des corridas. Belle jambe.

Et puis vint le cinéma, qui est une fenêtre sur le monde n'est-ce pas. Donc Almodovar (entre autres). Ensuite, j'ai visité un peu la région et c'est de l'amour, j'en suis sûr, que je porte maintenant à cette contrée. Des tapas et une bière fraîche sur le front de mer à Barcelone, je défie quiconque d'y résister.

Avant d'attaquer le vif du sujet – si, si à un moment, je vais y arriver – je voudrais rattraper un oubli. Avec Sirk, je vous ai parlé des mélodrames comme d'un genre quasiment disparu. J'avais injustement oublié Pedro qui, avec toute la flamboyance attachée au genre, s'y plonge quand même allègrement depuis En chair et en os jusqu'à et c'est justement l'objet de ces quelques lignes, Etreintes Brisées (quel titre de mélo, qui a l'air encore plus magnifique en espagnol, Los Abrazos Rotos).

Autant le dire tout de suite, ce n'est pas son meilleur film (surtout après Volver), il mériterait même d'être amputé d'un quart d'heure, en raccourcissant ça et là quelques séquences. Mais tout de même, que c'est beau un film de grand cinéaste. Il n'y a plus aucune urgence rock n' roll dans le cinéma d'Almodovar, mais on y trouve invariablement une maîtrise impressionnante, une justesse et une profondeur rares. Il filme un pied et c'est beau. Et j'avoue que se blottir de manière fœtale dans une salle de cinéma pour contempler un tel spectacle fait toujours ma joie (et pour pas cher).

Almodovar, cinéaste majeur indiscutablement, mais également immense directeur d'acteurs. De bons et parfois grands acteurs certes, mais quand même. Le cinéma c'est la vie et là on s'y croirait. Une femme se blottit contre le dos de l'homme aimé, un couple baise passionnément, un homme pleure l'absence ou se raidit dans la douleur, une mère embrasse tendrement son grand fils, et pas une seule seconde, un décalage avec la réalité ne se fait. L'empathie est immédiate. C'est fort, même quand on teinte parfois cela d'un nécessaire excès cinématographique cher au réalisateur. Le film contient notamment une des plus belles déclarations de rupture jamais tournée.

Un mot à propos de Penelope Cruz, pour conclure. En fait, c'est une immense actrice, mais il n'y a qu'Almodovar pour s'en être rendu compte. Elle essaye des perruques et je pleure devant tant de beauté. Un ami m'a dit un truc du genre, « elle incarne la supériorité de la femme occidentale ». C'est pas faux. Elle a des fesses, elle a des seins (rien de bien impressionnant, mais simplement délicieux), une bouche et des yeux qui lui mangent parfois le visage. Elle peut rire, pleurer, et même vomir, elle reste parfaitement magique, quintessence de la beauté fragile. En plus, elle sait sûrement cuisiner.

Viva Espana.

Sébastien

OSS 117 : Rio ne répond plus

2009-05-24T12:31:25Z

Dimanche pluvieux de mai, enfants grippés loin du soleil mexicain, sortie familiale en masse (à 10 !) pour aller voir OSS 117, Rio ne répond plus (Michel Hazavicinus). Du rire, du soleil…

Sunday theory : Ah, Mon Dieu, il est bon de rire parfois.

J'avais adoré le premier (Le Caire, nid d'espions), j'en ai autant au service du deuxième. C'est beau, c'est élégant et c'est à mourir de rire. Parfaitement chers lecteurs, c'est possible, de temps en temps, notre cinéma fait aussi bien que celui des ricains. On parle ici du cinéma de Ben Stiller, de Jack Black ou de Will Ferrel. Mais c'est français, sans l'ombre d'un doute, avec un mauvais ton qui a dessiné un sourire sur le squelette de Pierre Desproges.

Parce que ça envoie sur tous les sujets qui fâchent, les femmes, les chinois, les juifs, les homosexuels, la collaboration, les nazis, les crocodiles, avec des raccourcis délirants d'imbécilité jouissive et absurde. Ce film sauve une forme d'humour et redonne foi en la possibilité de rire d'une production française, sans que ce soit automatiquement de « l'humour Canal ». A aucun moment, on ne ressent cette impression de laisser-aller, de facilité tarte que nous donne invariablement le comique actuel (rire des choses banales du quotidien, quel programme), particulièrement dans son pendant cinématographique.

Au surplus, l'ensemble est admirablement écrit, fait donc dans la provocation, mais sans verser dans le putassier ni le vulgaire et rappelle quand même au passage qu'en fait, on a encore le droit de rire de tout, sauf si on s'appelle Dieudonné.

Pour faire tenir ce délire comique, Dujardin est impérial de bout en bout, balançant au kilomètre des tourbillons d'âneries en

Technicolor. C'est tout de même délicieux de s'asseoir dans une salle de cinéma et de sourire à peine assis, devant un acteur parfaitement réjouissant tant dans son déplacement dans l'espace que dans ses propos. L'allure est impeccable de classe et de grotesque, des mimiques aux mouvements de jambes. Jean Dujardin va fonder à lui tout seul un Actor Studio de la drôlerie (en plus, je suis fier, je le connais, oui, oui, j'ai même déjeuné avec lui avant la gloire ; la sienne, pas la mienne).

Et puis c'est un film, un vrai. Les intentions sont intelligentes et la mise en scène superbe. Raffinement des décors et élégance de la caméra qui caresse les acteurs (et des actrices, Seigneur !) dans leurs circonvolutions. C'est même souvent beau comme un Hitchcock, à qui la photographie comme les angles de caméra font d'ailleurs souvent penser, en plus de la teinte – naturelle – Philippe de Broca / Blake Edwards.

Si tu es gai, ris-donc.

Sébastien

Foucault : Sa pensée, sa personne

2009-05-10T16:32:13Z

Il est presque navrant que cette chronique de livre paraisse dans une section que l'on a faussement baptisée 'Politique'. Cela pour plusieurs raisons.

Premièrement, cela aurait certainement exaspéré Michel Foucault, le héros de ce petit livre merveilleusement instructif. Paul Veyne ne manque pas de le rappeler au travers de son récit : Foucault ne se voulait ni philosophe, ni homme politique et les personnes se réclamant de ces trempes risquaient de se retrouver victime de sa foudre légendaire et de son usage presque inégalé du langage.

Il existe une autre raison pour laquelle je m'en veux d'avoir 'rangé' ce livre dans la section 'Politique' : c'est qu'il s'agit avant tout de l'hommage d'un ami proche. Les lignes de ce livre se lisent comme une synthèse de l'oeuvre que l'auteur même aurait certainement souhaité ne jamais écrire. Non seulement Paul Veyne écrit formidablement bien, mais il parvient aussi à rendre certaines idées de Foucault compréhensives, d'autres sont illustrées par des exemples que Veyne tire de ses propres recherches sur le Christianisme ou les Empires Grecs et Romains. Certaines idées ayant amené les foudres des bienpensants de l'époque de Foucault nous sont souvent expliquées très simplement et parfois même justifiées.

L'explication de concepts tel que celui de 'discours' - une idée particulièrement liée à Michel Foucault depuis son fabuleux Surveiller et Punir – est rendue accessible à tous et démocratisée en quelque sorte. On comprend mieux, à la lecture de ce livre, ce que Foucault signifiait par ‘Archéologie' ou encore ‘épistème'. Foucault est présenté tel qu'il fut et tel qu'il est resté depuis, comme l'initiateur d'un changement de voir le monde et de le comprendre, comme étant a l'origine d'un nouveau paradigme philosophique.

Reste la présentation d'un Foucault complexe qui soutint l'accession au pouvoir de l'ayatollah Khomeini en Iran. Il existe aussi le Foucault dont la sexualité fut longtemps critiqué par les conservateurs et qui, plus tard, fut critiqué parce qu'il n'a pas voulu utiliser sa notoriété pour faire découvrir le virus du Sida au début des années 1980.

Ce livre présente un témoignage unique. Veyne l'historien retrace pas à pas la vie de ce grand penseur et ami, tandis que Veyne le philosophe présente les combats, les idées et les grandes révolutions que Foucault a introduit. Accessible à tous, Foucault – Sa Pensée, Sa Personne est un livre que l'on peut conseiller à tous ceux qui partagent l'amour de la philosophie française du vingtième siècle ou à ceux qui cherchent a mieux comprendre la pensée Foucault et ses conséquences sur les systèmes de pensée d'aujourd'hui.

Polo

Dans la brume électrique

2009-04-22T14:01:17Z

La première bonne idée pour un cinéaste français établi qui veut tourner aux Etats-Unis, c'est de le faire en Louisiane. Le clin d'œil est sympathique, tout le monde s'appelle Doucet, Robicheaux et autres… Mais de français, il n'y a finalement rien qui saute aux yeux dans cet opus, en revanche, de la maîtrise et de l'élégance, ce n'est pas ce qui manque.

La deuxième idée est simple : tant qu'à se plonger dans la moiteur étouffante de la Louisiane, autant y tourner un polar avec ce qu'il faut comme rebondissements et personnages hauts en couleurs (John Goodman nom de Dieu !!). Ce qui fait un bon polar, ce n'est d'ailleurs pas tellement l'histoire, mais le lieu (par exemple, les réserves indiennes de Tony Hillerman) et les caractères (n'importe quel flic chez James Ellroy).

Pour ce qui est du site tout d'abord, ce sont les marécages louisianais qui charrient tout ce qu'il faut comme cadavres et fantômes (esclavage et guerre de Sécession, plus récemment Katrina). L'irruption de ce passé que d'aucuns voudraient oublier (enterrer), vient bousculer les personnages, l'histoire et même étrangement le film, lui donnant rythme et originalité.

S'agissant des personnages, le casting est impeccable, pas une faute de goût. D'abord un acteur, Tommy Lee Jones qui reproduit un peu ici, sans distance humoristique, le flic qu'il incarnait chez les Cohen dans No Country For Old Men. On avait prévenu Tavernier en des termes similaires, « il n'aura pas le 1er prix de camaraderie, mais ta caméra sera amoureuse de lui ». Et c'est exactement ça. Qui d'autre que lui pour incarner le fait d'être parfaitement désabusé par le marécage qu'est une vie humaine ? Eastwood peut-être, mais ce dernier a toujours, même loin, un sourire en coin. Tommy Lee Jones, il n'est pas là pour rigoler. Parfois même, il cogne. Et pour le spectateur, quelle présence. Ce type irradie littéralement, on voudrait qu'il ne sorte jamais du champ. Il a inscrit son nom en 2005 dans « ma liste des plus beaux films du monde » avec Trois Enterrements (qu'il a lui-même réalisé). Si vous ne l'avez pas vu, c'est tout simplement une honte.

Tavernier, qui est un garçon quand même pas mal branché cinéma américain et direction d'acteurs, est ici à son affaire. Il a une Rolls, non, une Cadillac à conduire et il s'installe au volant avec autant d'attention que de délectation. A Tommy Lee Jones, il adjoint une distribution chic mais pas hype, avec notamment les musiciens Buddy Guy et Levon Helm (batteur de The Band, excusez du peu) et une distribution féminine de rêve. Je n'évoquerai que Mary Steenburgen qui joue la femme de Tommy Lee Jones et qui est tout simplement sublime, sa beauté élégamment fanée la rend parfaitement sensuelle et délicate. Leur – vieux – couple est d'une justesse absolue et on se voudrait vieillir comme ça. On aurait une grande maison de bric et de broc en pleine nature, loin des turbulences humaines, on bricolerait et on pêcherait des black bass en devisant sur l'absurdité du monde. Et de temps à autre, on ferait l'amour, presque comme au 1er jour.

Finalement, je crois que je préfère les films réalisés par des vieux, ça colle mieux à ma vision des choses. Savoir si je dois m'en inquiéter est une autre histoire.

Sébastien Bourdon

Two Lovers

2009-01-25T19:16:54Z

« Two Lovers » de James Gray :

Il y a une incroyable scène de boîte de nuit. La meilleure de tous les temps. Gray est très fort pour ce genre de scène, souvenez-vous des passages tournés dans la boîte tenue par Phoenix dans La nuit nous appartient. Là, tout y est : la musique, les lumières, le bruit, la foule, les gens plus beaux, les femmes abominablement désirables, le besoin d'arriver à exister dans ce bordel… Bref, le night-club comme un lieu d'impossible bonheur terrestre. Je m'y croyais, j'ai vécu tout cela.

Parce que oui ce film pourrait être un condensé d'une vie sentimentale masculine, notamment dans ses aspects les plus pathétiques. Restituer la force inouï du sentiment amoureux, même lorsqu'il est absurde ou imbécile (et pas forcément partagé). Pas vraiment un truc facile à filmer (et à jouer !). La solution retenue par James Gray est simple : filmer les polars comme des histoires d'amour, filmer les histoires d'amour comme des polars. Alors dans Two Lovers, le suspense est insoutenable, même si l'inéluctabilité des évènements apparaît aux spectateurs comme une évidence. On est donc clairement dans le respect des règles imposées du polar.

Cela pourrait être une comédie sentimentale ou même un « teen-movie », mais c'est un mélodrame au classicisme formel. Pour échapper aux écueils liés au genre, James Gray fait du cinéma : une mise en scène, une photographie et des acteurs. S'agissant de ces derniers, ils sont en fait trop vieux pour ce genre d'histoire, ce qui nous rappelle que jusqu'à la mort, on n'est pas à l'abri de tomber amoureux comme un con (ou une…, ça marche aussi).

Phoenix incarne à la perfection le désespoir amoureux masculin, depuis Belmondo dans La Sirène du Mississipi, on n'avait pas fait mieux (Truffaut : « Je traitais Jean-Paul Belmondo comme une jeune fille vierge et je traitais Catherine Deneuve comme un aventurier »). Il y a de ça dans le film, dans ce personnage largué qu'est Kraditor (quel nom que ce personnage incarné par un Phoenix aussi à l'ouest qu'un vétéran du Vietnam). Il en est indécent pour les spectatrices féminines, comme si on leur montrait un spectacle qui ne leur était pas destiné, un envers du décor.

Le sentiment amoureux certes, mais aussi l'amour dans son expression la plus crue, la sexualité, est également admirablement filmé, avec beaucoup de pudeur mais pas moins d'intensité. Il arrive même à insuffler de la sensualité à Gwyneth Paltrow, ce que je ne trouvais pas forcément évident.

Et puis il y a New York, la quintessence de la ville où tout semble possible, mais en réalité, comme ailleurs, ne l'est pas.

Bref, Two Lovers est hautement recommandé par mes services. Parce que c'est une joie et une souffrance n'est-ce pas.

Seb

Fink - Distance and Time

2008-12-15T23:00:00Z

Fink is simply brilliant.

When he signed on to the Ninja Tune label and produced his first record with them, there was little that pointed to the fact that the label had discovered a genius. But a second album, entitled Biscuits For Breakfast became the first non-electro album to be released under the Ninja Tune name... It was fun to see Fink persistently classified in the electronic music section of your local record shops by people who might not have even tried to give it a listen.

Distance and Time sees Fink develop his folk-blues approach to music even further. His lyrics are deeply autobiographical and often dark and depressing. Accompanied by Guy Whittaket on bass and Tim Thornton on the drums, the music here is airy and sophisticated. The light beats and fragile voice on 'Make it Good' are illustrative of the desire that Fink has to be creative in a genre that has at times been rather crowded. 'This is the Thing', the albums' second track, is sung with the regret-filled voice of a man who sees his relationship move to an end - and, as with all the other tracks here, it is spoken with hearwarming honesty.

There is no anger here... There are no samples either. Just a desire to sing the truth with a thoughtful calmness and a dazzling dreaminess.

Polo

Valse avec Bachir

2008-07-18T09:16:58Z

Je me souviens, enfant, avoir cessé de croire en la possibilité d'un être suprême et bon en voyant les images de l'assassinat de Sadate (6 octobre 1981). Il y avait ce type allongé par terre au milieu de la tribune, en sang, qui m'a semblé tendre la main vers la caméra, implorant de l'aide. Un an plus tard, les images des massacres de Sabra et Chatila (16 et 17 septembre 1982) ont, si j'ose dire s'agissant de l'existence d'un potentiel Christ, enfoncé le clou.

Valse avec Bachir de Ari Folman m'a parlé exactement de ça. Peut-être que ce chef d'œuvre vous évoquera autre chose, fera appel à d'autres références, mais j'ai retrouvé très précisément ces sensations.

En effet, ce film n'évoque finalement rien d'autre que des thèmes assez classiques comme la vacuité de la guerre, la brutalité humaine, la violence au cœur de tout homme (l'inhumain comme propre de l'humain), les ravages de la violence et de son inéluctable répétition.

Sa forme diverge puisque c'est un dessin animé (on dit « film d'animation » pour ne pas rebuter le lecteur des Inrocks), comme avait pu l'être récemment dans sa forme et son contenu autobiographique, Persepolis (Marjane Satrapi et Vincent Paronnaud). On pourrait également rapprocher son contenu des bandes dessinées du journaliste Joe Sacco sur la guerre en ex Yougoslavie (Gorazde) ou le conflit israélo-palestinien (Palestine). C'est du dessin, mais il n'y pas de distanciation possible par le recours à la fiction, ou l'incarnation (cf. les souris dans Maüs de Art Spiegelman)

Le film est en effet extrêmement sérieux, fouillé, documenté et surtout, vécu. La réalité est palpable, même dans les rêves fantasmagoriques des personnages.

Film évoquant un abominable évènement historique, il s'inscrit également totalement dans son contexte. La bande-son y contribue beaucoup, la musique originale est superbe et l'utilisation de standards de l'époque (« This is not a love song », « Enola Gay », mais aussi les hymnes rocks et patriotiques locaux) contribuent à notre immersion dans l'histoire.

Si l'effet esthétique est surprenant, l'effet produit par le film est terrassant. Le réalisateur le dit lui-même, c'est un trip. Et c'est exactement ça. Simplement, lorsque la lumière s'est rallumée dans la salle, personne ne bougeait et j'avais rarement entendu un silence aussi pesant.

Il y a un point de vue, il y a un regard, on parle donc de Cinéma.

Sébastien

Eldorado

2008-07-18T09:08:48Z

Fume, c'est du belge

J'aime bien les road-movies. Ce qui est assez cohérent en somme, si l'on part du principe truffaldien que « les films avancent comme des trains dans la nuit. » On part d'un point A vers un point B et entre les deux, il peut - ou pas - se passer des tas de choses, de la matière à histoire (s) et surtout, s'agissant de déplacement sur des routes, de la matière à images. Donc du cinéma.

Il en est de célèbres que j'adore (Voyage à Deux de Stanley Donen, Honkytonk Man de Clint Eastwood, Duel de Steven Spielberg), des célèbres que j'avoue n'avoir pas vus (genre Macadam à deux voies de Monte Hellman ou Faster Pussycat Kill Kill de Russ Meyer et ce nonobstant mon fort penchant pour les fortes… mais je m'égare), des récents qui en somme en sont (Into The Wild de Sean Penn), et même des français qui s'approchent bien du concept (Les Valseuses de Blier, Papa de Barthélémy ou encore Western de Poirier).

Et puis il en est sorti un cette année, belge, Eldorado de et avec Bouli Lanners. On ne voit pas beaucoup de films belges n'est-ce pas, et bien, on a peut-être tort.

Et bien, vous ne le saviez pas et moi non plus, la Belgique, en fait c'est comme l'Amérique, il y a de grands espaces que l'on dévale en Cadillac millésimée 1979 (Septante Neuf donc).

Le pitch de ce road-movie est simplissime : deux marginaux se rencontrent dans des circonstances brutales et hilarantes et entament un périple en apesanteur au milieu de nulle part durant lequel ils croiseront d'authentiques déglingués au cours d'aventures minimales (voire minimalistes).

Ce n'est pas gai, mais l'on rit énormément. Ce qui dans une langue – le français - où le cinéma a depuis longtemps déserté l'inventivité en humour en devient assez surprenant. Sur cette route wallonne, j'ai même eu parfois peine à retrouver mon souffle.

S'agissant d'un film itinérant, la photographie se devait d'être superbe. Et là, rien à redire, du petit au gros plan, la lumière est belle. Pour un peu, j'irai bien passer des vacances en Belgique (une fois).

La musique est également à la hauteur du projet, sorte de blues décadent, genre Ry Cooder couche avec Nick Cave (deux artistes que je connais mal, mais j'adore le name-dropping).

Recommandé, mais faites vite, il sort beaucoup de films et le temps les avale pour les recracher on ne sait où.

Sébastien

Orientation Professionnelle

2008-05-28T09:33:29Z

Chers Sounds pals,

Hier nous sommes allés voir le spectacle de Thomas VDB, humoriste et rédacteur pour Rock Sound, au théatre du Temple à République, et on s'est bien fendu la gueule...

Le spectacle tourne autour de "Moi j'aime le rock, et j'ai fait mon métier de savoir que Marduk c'est du Black et que Florent Pagny c'est de la merde..." !!

Mais surtout, quand j'ai répondu que Marduk c'était du Doom, et que VDB m'a complimenté sur mon joli costume pour me dire que j'y connaissais rien, je me suis dit que j'avais raté ma vocation, ca aurait été tellement plus cool de continuer le travail pour Sounds et d'en faire un vrai taf !

Bref je vous conseille d'aller vois son spectacle, ca m'a fait mourir de rire et rappelé the "good old times". Révisez les premiers Sounds of Metal avant d'y aller (la belle époque où Soundsmag n'était qu'un journal sur le metal !).

Au fait, il joue jusqu'à vendredi en huit seulement, so be quick ! (et achetez vos places sur Cityvox).

David

No hope for Myanmar

2008-05-09T22:09:41Z

Today, I read that a representative of the UN has just announced an end to the delivery of foodstuffs by the World Food Programme (WFP) into Myanmar (the name given by the military regime to what was previously known as Burma). This is due to the regime's confiscation of 38 tons of energetic biscuits.

Nine days ago, when the cyclone hit the country, I remember the extremely rapid increase in the body count. First, just over 300 people were announced dead. Three hours later it was 20,000 people. And now, estimates range from 40,000 to 100,000 dead - the regime will of course keep the official number quiet. This is the most catastrophic death-toll caused by a natural disaster since Christmas 2005.

And yet, it is particularly problematic since the government of Myanmar, held together by the firm hand of Than Shwe, is a brutal dictatorship with little consideration for its population. The seizing of the cargos which were destined to 100,000 people in dire need of water and food is a terrible sign of this. Estimations range from 1.3 million to 1.9 million people who are currently suffering the consequences of the cyclone. Living in Myanmar makes matters worst.

It seems unlikely that the military dictatorship will accept humanitarian aid for two reasons. Firstly, this aid is clearly going to be political – the UN and humanitarian NGOs are likely to use this occasion to report more accurately on a country that is usually extremely secretive. Second, seeing that the regime has decided it would be a better distributor than the ‘experts', it will persist in its choice of distributing food to people who are close to the regime. Our readers should be reminded that the regime is responsible for the massacre of the Karen, a ethnic minority of Burma which is now being exterminated in silence.

Myanmar is a country without optimism. I will keep you posted in the next few days.

Polo

dEUS - Vantage Point

2008-05-09T08:14:59Z

As the album Pocket Revolution was being released back in 2005, Tom Barman, the charismatic frontman of dEUS announced that the band had almost suffered a permanent separation while working to make it. Reviews were nonetheless fairly good and the band did tour. But internal changes were made over and over again… and I sincerely feared the end of Belgium's most amazing band.

Out today is Vantage Point, dEUS fifth album – three years on and dEUS has apparently reached maximum maturity. This, it turns out, is both good and bad. Firstly, it is clearly positive because the album is well structured and intensely powerful. It is also good because one can feel and hear that the band is fully confident when it launches itself into a track like “The Architect”, reaching levels of heaviness never yet reached by the band while maintaining that definitely dEUS pop-rock feel. There is a problem with maturity however and that is the witnessing of a lack of experimentation. dEUS no longer has those genius moments which were so present on Ideal Crash. Barman and co. have reached a level where they perhaps feel they know who they are what their fans expect… and so they deliver with few surprises.

Vantage Point is a very good album with a number of great singles on it… “The Vanishing of Maria Schneider” is a great track which works very nicely with the voice of Guy Garvey, singer of Elbow – a track that would be perfect for the soundtrack of a 1950s romantic comedy. Other collaboration on this album: Karin Dreijer Andersson from The Knife. She flew in from her native Stockholm to add her unique sounding voice to Vantage Point on “Slow” – a passionate song.

dEUS is a creative band and Barman a real musical genius. Without him, it seems that the band would be no more and that would truly be a pity. Vantage Point is not dEUS's best attempt but nonetheless, it is a solid album which demonstrates a renewed and much-needed vitality.

Polo

En Italie, de la droite au post-fascisme

2008-04-30T14:15:34Z

Après l'élection de Silvio Berlusconi et le retour de la droite italienne au gouvernement c'est la mairie de Rome qui passe des mains d'un candidat présidentiel ,Walter Veltroni, à celles d'un ancien fasciste, Gianni Alemanno.

Alemanno s'est fait élire en surfant sur l'insécurité, avec tout un programme anti-immigration. Ses promesses : fermer des camps de gens du travail et renvoyer ‘chez lui' tout immigré commettant un crime.

On peut s'inquiéter de la lassitude exprimée par les électeurs italiens. Certes le gouvernement de Romano Prodi n'a pas été d'une grande réussite mais le fait de réélire Berlusconi – lui aussi un échec total lorsqu'il gouvernait le pays – est le signe certain d'une perte d'espoir. Que les Romains aient élus pour maire un homme de la droite dure (pourtant toujours décrit comme très sympathique) est un autre signe : l'Italie pourrait bien devenir de plus en plus intolérante…

Polo

The Darjeeling Limited - directed by Wes Anderson

2008-04-29T16:59:15Z

Three brothers get together for a train ride on a spiritual trip to India. And it all goes crazy from there onwards – seeing as this is Wes Anderson's new film, there is little surprise there.

After The Life Aquatic With Steve Zissou and The Royal Tenebaums, Anderson has to know people are expecting good stuff from him. I can picture the mobs of reviewers looking for the tiniest flaws in his films to demolish his long-standing reputation as a crazy genius of American film-making. He writes his screenplays and dialogues, he directs the movies… And he adds the spice to each one that makes them a definite Wes Anderson production.

The Darjeeling Limited is no exception. Even the actors are a clear wink at the past movies – the strange appearance of Bill Murray; the presence of his favorite actress Anjelica Huston; Waris Ahluwalia, the impatient train conductor with the cute girlfriend… And then of course there is Owen Wilson. In Darjeelin he is the eldest brother, the rather bossy guy who thinks he is necessary to take care of the younger two (played by Adrian Brody and Jason Schwartzman). The performance of all three is perfectly in tune with the general atmosphere created by the film: beautiful images, slow-motions followed by fast and dusty travelling shots…

Wes Anderson is special. I suspect that in the past, his films could become a little nutty, a little hard to follow – which made them so fun. With The Darjeeling Limited, all the spectator is asked to do is sit back, laugh a little at times, feel a little sadness at others. The viewer, in short, is on the same spiritual trip as the three brothers… And it is a very pleasant one.

Polo

EZ3kiel - Battlefield

2008-04-29T16:29:22Z

Could it be that France has become a solid base for the production of electronic music? Air have become an international phenomenon as have Daft Punk (incidently, both bands are from the very posh suburb of Versailles) but there are plenty more out there – darker or more energetic, creators of strange musical atmospheres. EZ3kiel is one of these bands. The band hails from Tours, in central France and although it has been active since 1993, its first album (Equalize It was released in 1998.

And the ten year anniversary for EZ3kiel comes with the release of its sixth album (one year only after the very impressive Naphtaline). The new album is entitled Battlefield and it is a surprise in many respects. Firstly because it is so passionately ‘rock'. The disk opens with the gloomy and commanding ‘Adamantium': a heartwarming welcome indeed! Yann Nguema's booming bass sounds are present on every track (see for example ‘Volfoni's Revenge'), accompanied by intense drum beats and dark samples – the music is more powerful than on any other EZ3kiel album I have heard to date and the created atmospheres would make Tricky envious.

Having lost their original singer – she left after the first album – the musicians have hired out a number of different singers for this new opus. The rapper and urban poet Blurum 13 takes us through the beautifully limpid ‘Alignment' (heavily Mush Records-like, a super track). ‘Spit on the Ashes' is yet another example of EZ3ekiel's return to rock. It is worthy of a great Peter Gabriel song, almost depressing both because of the general ambiance but also because of the lyrics themselves. Basically though, the band is still partly faithful to its dub and trip-hop roots. Yet Battlefield stands out as an experiment… a series of experiments to be more precise. From the chaos and violence of ‘Firedamp' to the interesting rendering of Sergueï Prokoviev's ‘The Montagues and the Capulets' (from ‘Romeo and Juliet' opera). And to thank you for listening, EZ3kiel's members give you the brilliant ‘Wagma', a much more ‘traditional' piece by the boys… The drums on that track are very impressive…

All in all, yet another brilliant album…

Polo

Freedom of expression in Turkey

2008-04-29T14:39:14Z

I have just heard that the Turkish Parliament has just passed a motion which reforms the highly criticised ‘Article 301′. Whereas the article had previously stated that ‘insults to the Turkish identity' were delictious, the reform has replaced the wording with the ‘Turkish nation'.

This is not in itself a revolution but it does show a will for change on the part of the Parliament. Indeed, the European Union has long been attacking the article for being against freedom of expression. This rather timid move is nonetheless a positive one… Taner Akçam, a Turkish historian who has frequently written about the Armenian massacres of 1915 is more cynical - in his view the difference between the two terms is so vague that the volume of arrests will remain the same. He has often been attacked for insulting ‘Turkishness' as has Orhan Pamuk, a Turkish novelist and Nobel prize winner.

Still… 250 votes for the reform and 65 against - that is a pretty high score. The maximum penalty is being lowered from three years to two years in prison and now, a person cannot be prosecuted unless the Ministry of Justice backs the decision to do so. This is extremely important in the sense that it will have the effect of blocking the charges brought on by the self-appointed ultra-nationalists. In the long run, it is highly possible that the nationalists will tire of a court that sees them as a persistent nuisance - and this could lead to a total rethinking of the article 301.

Modest changes yes… But changes in the right direction it seems.

Polo